RESEÑA DEL BLURAY "LA HORA DEL LOBO" DE A CONTRACORRIENTE FILMS

 

RESEÑA DEL BLURAY "LA HORA DEL LOBO" DE A CONTRACORRIENTE FILMS

Tenía curiosidad por acercarme a La hora del lobo, una película que, a pesar de no formar parte del canon más evidente del cine de terror, se presenta como una inquietante mezcla de géneros: drama psicológico, horror existencial y cine de autor en estado puro. Dirigida por Ingmar Bergman y rodada en un exquisito blanco y negro, la película se aleja de las convenciones del cine fantástico tradicional para adentrarse en un terreno más simbólico, introspectivo y perturbador.

Confieso que no soy especialmente aficionado al cine experimental ni a aquellas propuestas que se alejan de una narrativa más clásica. Sin embargo, lo que ofrece Bergman aquí es una experiencia singular: un relato que, desde lo íntimo, se expande hacia lo extraño y lo espectral, explorando los límites de la cordura, la soledad creativa y el peso de los fantasmas interiores. Más que una película de miedo al uso, La hora del lobo es un estudio sobre la descomposición mental y emocional de un artista, filmado con la precisión estética y filosófica que caracteriza al cineasta sueco.

Aunque puede resultar árida para quienes buscan sustos o fórmulas reconocibles, esta obra contiene momentos de auténtico desconcierto y un clima de opresión que cala hondo. Gracias a la reciente edición en Blu-ray lanzada por A Contracorriente Films ,con una restauración impecable y material adicional, esta rara avis dentro del cine de género se convierte en una oportunidad ineludible para descubrir una faceta distinta de Bergman. Un film para ver con los sentidos alerta y dejarse llevar por el lado más oscuro del alma.

Bergman, ampliamente reconocido por dramas existenciales como Fresas salvajes o El séptimo sello, no es un nombre que los seguidores del cine de terror asociarían fácilmente con sus filias. Pero precisamente ahí radica la singularidad de La hora del lobo: se trata de una obra en la que lo psicológico y lo fantástico se entrelazan de forma hipnótica, creando un clima opresivo y perturbador que, si bien puede resultar árido o incluso desconcertante para quien espera un relato más convencional, ofrece una experiencia cinematográfica absolutamente absorbente.

La trama es deliberadamente sencilla: un pintor (interpretado por un Max von Sydow en estado de gracia) y su esposa se retiran a una isla remota. Poco a poco, el artista comienza a deslizarse por la pendiente de la locura, acosado por figuras enigmáticas, alucinaciones inquietantes y recuerdos reprimidos. Lo que podría haberse planteado como un relato de posesión o de fantasmas se convierte, bajo la lente de Bergman, en una exploración simbólica del aislamiento, la culpa, el proceso creativo y la fragilidad mental.

Rodada con un estilo sobrio, de una belleza plástica sobrecogedora, la película logra generar una atmósfera enrarecida, gracias a su puesta en escena teatral, sus silencios inquietantes y un trabajo de fotografía impecable que aprovecha los contrastes del blanco y negro para acentuar lo onírico. Si bien no es una obra de terror convencional ,no hay sustos ni monstruos explícitos, sí transmite una inquietud persistente, una sensación de desasosiego que se adentra en la psique del espectador.

La hora del lobo no es una película fácil ni complaciente, y probablemente alejará a quienes busquen un horror más directo o espectacular. Pero para quienes estén dispuestos a sumergirse en una pesadilla interior filmada con rigor y sensibilidad, esta es una experiencia obligada. Para quienes busquen el horror narrado desde códigos más tradicionales, puede resultar una experiencia desconcertante o incluso frustrante. Lo más interesante es la forma de narrarlo : la historia está contada como el testimonio retrospectivo de la mujer, lo que refuerza su carácter confesional y ambiguo. Es una cinta imprescindible para entender cómo el cine puede representar el miedo sin recurrir a lo evidente. Es un film que más que narrar, sugiere; más que aterrorizar, perturba. Es cine que interpela, que incomoda, que deja huella. Y esta edición restaurada convierte su visionado en algo no solo recomendable, sino esencial.

Como curiosidad cabe mencionar que la película se encontró inicialmente con críticas negativas en su pais de origen pero años mas tarde recibiría críticas generalmente positivas y fue clasificada como una de las "50 Mejores películas jamás realizadas" en una encuesta de directores del año 2012 hecha por el British Film Institute.

La reciente edición en Blu-ray lanzada por A Contracorriente Films en España supone una oportunidad única para para revisitar o descubrir este clásico desde una nueva perspectiva y acercarse a esta joya difícilmente clasificable. La restauración es excelente: el nuevo máster en alta definición permite apreciar como nunca antes la densidad de sus encuadres, los juegos de luz y sombra y el cuidado diseño visual.  Esta edición le devuelve a la obra toda su fuerza visual y sonora. Puede que no sea una película para todos los públicos ni para los amantes más ortodoxos del terror, pero es, sin duda, una experiencia cinematográfica valiosa e imprescindible para quien desee explorar los límites del miedo y la percepción en el cine.

Además, la edición incluye valiosos extras como son trailers y una introducción de media hora de Ángel Sala , el director artístico del Festival de Cine Fantástico de Sitges que contextualizan la obra dentro del corpus bergmaniano y donde ofrece una perspectiva sobre la obra, destacando su carácter onírico y su exploración de los miedos y demonios internos del personaje principal, Johan Borg. Sala analiza el simbolismo de la película, especialmente el concepto de "la hora del lobo" como el momento de mayor oscuridad y vulnerabilidad, donde los sueños y pesadillas se manifiestan con mayor intensidad. En resumen, la introducción de Ángel Sala a "La hora del lobo" es una valiosa herramienta para comprender la película, su simbolismo y su atmósfera. Sirve como una guía para adentrarse en el mundo onírico y oscuro creado por Bergman, destacando la importancia de la "hora del lobo" como un momento de vulnerabilidad y pesadillas. 

                            

La hora del lobo - BLURAY

Max Von Sydow (Actor), Ingmar Bergman (Director) 

El artista Johan Borg y su mujer Alma viven un retiro en una pequeña isla. La mujer encuentra un cuaderno con unos siniestros dibujos que representan las horribles pesadillas que sufre su marido. Cuando asisten a una fiesta de un barón vecino, descubren que los invitados se parecen a los demonios que Johan ve en sus pesadillas.

Detalles del producto

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 12 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 16,9 x 13,7 x 1,9 cm; 150 g

Director ‏ : ‎ Ingmar Bergman

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 59 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 13 mayo 2025

Actores ‏ : ‎ Max Von Sydow

Subtitulado: ‏ : ‎ Castellano

Estudio ‏ : ‎ A Contracorriente Films, S.L.

ASIN ‏ : ‎ B0F492X2MH

País de origen ‏ : ‎ Suecia

Comprar en Amazon

https://amzn.to/475FQ0y

RESEÑA DEL BLURAY "LA EXTINCIÓN" DE A CONTRACORRIENTE FILMS

 

RESEÑA DEL BLURAY "LA EXTINCIÓN" DE A CONTRACORRIENTE FILMS

"La extinción" distribuida en bluray por A contracorriente films recientemente en España es sin duda una rara avis en el cine europeo contemporáneo que merece nuestra atención. la película representa una inusual apuesta francesa por el cine fantástico y de catástrofes, un terreno poco transitado en la filmografía europea, y menos aún con tintes apocalípticos. El quinto largometraje de Frédéric Jardin ,desconocido en nuestro pais, combina elementos del survival, el cine de desastres y el drama familiar en una producción modesta pero ambiciosa.

La premisa es potente: los polos magnéticos de la Tierra se invierten bruscamente, provocando un colapso planetario en el que los océanos se retiran, dejando un árido desierto donde antes había agua. En medio de este nuevo mundo inhóspito, una familia intenta sobrevivir. El filme comienza con fuerza: un viaje familiar en velero, el canto inquietante de las ballenas, bolas de fuego surcando el cielo y, al amanecer la familia se encuentra con la desaparición total del mar. Desde ahí, Frédéric Jardin construye un relato apocalíptico sin grandes medios, pero con un sentido del espectáculo efectivo.

Con un presupuesto reducido de cinco millones de euros, La extinción evita el despropósito visual gracias a una realización sobria y un uso inteligente de los paisajes marroquíes, que simulan con acierto los fondos oceánicos secos. Los pocos efectos especiales están bien resueltos, y algunas imágenes , como los barcos mercantes varados o los artrópodos atacando en el desierto, rozan lo pesadillesco.

El guión introduce elementos que complicarán a la familia su misión  como un antagonista que se obsesionará con dar caza a la familia protagonista de la cinta. La caracterización de los personajes es mínima, aunque no del todo inadecuada en un relato que apela a los instintos más básicos del ser humano en situaciones extremas. Émilie Dequenne destaca como madre coraje, una figura feroz que lidera a su familia en medio del caos.

A pesar de sus caídas en clichés de serie B, de ciertos desvaríos melodramáticos y de una dirección de actores irregular, La extinción tiene el mérito de atreverse. De ofrecer, sin complejos, un tipo de cine que Francia y España rara vez produce. No reinventa el género, pero lo aborda con honestidad, manteniendo la tensión y el ritmo. Se trata de un entretenimiento eficaz y modesto, pero con un cuidado visual notable, que se atreve a rivalizar  con el cine catastrofista de referentes como Roland Emmerich o Michael Bay, aunque desde una perspectiva más íntima y contenida.

En definitiva, La extinción es una propuesta valiente que amplía los márgenes del cine de género europeo. Frédéric Jardin demuestra que se puede apostar por lo fantástico sin renunciar a una mirada autoral. Solo por eso, merece ser vista.

La extinción - BLURAY

Émilie Dequenne (Actor), Frédéric Jardin (Director) 

Una catástrofe ha sacudido el planeta:los polos magnéticos de la Tierra se han invertido. Los océanos han arrasado los continentes, dejando tras de sí un inmenso desierto. En este mundo devastado, una familia debe luchar por sobrevivir. Cuando los polos vuelvan a invertirse y el agua regrese a los océanos, será demasiado tarde.

Detalles del producto

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 16 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17,2 x 14 x 1,1 cm; 95 g

Director ‏ : ‎ Frédéric Jardin

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 29 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 13 mayo 2025

Actores ‏ : ‎ Émilie Dequenne

Subtitulado: ‏ : ‎ Castellano

Estudio ‏ : ‎ A Contracorriente Films, S.L.

ASIN ‏ : ‎ B0F48ZQJ3K

País de origen ‏ : ‎ Francia

Comprar en Amazon

https://amzn.to/451Por3

RESEÑA DEL DVD "ENCIÉNDEME" DE KARMA FILMS

 

RESEÑA  DEL DVD "ENCIÉNDEME" DE KARMA FILMS

El director Michael Tyburski presenta con su segunda película, una modesta pero recomendable propuesta de ciencia ficción en tono distópico. Este filme, discreto pero bien construido, ofrece una narrativa sólida que combina ideas originales con una ejecución contenida y cuidada. Aunque corre el riesgo de pasar inadvertida entre los grandes estrenos comerciales, merece ser reseñada.

La distribución en formato físico a cargo de Karma Films subraya su destacable labor por dar protagonismo al cine independiente y de género. Su lanzamiento demuestra que, a pesar de su carácter íntimo, se trata de un proyecto con voz propia, que aporta frescura al panorama contemporáneo y merece la atención de los amantes de la ciencia ficción menos convencional.

Cinco años después de su debut con The Sound of Silence, el director estadounidense Michael Tyburski vuelve con una película pequeña en producción pero grande en ideas y sensibilidad. Enciéndeme (Turn Me On) se adentra en el terreno de la ciencia ficción distópica con un enfoque íntimo y humano, explorando la conexión emocional, el deseo y el precio de vivir una vida sin altibajos… ni profundidad.

Ambientada en una comunidad utópica regida por la calma y el control emocional absoluto ,logrado gracias a una vitamina diaria que anula sentimientos y recuerdos, la historia sigue a Joy (Bel Powley) y William (Nick Robinson), una pareja asignada aleatoriamente, que empieza a cuestionar su existencia monótona tras un incidente médico que obliga a Joy a dejar de tomar su dosis. Lo que comienza como un pequeño despertar emocional se convierte en una verdadera revolución interna: risas, deseo, incertidumbre… la vida tal y como es.

Lejos del clásico futuro apocalíptico gris y sombrío, Tyburski diseña un entorno minimalista, elegante, con casas de diseño impoluto y oficinas sin personalidad que podrían estar sacadas de un catálogo de vida perfecta. Esta estética fría contrasta con el calor que va ganando la película conforme los personajes recuperan la capacidad de sentir. La dirección de arte y la fotografía evolucionan con ellos: la luz blanca y quirúrgica da paso a tonos cálidos, a texturas más humanas, a escenas en la naturaleza que sugieren metáforas visuales sobre el placer, la vida y el renacer.

Bel Powley brilla con naturalidad, dotando a Joy de una curiosidad y dulzura que iluminan la pantalla. Su despertar emocional y sexual está tratado con una mezcla de ternura, humor y honestidad que evita el sensacionalismo. Nick Robinson, por su parte, complementa con solidez y calidez este viaje emocional, y el elenco secundario (Justin H. Min, Julia Shiplett, Nesta Cooper…) aprovecha al máximo sus momentos, aportando capas al microcosmos en transformación.

Sin duda estamos ante una fábula sobre lo humano. La película se inscribe en una tradición que incluye títulos como Pleasantville , Her o ¡Olvídate de mí! pero con una voz propia, más ligera, íntima y accesible. Aquí no hay épicas rebeldías ni grandes conspiraciones: el gran motor es el simple descubrimiento de lo que significa vivir plenamente, sentir alegría, miedo, deseo, rechazo. Enciéndeme nos recuerda que incluso los aspectos más incómodos de la vida ,el dolor, los celos, la tristeza,  son parte de lo que nos hace humanos. El relato sugiere que eliminar las emociones puede crear un mundo más ordenado, pero también infinitamente más vacío.

Aunque la película no explica en detalle sobre el origen de esta comunidad, o sobre la entidad difusa conocida como 'Nuestros amigos', que administra esta supuesta “solución emocional”. Sin embargo, el film no pretende ofrecer respuestas globales ni construir un lore elaborado. Su fuerza reside en lo pequeño: en cómo unas cuantas personas descubren la belleza y la fragilidad de la emoción y el deseo, y cómo eso lo cambia todo.

Cabe destacar que la película ha sido reconocida en festivales internacionales con dos premios y una nominación destacada. En el Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2024, fue galardonada con el Premio del Jurado Joven a la Mejor Película y recibió una nominación al Premio Nuevos Directores para su realizador Michael Tyburski. Además, el guion escrito por Angela Bourassa fue premiado con el Gold Prize al Mejor Guion de Ciencia Ficción en los PAGE International Screenwriting Awards en 2019.

El film resulta una propuesta interesante que convence desde la sencillez, que apuesta por la calidez emocional en un mundo artificialmente “perfecto”. Una distopía con alma, humor y ternura, con una pareja protagonista magnética y un mensaje que resuena: sentir , aunque duela, es vivir. Una obra modesta pero poderosa, que se cuela con justicia entre las propuestas más estimulantes del cine independiente reciente y que debería formar parte de tu colección de cine distópico.

Por último mencionar que como contenidos adicionales de la edición encontramos una ficha técnica otra artística y el Trailer.

         

Enciéndeme

Edición Española

Bel Powley (Actor), Michael Tyburski (Director) 

En un futuro cercano, la incomodidad de las emociones humanas ha sido erradicada con una pastilla diaria. Pero cuando una joven pareja se salta la dosis impuesta por el gobierno, descubren el amor, la alegría, el sexo y nuevos sentimientos, y todas las implicaciones que vienen con ello.

Detalles del producto

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 16 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 19 x 14 x 2 cm; 85 g

Director ‏ : ‎ Michael Tyburski

Formato multimedia ‏ : ‎ DVD

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 39 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 8 julio 2025

Actores ‏ : ‎ Bel Powley

Estudio ‏ : ‎ Karma Films

ASIN ‏ : ‎ B0FCMY3XVG

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

Comprar en Amazon

https://amzn.to/40rbG44

RESEÑA DEL BLURAY MICKEY 17 (4K UHD + Blu-ray) DE ARVI LICENSING

 

RESEÑA DEL BLURAY MICKEY 17 (4K UHD + Blu-ray) DE ARVI LICENSING

Bong Joon-ho, es uno de esos directores que ha conseguido algo poco común: hacer películas con mensaje, estilo propio y al mismo tiempo llegar a un público masivo. Lo suyo es mezclar géneros como si nada: un poco de thriller, algo de comedia negra, drama familiar, monstruos, ciencia ficción… y todo con un fondo muy claro: criticar las desigualdades, el poder, y cómo la sociedad trata a los más vulnerables.

Desde sus primeras películas en Corea destacó notablemente. Con Memories of Murder dejó claro que podía hacer un thriller brutal con alma. En The Host nos dio una película de monstruos que en realidad hablaba de ecología y familia. Y con Mother hizo un drama oscuro sobre una madre dispuesta a todo por su hijo. Después dio el salto internacional con Snowpiercer y Okja, donde ya colaboraba con actores de Hollywood y plataformas como Netflix.

El gran bombazo llegó con Parásitos en 2019: una historia de ricos y pobres, con humor negro, giros inesperados y mucha crítica social. Ganó la Palma de Oro en Cannes y luego arrasó en los Óscar, llevándose cuatro premios, incluida Mejor Película (la primera vez que una cinta en otro idioma lo lograba). Bong Joon-ho ha demostrado que se puede hacer cine inteligente, divertido, incómodo y emocionante, todo al mismo tiempo.

El origen del guión del film lo encontramos en un libro editado en 2022 , Mickey 7 , una novela de ciencia ficción escrita por Edward . Ahora, con esta adaptación cinematográfica podemos encontrar diversos cambios con la novela original. El primero y más evidente es el número en el título, que pasa de 7 a 17, una modificación simbólica que anticipa un tono más espectacular. Mientras la novela original de Edward Ashton es introspectiva y filosófica, centrada en temas como la identidad, la clonación y los dilemas éticos del yo, la película apuesta por una comedia negra con fuerte carga visual y sátira político-social. Aunque mantiene ciertas preguntas existenciales, estas quedan en segundo plano frente a un espectáculo más accesible y una crítica visible a figuras de poder, lo que la aleja del tratamiento más abstracto del libro.

Además, la cinta reconfigura personajes clave y simplifica la complejidad narrativa. Kenneth Marshall, un líder religioso en el libro, se convierte en un populista autoritario de tono caricaturesco. Los clones, sutilmente diferenciados en el texto, se presentan en pantalla con contrastes marcados y más evidentes. También se pierden detalles del mundo expandido de la novela, ya que la película se limita al planeta Niflheim e introduce subtramas nuevas que distraen del conflicto central. El final, por su parte, cambia de uno introspectivo a otro más explícito y visual, perdiendo parte del impacto emocional y filosófico del material original.

"Mickey 17" es su último trabajo y ha generado un gran interés debido a la reputación del director surcoreano. La película, basada en la novela de Edward Ashton, mezcla ciencia ficción con elementos de thriller psicológico y drama. Como resumen diremos que destaca la originalidad del guion, la profundidad de los personajes y la capacidad del director para.

Es elogiable en el fim especialmente su audacia visual, el tono de sátira político-social que rige la historia y la interpretación de Robert Pattinson en su papel múltiple como los distintos “Mickeys”. También se destaca la impresionante puesta en escena, la construcción detallada del universo espacial y la capacidad de Bong Joon Ho para ofrecer momentos de verdadero asombro visual. Sin embargo, encontramos también debilidades en el guion, con personajes que entran y salen sin demasiada justificación, otros poco desarrollados ,como el interpretado por Toni Collette, , y giros narrativos que rozan lo banal o caricaturesco.

Pese a su ambición, “Mickey 17” no alcanza la potencia emocional o la solidez narrativa de los anteriores trabajos del director. Parece que el estilo personal de Bong podría haber sido diluido por la maquinaria de Warner Bros., especialmente en la segunda mitad del metraje, donde la cinta pierde ritmo y se alarga más de lo necesario. Aun así, defendemos la película como una propuesta valiente dentro del cine de ciencia ficción comercial actual, celebrando su voluntad de ir a contracorriente y ofrecer una historia visualmente potente y temática provocadora.

Uno de los aspectos más destacados de la película es su sobresaliente diseño de producción. Los efectos visuales están ejecutados con precisión, mientras que los decorados, los trajes futuristas, las naves espaciales y el gélido planeta Niflheim se presentan con un nivel de detalle y coherencia que refuerza la credibilidad del universo narrativo.

La actuación de Pattinson sobresale por su habilidad para dar vida a distintas versiones del mismo personaje sin caer en la exageración. Logra mantener siempre una base humana y creíble, incluso cuando la historia se mueve en registros de sátira, aportando matices que enriquecen cada encarnación sin perder coherencia.

La película recupera varios de los temas clave del cine de Bong Joon Ho, como la explotación del ser humano, el capitalismo desmedido, el colonialismo tecnológico o la tiranía de las grandes corporaciones. Todos estos elementos están tratados desde una mirada satírica, aunque con una clara carga crítica. En su trasfondo político y futurista, también se perciben guiños directos a figuras como un reconocible Donald Trump.

Sin duda Mickey 17 es un regreso potente de Bong Joon-ho al terreno de la ciencia ficción, destacando por su audaz despliegue visual, la versátil actuación de Robert Pattinson y una crítica socio-política que mantiene el sello incisivo del director. Es, en definitiva, una propuesta valiente y estimulante dentro del cine comercial actual, que combina la mirada autoral de Bong con un reparto internacional y una estética arriesgada, logrando una mezcla poco común entre espectáculo y reflexión.

La edición 4K UHD + Blu‑Ray de Mickey 17 ofrece una presentación técnica impecable, con vídeo en 4K (2160p) compatible con HDR10 y Dolby Vision, y una relación de aspecto de 1.85:1. La imagen destaca por su nitidez espectacular, detalles finos, negros profundos y una excelente reproducción de texturas y ambientes. En cuanto al audio, cuenta con una pista en Dolby Atmos (TrueHD 7.1) en inglés, además de pistas en DTS-HD MA o Dolby Digital 5.1 en varios idiomas, como español, francés, alemán e italiano, proporcionando un diseño sonoro envolvente y diálogos claros.

En cuanto al contenido adicional, la edición incluye tres contenidos principales y dos tráilers teatrales, idénticos tanto en el disco 4K como en el Blu‑Ray. Detrás de las cámaras: Mickey 17 de Bong Joon Ho’s  (unos 11 minutos) ofrece entrevistas al director, Robert Pattinson, Mark Ruffalo y Edward Ashton, el autor del libro original, quienes hablan sobre la adaptación y el tono de la película. Mickey 17: Un mundo reimaginado (9-10 minutos) se centra en el diseño de producción, el vestuario y la creación del planeta helado Niflheim, destacando técnicas como el uso de sal de magnesio para recrear la nieve. Las caras de Niflheim (unos 8 minutos) explora las interpretaciones de los distintos Mickeys por Pattinson y el resto del reparto. Además, se incluyen dos tráilers con una duración total aproximada de cinco minutos, una inclusión poco común en las ediciones domésticas de Warner.

                                            

Mickey 17 (4K UHD + Blu-ray)

Robert Pattinson (Actor), Naomi Ackie (Actor), Bong Joon Ho (Director) 

El improbable héroe, Mickey Barnes (Robert Pattinson) se encuentra en la extraordinaria circunstancia de trabajar para un empleador que exige el máximo compromiso con el trabajo... morir, para ganarse la vida.

Detalles :

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17 x 13,6 x 1,3 cm; 80 g

Director ‏ : ‎ Bong Joon Ho

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray, Adulto

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 2 horas y 16 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 27 junio 2025

Actores ‏ : ‎ Robert Pattinson, Naomi Ackie, Steven Yeun

Idioma ‏ : ‎ Inglés (Dolby Digital 5.1), Castellano (DTS-HD Master Audio 5.1)

Estudio ‏ : ‎ ARVI

ASIN ‏ : ‎ B0FBT6QDYT

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

Comprar en Amazon

https://amzn.to/44YGnip

Comprar en Amazon la novela en la que se basa la película:

https://amzn.to/4f2doP9

RESEÑA DEL BLURAY "GOTHIC" DE RESEARCH ENTERTAINMENT

 

RESEÑA DEL BLURAY "GOTHIC" DE RESEARCH ENTERTAINMENT

Pocos directores han tenido una visión cinematográfica tan desbordante, excesiva y radical como   Ken Russell   y la película  Gothic  (1986) de la que os queremos hablar hoy, es una de las expresiones más puras de su imaginario visual y temático. Aunque puede llevar a   engaño su portada  , que sugiere una típica película de terror gótico con criaturas, sombras y castillos lúgubres al estilo Hammer, en realidad Gothic es una experiencia sensorial, psicológica y febril , muy alejada del terror convencional.  No es un relato de horror al uso: es un descenso a la locura, a la represión, a los deseos más oscuros de la mente humana, y una meditación sobre el poder creativo como fuerza destructiva.

Ambientada en   Villa Diodati  , la famosa mansión suiza donde en 1816 coincidieron algunas de las figuras más emblemáticas del romanticismo ,   Lord Byron, Percy Bysshe Shelley, Mary Shelley, Claire Clairmont y el médico John Polidori  , la película revive la famosa noche de tormenta en la que los presentes se desafiaron a contar historias de terror. De aquella reunión nacerían dos pilares del horror moderno:  Frankenstein  (Mary Shelley) y  El Vampiro  (Polidori). Pero Russell no se limita a narrar ese hecho como una simple anécdota literaria:   lo convierte en un aquelarre de represión, erotismo, drogas, pesadillas y demonios internos  , fiel al espíritu del director y más interesado en el delirio que en la linealidad narrativa.

Desde el primer momento, Russell   despliega un arsenal visual y sonoro hipnótico  . La cámara se mueve de manera expresiva y agresiva, los colores saturados crean una atmósfera onírica e irreal, y los encuadres distorsionan constantemente la percepción del espectador. La estética del film recuerda a otras obras de Russell como  Los demonios (1971) ,con su imaginería religiosa y su crítica al fanatismo,  o La guarida del gusano blanco  (1988), con sus visiones psicosexuales y el uso extremo del simbolismo fálico. También puede verse una continuidad con Viaje alucinante al fondo de la mente (1980), en la forma en que Russell retrata la transformación mental y física del ser humano bajo estados alterados.

En  Gothic , los personajes ,todos ellos pertenecientes a la élite intelectual y aristocrática, son   retratos distorsionados por sus propias obsesiones  . Gabriel Byrne encarna a un Lord Byron carismático y cruel, siempre consciente de su magnetismo, mientras que Julian Sands como Percy Shelley se ve abrumado por sus ideas idealistas, al borde del colapso. Natasha Richardson interpreta a Mary Shelley como una joven atrapada entre el deseo y el trauma, y Timothy Spall da vida a Polidori como una figura patética, reprimida, que oscila entre la adoración y el odio. La tensión sexual, la culpa, la muerte, el temor a la creación y a la maternidad atraviesan toda la cinta.

A lo largo del metraje,   lo sobrenatural no se presenta como una amenaza externa  , sino como un reflejo de la psique de los personajes. Las alucinaciones, provocadas por el opio, el vino y la sugestión, se manifiestan en forma de pesadillas góticas y visiones de cuerpos deformes, cadáveres flotantes, símbolos religiosos profanados y fantasmas interiores. Cada escena es una provocación visual: hay una sensualidad perturbadora, una religiosidad blasfema y una teatralidad excesiva que   convierte la experiencia en algo visceral y perturbador  . En cierto modo, Russell convierte a estos intelectuales en víctimas de su propio talento, condenados a convivir con las monstruosidades que su imaginación convoca.

La música de Thomas Dolby acompaña perfectamente esta estética, con sintetizadores oscuros que dan un aire contemporáneo al relato histórico, reforzando el sentimiento de anacronismo intencional que caracteriza a muchas películas de Russell. Porque  Gothic no busca realismo histórico  , sino   una representación estilizada del inconsciente romántico  , una alegoría sobre la creación artística como maldición y bendición.

La película   no es fácil de digerir  . Su ritmo onírico, la constante sucesión de imágenes perturbadoras, y la ambigüedad narrativa pueden alienar al espectador que espere una historia de fantasmas tradicional. Pero precisamente ahí radica su fuerza:  Gothic  es una película de culto, una obra intensa, barroca y profundamente simbólica, que no busca contar, sino inquietar  . Como en  Los Demonios, Russell utiliza el exceso para revelar verdades psicológicas y emocionales, y como en  Tommy  (1975), crea un universo visual tan extremo que resulta alucinante.

En el film los personajes espurgan sus demonios: Byron, Shelley, Mary, Clairmont y Polidori se ven atrapados en un juego de espejos que refleja sus miedos, deseos y traumas , todo envuelto en una pesadilla inducida por sustancias y fantasía 

Sin duda Gothic  (1986) de Ken Russell representa una pesadilla barroca disfrazada de película de terror y puede considerarse una obra fundamental dentro del cine de culto. Sin duda Ken Russell es un provocador visual que convierte el exceso en forma artística, marcando una profunda influencia en cineastas como Terry Gilliam o Jean‑Pierre Jeunet.

La película se presenta como una combinación de ironía siniestra y delirio romántico llevado al límite. Que Ken Russell consiguiera, incluso en una etapa tardía de su carrera, seguir provocando una respuesta tan intensa del espectador, es prueba de su genio provocador. Aunque pueda parecer excesiva o incluso grandilocuente, Gothic conserva intacta esa energía visual y esa osadía estilística que definieron sus propuestas más audaces.

Sucede que Gothic no es una película de terror al uso, sino una experiencia alucinatoria, un viaje sensorial y febril a la noche de junio de 1816 en Villa Diodati, cuando Lord Byron y los Shelley , bajo la influencia del opio ,  engendraron los arquetipos de Frankenstein y el Vampiro. Lejos del horror institucionalizado, Russell nos lleva directo a la psique desbordada de sus personajes.

Aunque en ese momento Russell ya atravesaba un declive creativo, Gothic conserva un punto de frescura sorprendente. Empieza con una calavera flotando al ritmo de Thomas Dolby, anunciando que lo que sigue no es una narración convencional, sino un “descenso a la locura” cinematográfico .

  En definitiva  ,  Gothic  es una película que desborda su propia etiqueta de “terror”. Es una exploración radical del arte, la locura y el erotismo, a través del filtro inconfundible de uno de los cineastas más provocadores del siglo XX.   Ken Russell convierte una anécdota literaria en una pesadilla romántica  , donde las palabras se transforman en imágenes y las ideas en visiones. No es para todos, pero para quien se deje arrastrar por su propuesta, el viaje es inolvidable.

Gothic [Blu-Ray] (1986)

Gabriel Byrne (Actor), Julian Sands (Actor), Ken Russell (Director) 

La historia de la terrorífica velada entre Lord Byron, Percy Shelley, Mary Wollstonecraft y el Dr. Polidori, que, aislados a orillas del lago Ginebra, se propusieron sufrir el miedo en carne propia. Ese fin de semana nacieron las inspiraciones para las novelas "Frankenstein" y "The Vampire".

Detalles del producto

Relación de aspecto ‏ : ‎ 1.85:1

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 18 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 12 x 10 x 2 cm; 120 g

Director ‏ : ‎ Ken Russell

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 87 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 29 mayo 2025

Actores ‏ : ‎ Gabriel Byrne, Julian Sands, Natasha Richardson, Myriam Cyr, Alec Mango

Estudio ‏ : ‎ Research

ASIN ‏ : ‎ B0F6CW7PK6

País de origen ‏ : ‎ España

Comprar en Amazon

https://amzn.to/4lJMPB8

RESEÑA DEL BLURAY "DUNE LA PROFECIA" SERIE DE TV DE ARVI LICENSING

 

RESEÑA DUNE LA PROFECIA SERIE DE TV DE ARVI LICENSING

Las adaptaciones de los libros de Dune de Frank Herbert en cine y televisión han sido múltiples, ambiciosas y desiguales en resultado. Cada una ha intentado, con distintos grados de fidelidad y éxito, llevar al audiovisual la riqueza del universo de Arrakis, la política interestelar de las Grandes Casas, la ecología del desierto y el misticismo de los Fremen. La nueva serie de HBO, “Dune: La profecía” , destaca por abordar aspectos del lore que nunca antes se habían explorado a fondo en pantalla, lo que la convierte en una expansión original y arriesgada dentro del canon visual de Dune.

En el vasto y complejo universo de Dune, la profecía ha sido siempre el motor de la historia, y la serie que os presentamos,  Dune: La profecía, recientemente emitida por HBO y ahora editada en formato doméstico por Arvi Licensing se adentra aún más en ese entramado místico y político, explorando sus raíces más antiguas. Ambientada más de 10,000 años antes del nacimiento de Paul Atreides, esta precuela se centra en los orígenes de la orden Bene Gesserit y las manipulaciones que tejieron el destino del Imperio desde las sombras.

Cuando HBO anunció Dune La profecía, una precuela ambientada más de diez mil años antes de los eventos que Denis Villeneuve ha llevado a la gran pantalla, la expectativa era alta: un retorno al rico universo de Frank Herbert, esta vez desde la perspectiva de las Bene Gesserit, esa hermética y poderosa orden femenina. Aunque su ejecución presenta altibajos, también ofrece numerosos hallazgos que  hacen que destaque entre la oferta de series actual. 

La serie se construye en torno a las figuras de Valya y Tula Harkonnen, dos hermanas exiliadas que encuentran su camino dentro de la enigmática orden femenina. A través de sus ojos, la audiencia es testigo del nacimiento de una ideología que mezcla política, genética y religión para moldear la galaxia según los intereses de la orden.  El peso dramático recae especialmente en Valya, interpretada con intensidad por Emily Watson (y en su versión joven, por Jessica Barden), quien está dispuesta a todo, incluso a asesinar, para proteger su visión del futuro.

La narrativa se desarrolla en dos líneas temporales: una que muestra el presente de la orden y otra que revela el turbulento pasado de las hermanas Harkonnen. Esta estructura dual le permite a la serie construir una mitología rica en detalles, al tiempo que establece las motivaciones personales que impulsan los eventos actuales. De esta forma, Dune: La profecía consigue dar coherencia a lo que en las novelas originales de Brian Herbert y Kevin J. Anderson podía sentirse disperso.

Basada en la novela Hermandad de Dune de Brian Herbert y Kevin J. Anderson, la serie gira en torno a Valya Harkonnen (una magnética Emily Watson), líder de la incipiente Bene Gesserit, en su cruzada para colocar a una de sus hermanas en el trono imperial. A su lado, su hermana Tula (Olivia Williams) sirve como contrapeso emocional y político, configurando una relación central compleja y bien construida que sostiene gran parte del peso dramático.

La política y el matrimonio son también herramientas fundamentales en esta historia. El compromiso entre la princesa Ynez Corrino y el joven Pruwet Richese es un claro ejemplo de cómo la Bene Gesserit manipula alianzas con fines estratégicos. Ynez, al ser entrenada por las Hermanas hasta la mayoría de edad de su esposo, se convierte en un peón perfectamente programado para servir a la causa de Valya. Lo irónico es que esta unión fue orquestada por completo por la orden, provocando incluso las crisis en Arrakis que justificaron la necesidad de alianzas militares.

Finalmente, la narrativa de la serie, aunque densa en sus primeros episodios,  demuestra una evolución progresiva. A medida que se revelan los motivos ocultos, traiciones internas y estrategias a largo plazo de la Hermandad, el guion comienza a asentarse y encontrar su centro de gravedad. La historia toma ritmo conforme se exploran los orígenes oscuros de las Bene Gesserit, la guerra reciente contra las máquinas pensantes y el propósito milenario que anima cada uno de sus movimientos. El resultado es una historia que, si bien requiere paciencia, recompensa a quienes estén dispuestos a sumergirse en sus complejidades hasta el final de la serie.

El elenco femenino principal rinde con creces. Watson y Williams aportan matices que elevan la serie más allá del cliché. Sarah-Sofie Boussnina brilla como la joven princesa Ynez, atrapada en un juego de poderes que la excede. En cambio, Travis Fimmel, como el críptico Desmond Hart, parece sacado de una parodia de Jack Sparrow en el espacio: cada vez que aparece, la narrativa se desinfla. Su personaje, pese a su potencial como amenaza mística, no logra integrarse orgánicamente al resto del relato.

Pese a sus tropiezos narrativos, Dune: La profecía logra brillar en un aspecto fundamental: el desarrollo de sus personajes. Lejos de depender exclusivamente de efectos visuales o batallas épicas, la serie apuesta por la introspección, las motivaciones internas y los dilemas morales. Travis Fimmel (como Desmond Hart), Emily Watson (Valya Harkonnen) y Mark Strong (Emperador Corrino) entregan interpretaciones cargadas de tensión y ambigüedad, ofreciendo actuaciones que no solo sostienen el drama, sino que lo elevan. Cada uno encarna su rol con una intensidad contenida que invita al espectador a preguntarse constantemente cuáles son sus verdaderas intenciones.

Otro de sus logros más visibles es el elenco coral, tanto por su diversidad como por la calidad interpretativa. La serie está poblada por figuras femeninas complejas y empoderadas, muchas de ellas jóvenes acólitas con habilidades en formación, como el caso de Lila (interpretada por Chloe Lea), quien destaca como una promesa en ascenso dentro de la Hermandad. Además, las versiones jóvenes de las hermanas Harkonnen ,Jessica Barden como Valya y Emma Canning como Tula,  aportan capas de humanidad que enriquecen sus contrapartidas adultas.

Es novedoso que la serie  abrace plenamente una perspectiva femenina, tanto en su narrativa como en su enfoque ético: cuestiona abiertamente los límites de la manipulación genética, el control político y la lealtad institucional. Este énfasis se convierte en una de las principales fortalezas de la serie y aporta un ángulo inusual en la ciencia ficción televisiva reciente.

Uno de los aspectos más fascinantes de la serie es cómo representa el poder espiritual y psicológico de las Bene Gesserit. A través del uso de “la Voz” y del acceso a las “Otras Memorias”, la serie no solo muestra habilidades sobrenaturales, sino también la tensión moral que implica utilizarlas. En uno de los pasajes más inquietantes, la serie establece con crudeza su tono implacable, donde la manipulación y la violencia marcan una narrativa en la que todo parece estar justificado en nombre de un objetivo superior.

Visualmente, Dune: La profecía busca una estética más íntima y contenida que las películas dirigidas por Denis Villeneuve. No hay grandes batallas ni paisajes deslumbrantes; en cambio, la cámara se enfoca en los rostros, las emociones y los espacios cerrados donde se toman decisiones que afectarán a sistemas estelares enteros. Sin embargo, esto también juega en contra de la serie: las tomas externas de planetas como Salusa Secundus carecen del carácter alienígena que hizo tan poderosa la representación del Imperio en el cine.

Desde el punto de vista visual, Dune: La profecía se beneficia de una producción cuidada y tangible. Filmada en locaciones reales en Hungría y Jordania, la serie evita el exceso de CGI y apuesta por escenarios físicos, vestuarios suntuosos y una ambientación que hace que cada espacio, desde los pasillos de Wallach IX hasta las arenas sagradas de Arrakis,  se sienta vivido y auténtico. Este enfoque artesanal le otorga una textura cinematográfica que, si bien más modesta, mantiene una conexión visual con el universo fílmico de la saga.

En lo técnico, la producción logra algunos aciertos. La ambientación, aunque menos cinematográfica que las películas recientes, tiene momentos visuales bien logrados y una atmósfera opresiva que funciona para el tono político. La música también acompaña con acierto, reforzando la tensión creciente entre las casas nobles y la manipulación silenciosa de las Bene Gesserit. 

También resulta destacable el compromiso de la serie con la fidelidad a la atmósfera del universo Dune. A pesar de no contar con la escala cinematográfica de las películas de Denis Villeneuve, la serie logra capturar la esencia del mundo creado por Frank Herbert: un entorno en el que la política, la religión y la genética se entrelazan con un propósito inquietante. Su tono es coherente con las producciones anteriores, y aunque está basada en novelas derivadas , el respeto por el lore original es evidente.

Uno de los grandes problemas de Dune: La profecía es que, a pesar de basarse en uno de los universos de ciencia ficción más ricos jamás creados, parece carecer de una identidad propia. La serie se esfuerza demasiado en replicar el tono y estructura de Juego de Tronos, al punto que olvida lo que hace a Dune verdaderamente único: su densidad filosófica, la crítica religiosa y la introspección silenciosa de sus personajes. En cambio, lo que se ofrece aquí es una sucesión de escenas cargadas de exposición, donde los personajes explican constantemente la trama en vez de vivirla o mostrarla.

El abuso de la exposición no solo afecta el ritmo, sino que socava el impacto emocional de los momentos más duros. Además al igual que muchas producciones que han intentado replicar el éxito de Juego de Tronos, Dune: La profecía se obsesiona con mostrar que su mundo es cruel y despiadado. Pero sin matices emocionales, sin un contrapeso moral o personajes que realmente luchen por algo más que poder, todo se vuelve monótono. Cuando todos los personajes son calculadores, traicioneros y grises, el conflicto deja de importar porque nadie se diferencia realmente del otro. Por otro lado, para quienes buscan acción a gran escala, puede parecer lenta o demasiado introspectiva. 

Uno de los obstáculos más constantes es el exceso de tramas: la historia acumula flashbacks, profecías, facciones enfrentadas, conspiraciones palaciegas, rituales y complejos árboles genealógicos dignos de los Targaryen

A pesar de sus defectos , Dune: La profecía merece la pena. Tiene una base narrativa fuerte, un universo vasto por explorar y una intención clara de hablar sobre poder desde el prisma de las mujeres. A pesar de sus contras, no se puede descartar completamente a Dune: La profecía. Es posible que, como otras series que tardan en encontrar su voz en nuevas temporadas y  pueda ganarse un lugar dentro del canon respetado de la franquicia.

También cabe destacar el equipo creativo de sólida trayectoria artífice de la serie. Anna Foerster, conocida por su trabajo en series como Outlander , Westworld, Jessica Jones y Mentes criminales dirige tres episodios aportando su estilo visual elegante y atmosférico. Richard J. Lewis, veterano también del mundo televisivo con series como Westworld , Penny Dreadfuly Person of Interest o CSI, firma dos episodios . John Cameron, colaborador habitual de los hermanos Coen y productor de Fargo y Legion, también dirige en esta ambiciosa producción. Las creadoras Diane Ademu-John (Crónicas Vampíricas, Medium) y Alison Schapker (Alias, Fringe, Altered Carbon) combinan experiencia en drama y ciencia ficción para dar forma a este universo expandido de Dune. El diseño de producción corre a cargo de Tom Meyer, reconocido por su labor en La Huérfana, Jonah Hex, Acero Puro o Black Adam aporta para que la serie ya haya sido reconocida con 2 premios y 10 nominaciones, consolidando su impacto dentro del género del género fantástico.

Sin duda la serie tiene potencial como expansión del universo para aquellos que ya conocen sus reglas.  La serie ha funcionado como una pieza adicional de un rompecabezas mucho más grande y, aunque no logra ser un fenómeno televisivo al estilo Juego de tronos, cumple con su objetivo y es un perfecto aperitivo para los seguidores del universo Dune, mientras esperamos la llegada de la nueva entrega cinematográfica: Dune: El mesías.

                                       

Dune: La profecía (Temporada 1)

Emily Watson (Actor), Olivia Williams (Actor), Diane Ademu-John;Alison Schapker (Director) 

Desde el universo expansivo de Dune, creado por el aclamado Frank Herbert, y diez mil años antes de la ascensión de Paul Atreides, "Dune: La profecía" sigue a dos hermanas Harkonnen en su lucha contra las fuerzas que amenazan el futuro de la humanidad y establecen la hermandad legendaria que se conocerá como la Bene Gesserit.

Detalles del producto

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 16,9 x 13,6 x 1,7 cm; 120 g

Director ‏ : ‎ Diane Ademu-John;Alison Schapker

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray, Adulto

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 6 horas y 30 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 30 mayo 2025

Actores ‏ : ‎ Emily Watson, Olivia Williams, Chloe Lea

Idioma ‏ : ‎ Inglés (Dolby Atmos), Castellano (Dolby Digital 5.1)

Estudio ‏ : ‎ ARVI

ASIN ‏ : ‎ B0F8NTRT2W

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

Comprar en Amazon:

https://amzn.to/4lWUtaO

RESEÑA DE "HOMBRE LOBO (BLURAY 4K UHD)" DE ARVI LICENSING

RESEÑA DE "HOMBRE LOBO" DE ARVI LICENSING 

Blumhouse continúa consolidándose como una de las pocas productoras capaces de convertir el riesgo en una virtud cinematográfica. En una industria saturada de secuelas previsibles, universos compartidos y fórmulas agotadas, la compañía de Jason Blum destaca por su capacidad para conjugar la rentabilidad del cine comercial con la audacia creativa del cine de autor. Cada nueva propuesta, incluso dentro de géneros tan transitados como el terror, se convierte en una oportunidad para explorar caminos menos convencionales, sin perder de vista al gran público.

Blumhouse lo ha vuelto a hacer. Después de reinterpretar con éxito al mítico Hombre Invisible desde una óptica realista, ahora se atreve con otro de los íconos clásicos de Universal: el Hombre Lobo. Bajo la dirección de Leigh Whannell,  Wolf Man  ofrece una visión distinta, más íntima y aterradora desde lo psicológico, alejándose del espectáculo de colmillos y aullidos al que estamos acostumbrados para sumergirnos en un terror más psicológico. 

La historia se centra en Blake, interpretado por Christopher Abbott, un hombre que empieza a sentir cambios en su cuerpo mientras intenta mantener unida a su familia: su esposa Charlotte (Julia Garner) y su hija Ginger (Matilda Firth). Desde los primeros minutos, Whannell apuesta por un tono sobrio, casi doméstico, donde el verdadero horror no proviene solo de la bestia que Blake lleva dentro, sino del temor a dañar a quienes ama. Esta dimensión humana es, sin duda, uno de los grandes aciertos de Wolf Man, y constituye el núcleo que diferencia esta reinterpretación del clásico monstruo cinematográfico. A diferencia de las versiones anteriores , muchas veces centradas en la violencia, la maldición y el espectáculo de la transformación, la nueva propuesta de Leigh Whannell se apoya en el drama íntimo y emocional como punto de partida para construir el horror. Aquí, el hombre lobo no es solo una criatura que acecha en la oscuridad, sino la manifestación física de un conflicto interno, de un trauma profundo que amenaza con destruir desde dentro lo que más se ama.

El enfoque emocional de la película es clave porque permite al espectador empatizar con Blake antes de que se convierta en una amenaza. Lo que más aterra no es su pelaje ni sus colmillos, sino su dolor, su impotencia, su progresiva pérdida de control. Al presentar a un personaje que lucha desesperadamente por proteger a su familia mientras siente que se convierte en el peligro del que intenta huir, Whannell establece una tensión dramática poderosa y sostenida. Es el miedo a herir a los seres queridos, la angustia de ver cómo uno mismo se desmorona desde dentro, lo que aporta profundidad y autenticidad al relato.

Uno de los grandes aciertos del film es su ambientación. La mayor parte de la trama ocurre en una cabaña apartada, rodeada por el bosque, donde la atmósfera claustrofóbica se convierte en un personaje más. El aislamiento refuerza el terror psicológico, y la dirección artística hace que los espacios parezcan cerrarse poco a poco creando una sensación de amenaza constante sobre los protagonistas, en paralelo con el deterioro físico y mental de Blake. 

En términos de suspense,  Wolf Man  mantiene la tensión de manera efectiva. Leigh Whannell se las arregla para evitar los sustos gratuitos, construyendo una progresión dramática sólida. La tensión crece escena a escena, alcanzando su punto álgido en una secuencia final angustiante. Esta acumulación lenta y meticulosa se ve respaldada por un diseño sonoro envolvente que está entre los más destacados del cine de terror reciente.

Uno de los aspectos más comentados ha sido el diseño del licántropo. Alejado del enfoque clásico y peludo, Whannell opta por una criatura más visceral, deforme y profundamente humana. El trabajo del artista de efectos especiales Arjen Tuiten ha sido ampliamente elogiado por su apuesta por los efectos prácticos en lugar del CGI, lo cual aporta un realismo crudo a las transformaciones. Las mutaciones del protagonista se sienten físicas, dolorosas, casi médicas, algo que conecta con el “body horror” de David Cronenberg.

Christopher Abbott es, sin duda, el alma del film. Su interpretación como Blake logra transmitir el terror interno, la culpa y la angustia de un padre atrapado en un destino violento que no puede controlar. El actor nos transmite que está consumido por dentro. En contraste, Julia Garner no brilla tanto. A pesar de su talento, su personaje queda encajonado en el arquetipo de la esposa en crisis, sin mayor profundidad ni arco narrativo relevante.

Si bien la película arranca con fuerza, algunos apuntan a que la segunda mitad pierde algo de fuelle. La transformación final ocurre de forma algo apresurada, y el clímax, aunque impactante, carece de la misma riqueza emocional del primer acto. Está claro que el ritmo se resiente hacia el final, cuando la tensión da paso a una resolución más física que psicológica.

El guion, aunque bien estructurado en lo esencial, no profundiza todo lo que podría en las subtramas familiares. La relación entre Blake y su hija, por ejemplo, queda sugerida más que desarrollada. Igualmente, el conflicto de pareja se convierte en telón de fondo frente al conflicto corporal del protagonista. En ese sentido, la película podría haber sacado más partido a los vínculos emocionales para reforzar el dramatismo de la transformación.

Uno de los temas subyacentes más interesantes es la idea de la herencia emocional. El Hombre Lobo aquí no es solo un monstruo mitológico, sino una metáfora del trauma heredado, del miedo a reproducir la violencia paterna o las cargas que nos transmiten nuestros antecesores. Este enfoque da una capa de profundidad temática poco habitual en el género.

Pese a algunos fallos, la película se aleja de clichés facilones. No hay un pueblo supersticioso, ni balas de plata ni maldiciones antiguas. En su lugar, hay miedo a uno mismo, desesperación, y una lucha interna que nos recuerda que el mayor enemigo, a veces, está dentro del hogar. En este sentido, la película actualiza el mito del licántropo con una perspectiva contemporánea y original.

Visualmente, la cinta es sobria, evitando cualquier barroquismo. La fotografía, fría y casi monocromática, subraya el deterioro físico y emocional del protagonista. Hay pocos colores cálidos, y la paleta refuerza la distancia emocional entre los personajes. Todo está cuidadosamente calculado para servir al tono opresivo.

El uso del sonido es otro punto fuerte. No solo por los momentos de silencio , que intensifican el miedo, sino por el trabajo minucioso en los crujidos, respiraciones, pasos sobre la madera, y otros elementos que crean una banda sonora del horror cotidiano. La música de Marco Beltrami acompaña sin robar protagonismo.

Sin duda no estamos ante una película comercial de terror, sino ante una propuesta más madura, que pone el foco en el drama humano. Esto puede desconcertar a quienes esperan acción, pero entusiasmará a quienes buscan historias con alma. No es un film para todos, pero sí para quienes valoran el terror íntimo y reflexivo.

Como conclusión podríamos decir de "Hombre lobo" es una película que merce la pensa visionar. Leigh Whannell propone un terror más introspectivo, anclado en la familia, la herencia emocional y la culpa. Aunque su desarrollo no siempre es equilibrado y algunos personajes secundarios se sienten desaprovechados, la interpretación de Abbott, el diseño del monstruo y la dirección atmosférica la convierten en una obra valiosa dentro del terror contemporáneo. 

La edición 4K Ultra HD + Blu‑ray distribuida por Arvi incluye los siguientes extras, idénticos tanto en la edición combo como en la edición Steelbook y el disco Blu‑ray:

Este documental breve explora la visión oscura y emocional que Leigh Whannell imprimió al proyecto. A través de entrevistas con el director, productores y guionistas, se detalla cómo la película se aleja del clásico monstruo para centrarse en un personaje atormentado por el miedo a sí mismo. El enfoque gira en torno a la fragilidad emocional del protagonista y la tragedia familiar como motor del horror. La intención no fue simplemente crear un nuevo hombre lobo, sino construir una figura con peso dramático, realismo psicológico y resonancia contemporánea.

Diseñando “Hombre Lobo” – aprox. 9 min

Este segmento se adentra en el desarrollo artístico del monstruo, desde los primeros bocetos hasta las pruebas finales de maquillaje. Leigh Whannell y el diseñador Arjen Tuiten explican cómo evitaron el aspecto tradicionalmente peludo y caricaturesco del licántropo, apostando por un diseño más corporal, grotesco y realista. Vemos maquetas, esculturas de látex, prótesis aplicadas directamente sobre el actor Christopher Abbott y la transformación física paso a paso. El diseño transmite tanto brutalidad como sufrimiento, y se busca que el espectador vea a la criatura como una extensión deformada del ser humano que fue.

Terror práctico – aprox. 7 min

Aquí se celebra el uso de efectos físicos en lugar de recurrir completamente al CGI. El equipo de maquillaje y efectos especiales resalta la importancia de que los actores puedan interactuar con elementos reales durante la filmación, lo que mejora su interpretación. Las prótesis aplicadas directamente sobre la piel, los movimientos controlados con mecanismos ocultos y las transformaciones grabadas en tiempo real otorgan al film una textura orgánica. El propio Abbott comenta cómo el contacto directo con las prótesis lo ayudó a “sentir el dolor” del personaje.

Pesadillas y paisajes sonoros – aprox. 7 min

Este contenido extra se centra en el diseño de sonido y la música. Los responsables del montaje sonoro explican cómo los sonidos del bosque, los gruñidos del lobo y los ecos interiores de Blake se combinan para transmitir angustia y transformación. La banda sonora evita melodías heroicas o clásicas y opta por ambientes inquietantes, respiraciones alteradas y distorsiones sensoriales que reflejan la ruptura interna del protagonista. El resultado es un paisaje auditivo donde el terror no está en lo que se ve, sino en lo que se oye y se intuye.

Comentario del director Leigh Whannell – duración completa de la película

El comentario del director funciona como una clase magistral de realización. Whannell explica desde el primer minuto sus intenciones narrativas: cómo planteó el guion, por qué eligió ciertas localizaciones, cómo dirige a los actores para generar tensión sin depender del sobresalto. También analiza el uso del encuadre, la luz natural y los espacios domésticos como reflejo del estado mental del personaje. Durante las escenas clave, ofrece detalles técnicos sobre las transformaciones, el trabajo de sonido y cómo equilibró el drama con el terror. Una herramienta valiosa para cinéfilos, estudiantes de cine y fans del género.

La edición 4K UHD incluye una transferencia en 2160p con alto rango dinámico HDR10. El sonido en inglés está presentado en Dolby Atmos, y la mezcla en castellano se ofrece en Dolby Digital Plus 7.1. La imagen tiene una textura fílmica sin excesivo retoque digital, conservando los detalles en las sombras y los matices en las escenas nocturnas. El sonido, por su parte, es envolvente y preciso, con momentos de gran impacto auditivo que no abruman, sino que acompañan la narrativa. 

Hombre lobo (4K UHD)

Christopher Abbott (Actor), Julia Garner (Actor), Leigh Whannell (Director)

Christopher Abbott protagoniza esta historia en el papel de Blake, un hombre casado y padre de familia que hereda la remota casa donde creció en una zona rural de Oregón. Todo se tuerce cuando la familia sufre el brutal ataque de un animal al que no consiguen ver y, en un intento desesperado por huir, se atrincheran dentro de la casa mientras la criatura merodea por la zona. A medida que pasan las horas, las heridas de Blake empeoran y comienza a comportarse de un modo extraño y a convertirse en algo irreconocible. Para proteger a su hija, Charlotte se verá obligada a decidir si esa monstruosidad es más letal que el peligro que acecha en el exterior.

Detalles del producto

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17 x 13,5 x 1 cm; 66 g

Director ‏ : ‎ Leigh Whannell

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray, Adulto

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 42 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 30 mayo 2025

Actores ‏ : ‎ Christopher Abbott, Julia Garner, Matilda Firth

Idioma ‏ : ‎ Inglés (Dolby Atmos), Castellano (Dolby Digital Plus 7.1)

Estudio ‏ : ‎ ARVI

ASIN ‏ : ‎ B0F8NVVQ2G

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

Comprar en Amazon

https://amzn.to/44iIUnj

ARVI ASUME LA DISTRIBUCIÓN EN FORMATO FÍSICO DE WARNER BROS. DISCOVERY EN ITALIA

 

ARVI ASUME LA DISTRIBUCIÓN EN FORMATO FÍSICO DE WARNER BROS. DISCOVERY EN ITALIA

  Arvi Licensing da un paso clave hacia la internacionalización con la apertura de Arvitalia Srl, su filial italiana, que comenzará a operar a partir de septiembre de 2025.   Esta expansión viene acompañada de una importante alianza estratégica: Arvi se convierte en el distribuidor oficial en formato físico de   Warner Bros. Discovery   en el territorio italiano. Este movimiento refleja la creciente consolidación de Arvi como uno de los socios clave de los grandes estudios internacionales en el sector del home entertainment.

Con esta nueva responsabilidad, Arvi será la encargada de   comercializar los próximos estrenos de Warner Bros. Discovery  , así como de gestionar y distribuir su   extenso catálogo  , incluyendo   películas clásicas, series de televisión y lanzamientos directos a vídeo  . Esta colaboración no solo refuerza el compromiso de ambas partes con el formato físico, sino que también representa un nuevo comienzo para Warner Bros. Discovery en Italia, impulsado por los buenos resultados obtenidos en el mercado español.

Esta expansión internacional consolida el posicionamiento de Arvi como una   referencia europea en la distribución física de contenidos cinematográficos y televisivos  , destacando su capacidad para ofrecer un servicio estructurado, fiable y eficaz. Gracias a un equipo especializado en marketing, trade y comunicación, la compañía trabaja estrechamente con retailers y comunidades de fans para garantizar que cada título reciba la visibilidad e impacto que merece.

Arvi mantiene una   visión firme sobre el valor del formato físico  , no solo por sus ventajas técnicas —calidad de imagen en alta definición, sonido envolvente, contenidos extra—, sino por el   componente emocional y coleccionista   que representa para los cinéfilos. DVD, Blu-ray y 4K Ultra HD siguen siendo formatos fundamentales para conservar y disfrutar del cine de una forma completa y duradera.

En un contexto cada vez más digital, Arvi se posiciona como un defensor del formato físico, promoviendo ediciones cuidadas, especiales y variadas que permitan al público   disfrutar del cine como una experiencia tangible y significativa  . Su colaboración con estudios de primer nivel como   Sony Pictures, Universal, DeAPlaneta, Lionsgate, Vértigo Films, F\&P y ahora Warner Bros. Discovery en Italia  , demuestra su capacidad para operar con éxito en un mercado exigente y cambiante.

Este nuevo capítulo en Italia no solo afianza el crecimiento estratégico de Arvi en Europa, sino que reafirma su   compromiso con el espectador, la industria y el legado del cine en soporte físico.  

Pack Insidious 1 + 2 + 3 / Insidious Collection - 3-Disc Set ( Insidious / Insidious: Chapter 2 / Insidious: Chapter 3 ) ( Insidious / Insidious Two / Insidious Three ) (Blu-Ray)

 

Pack Insidious 1 + 2 + 3 / Insidious Collection - 3-Disc Set ( Insidious / Insidious: Chapter 2 / Insidious: Chapter 3 ) ( Insidious / Insidious Two / Insidious Three ) (Blu-Ray)

Rose Byrne (Actor), Dermot Mulroney (Actor), James Wan (Director) 

España Edition, Blu-Ray/Region B DVD: IDIOMAS: Español ( DTS 5.1 ), Español ( DTS-HD Master Audio ), Inglés ( DTS 5.1 ), Inglés ( DTS-HD Master Audio ), Español ( Subtitulos ), Inglés ( Subtitulos ), WIDESCREEN (2.35:1), EXTRAS: Acceso De la Escena, Escenas Suprimidas, Menú Interactivo, Sistema 3-DVD, Trailer(s), SYNOPSIS: Insidious (2010) Josh (Patrick Wilson), su esposa Renai (Rose Byrne) y sus tres hijos acaban de mudarse a una vieja casa. Pero, tras un desgraciado accidente, uno de los niños entra en coma y, al mismo tiempo, empiezan a producirse en la casa extraños fenómenos que aterrorizan a la familia.

Insidious: Capítulo 2 (2013) Josh y Renai Lambert se han mudado con sus hijos a la casa de Lorraine, la madre de Josh, esperando olvidar el pasado y comenzar una nueva vida. Pero pronto la familia empieza a percibir extrañas visiones y fenómenos amenazantes que los obligarán a desentrañar un oscuro secreto.

Insidious: Capítulo 3 (2015) Elise Rainier (Lin Shaye) acepta a regañadientes utilizar su capacidad de ponerse en contacto con los muertos a fin de ayudar a una adolescente (Stefanie Scott) que se ha convertido en el blanco de una peligrosa entidad sobrenatural. ...Pack Insidious 1 + 2 + 3 / Insidious Collection - 3-Disc Set ( Insidious / Insidious: Chapter 2 / Insidious: Chapter 3 ) ( Insidious / Insidious Two / Insidious Three ) (Blu-Ray)

Detalles del producto

Director ‏ : ‎ James Wan, Leigh Whannell

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 306 minutos

Actores ‏ : ‎ Rose Byrne, Dermot Mulroney, Patrick Wilson, Ty Simpkins, Lin Shaye

Subtítulos: ‏ : ‎ Español, Inglés

Idioma ‏ : ‎ Español (Dolby Digital 2.0), Inglés (Dolby Digital 2.0)

Productores ‏ : ‎ Pack Insidious 1 + 2 + 3 / Insidious Collection - 3-Disc Set ( Insidious / Insidious: Chapter 2 / In, Insidious Collection - 3-Disc Set, Insidious / Insidious: Chapter 2 / Insidious: Chapter 3, Insidious / Insidious Two / Insidious Three, Pack Insidious 1 + 2 + 3

ASIN ‏ : ‎ B09NPPYT7G

País de origen ‏ : ‎ España

Número de discos ‏ : ‎ 3

Comprar en Amazon

https://amzn.to/44D7j8h

Fallout. Temporada 1 - DVD

Fallout. Temporada 1 - DVD

Ella Purnel (Actor), Aaron Moten (Actor), Geneva Robertson-Dworet (Director) 

Basada en uno de los mayores videojuegos de todos los tiempos, Fallout es la historia de los que tienen y los que no tienen en un mundo en el que casi no queda nada que tener. Doscientos años después del apocalipsis, los apacibles habitantes de unos lujosos refugios se ven obligados a regresar al increíblemente complejo, alegremente extraño y altamente violento universo que les espera en la superficie.

                                                         

Detalles del producto

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 19 x 13 x 1,5 cm; 71 g

Director ‏ : ‎ Geneva Robertson-Dworet

Formato multimedia ‏ : ‎ DVD, Adulto

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 7 horas y 12 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 30 julio 2025

Actores ‏ : ‎ Ella Purnel, Aaron Moten, Walton Goggins

Idioma ‏ : ‎ Inglés (Dolby Digital 5.1), Castellano (Dolby Digital 5.1)

Estudio ‏ : ‎ ARVI

ASIN ‏ : ‎ B0FF5T1DXP

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

 Comprar en Amazon

https://amzn.to/44oM1Ka

A different man - DVD

 

A different man  - DVD

Sebastian Stan (Actor), Renate Reinsve (Actor), Aaron Schimberg (Director) 

Edward, un aspirante a actor sin éxito profesional ni amoroso, se somete a una operación para cambiar su aspecto. El nuevo Edward es, a simple vista, un triunfador, pero el reencuentro con un antiguo amor platónico y la aparición de un misterioso desconocido comienzan a resquebrajar esa fachada. Sebastian Stan ganó el premio a Mejor Actor en Berlín por esta original sátira alrededor de la identidad y la normalidad, con ecos de la obra de Charlie Kaufman.

                                                    

Detalles del producto

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 19 x 13 x 1,5 cm; 71 g

Director ‏ : ‎ Aaron Schimberg

Formato multimedia ‏ : ‎ DVD, Adulto

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 48 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 30 julio 2025

Actores ‏ : ‎ Sebastian Stan, Renate Reinsve, Adam Pearson

Idioma ‏ : ‎ Inglés (Dolby Digital 5.1), Castellano (Dolby Digital 5.1)

Estudio ‏ : ‎ ARVI

ASIN ‏ : ‎ B0FF5W74FW

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

Comprar en Amazon

https://amzn.to/3G166yp

Until dawn DVD

Until dawn DVD

Ella Rubin (Actor), Michael Cimino (Actor), David F. Sandberg (Director) 

Un año después de la desaparición de su hermana Melanie, Clover y sus amigos se dirigen al remoto valle donde desapareció en busca de respuestas. Mientras exploran un centro de visitantes abandonado, son acechados y asesinados uno por uno… para después despertar y revivir la misma noche una y otra vez.El grupo pronto se dará cuenta de que sólo tienen un número limitado de muertes y que la única forma de escapar es sobrevivir hasta el amanecer.

                                                    

Detalles del producto

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 19 x 13 x 1,5 cm; 71 g

Director ‏ : ‎ David F. Sandberg

Formato multimedia ‏ : ‎ DVD, Adulto

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 38 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 30 julio 2025

Actores ‏ : ‎ Ella Rubin, Michael Cimino, Odessa A'zion

Idioma ‏ : ‎ Inglés (Dolby Digital 5.1), Castellano (Dolby Digital 5.1)

Estudio ‏ : ‎ ARVI

ASIN ‏ : ‎ B0FF6P8CDH

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

Comprar en Amazon

https://amzn.to/3G166yp

Sweeney Todd (4k UHD)

Sweeney Todd (4k UHD)

Johnny Depp (Actor), Helena Bonham Carter (Actor), Tim Burton (Director)

Johnny Depp y Tim Burton unen sus fuerzas en la adaptación cinematográfica ganadora de un Oscar del clásico musical de Stephen Sondheim. Depp encarna a un hombre injustamente enviado a prisión que jura venganza, no solo por su cruel castigo, sino por las devastadoras consecuencias de lo que le ocurrió a su esposa y su hija, y tras reabrir su barbería, se convierte en leyenda como "el barbero diabólico de Fleet Street"

                                            

Detalles del producto

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17 x 13,5 x 1 cm; 66 g

Director ‏ : ‎ Tim Burton

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 56 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 30 julio 2025

Actores ‏ : ‎ Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman

Idioma ‏ : ‎ Inglés (DTS-HD Master Audio 5.1), Castellano (Dolby Digital 5.1)

Estudio ‏ : ‎ ARVI

ASIN ‏ : ‎ B0FF63CDJL

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

Comprar en Amazon

https://amzn.to/3GkM6GY

Fallout. Temporada 1 Blu-ray

 

Fallout. Temporada 1 Blu-ray

Ella Purnel (Actor), Aaron Moten (Actor), Geneva Robertson-Dworet (Director)

Basada en uno de los mayores videojuegos de todos los tiempos, Fallout es la historia de los que tienen y los que no tienen en un mundo en el que casi no queda nada que tener. Doscientos años después del apocalipsis, los apacibles habitantes de unos lujosos refugios se ven obligados a regresar al increíblemente complejo, alegremente extraño y altamente violento universo que les espera en la superficie.

                                             

Detalles del producto

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17 x 13,5 x 1 cm; 66 g

Director ‏ : ‎ Geneva Robertson-Dworet

Formato multimedia ‏ : ‎ Adulto, Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 7 horas y 41 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 30 julio 2025

Actores ‏ : ‎ Ella Purnel, Aaron Moten, Walton Goggins

Idioma ‏ : ‎ Castellano (Dolby Digital 5.1), Inglés (Dolby Atmos)

Estudio ‏ : ‎ ARVI

ASIN ‏ : ‎ B0FF6BX6R1

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

Comprar en Amazon

https://amzn.to/448QhyR

Infierno azul Blu-ray

 

Infierno azul Blu-ray

Blake Lively (Actor), Oscar Jaenada (Actor), Jaume Collet-Serra (Director)

En este tenso thriller, cuando Nancy (Blake Lively) está surfeando en una recóndita playa, se encuentra en pleno terreno de caza de un tiburón blanco. Aunque está a menos de 200 metros de la costa, para sobrevivir tendrá que poner a prueba su voluntad y necesitará de todo su ingenio, toda su iniciativa y toda su fortaleza.

                                              

Detalles del producto

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17 x 13,5 x 1 cm; 66 g

Director ‏ : ‎ Jaume Collet-Serra

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 26 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 30 julio 2025

Actores ‏ : ‎ Blake Lively, Oscar Jaenada, Brett Cullen

Idioma ‏ : ‎ Inglés (DTS-HD Master Audio 5.1), Castellano (Dolby Digital 5.1)

Estudio ‏ : ‎ ARVI

ASIN ‏ : ‎ B0FF6NY1Z5

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

Comprar en Amazon

https://amzn.to/4lsc1eH