Shock Waves (Ondas de choque) BdR

Shock Waves (Ondas de choque) BdR

Peter Cushing (Actor), Brooke Adams (Actor), Ken Wiederhorn. (Director) 

Un grupo de visitantes descubre, en una isla remota, que un comandante nazi recluído ha estado engendrando a un grupo de soldados zombie.

                                             

Detalles del producto

Relación de aspecto ‏ : ‎ 1.85:1

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 18 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 16 x 14 x 1 cm; 100 g

Director ‏ : ‎ Ken Wiederhorn.

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 25 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 26 febrero 2026

Actores ‏ : ‎ Brooke Adams, Fred Buch, John Carradine, Luke Halpin, Peter Cushing

Subtítulos: ‏ : ‎ Castellano, Portugués

Estudio ‏ : ‎ Mon Inter

ASIN ‏ : ‎ B0GQGNB2DH

País de origen ‏ : ‎ España

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RESEÑA DEL PACK BLU-RAY "THE FRENCH CONNECTION 1 Y 2" DE DIVISA FILMS

 

RESEÑA DEL PACK BLU-RAY "THE FRENCH CONNECTION 1 Y 2" DE DIVISA FILMS

French Connection 1 Y 2 supone  un antes y un después en el cine de acción de los setenta. Estrenada en 1971, The French Connection dirigida por William Friedkin se convirtió en un punto de inflexión para el cine policíaco y de acción de los años setenta. Basada en hechos reales y adaptada del libro homónimo de Robin Moore, la película sigue a los detectives de Nueva York Popeye Doyle (interpretado por Gene Hackman) y Buddy Russo (Roy Scheider) mientras investigan una red de tráfico de heroína proveniente de Francia. Lo que hace a este filme tan revolucionario es su estilo hiperrealista: cámara en mano, tomas en locaciones reales de Nueva York, persecuciones vertiginosas y un estilo cercano al documental que rompió con la rigidez del cine policíaco previo.

French Connection marcó un cambio profundo en cómo se contaban las historias de crimen y acción. La famosa secuencia de persecución en coche por las calles de Brooklyn es considerada una de las mejores jamás filmadas, gracias a la cámara al hombro y a la sensación de velocidad y peligro real que transmite. A partir de esta película, muchos directores de los setenta comenzaron a apostar por un enfoque más crudo, urbano y verosímil, dejando atrás el estilo glamuroso y estilizado de los años sesenta. Sin duda que la primera entrega es un antecedente directo de películas de acción posteriores como Harry el Sucio (1971).

La película recibió 5 premios Óscar en 1972: Mejor Película, Mejor Director para William Friedkin, Mejor Actor para Gene Hackman, Mejor Montaje y Mejor Guion Adaptado. Además, fue nominada a otros tres Óscar, incluyendo Mejor Actor de Reparto y Mejor Fotografía. Su éxito no solo fue crítico sino también comercial, consolidando a Hackman como estrella y a Friedkin como director de primera línea.

La película destaca por su realismo, ritmo y construcción de personajes. Popeye Doyle no es un héroe glamuroso: es obsesivo, conflictivo y a veces desagradable, lo que aporta profundidad psicológica. La combinación de actuaciones sólidas, montaje preciso y dirección audaz crea tensión constante. La representación de Nueva York ,sus calles sucias, barrios peligrosos y estaciones de metro,  adquiere un protagonismo propio, impregnando la película de un realismo casi tangible. El guion logra combinar la acción trepidante con un profundo desarrollo de los personajes, algo poco habitual en los policíacos de la época.

Una anécdota curiosa es la inclusión de un actor español, Fernando Rey, quien interpreta a un importante intermediario del tráfico de drogas. Rey fue elegido por un error en el casting. Curiosamente, cuando William Friedkin pidió al actor de Belle de Jour (1967) de Luis Buñuel, el director de reparto entendió que se refería a Fernando Rey, en lugar de Paco Rabal, que era en realidad en quien Friedkin había pensado. Como suele suceder en Hollywood, la situación se resolvió de manera que Friedkin se encontró con Rey casi el día antes de comenzar el rodaje. Lo reconoció de inmediato, pero también supo que no era el actor que había solicitado. Friedkin había imaginado a Rabal, con su físico robusto y su expresión dura, para encarnar a “un rudo corso”, y se topó en cambio con Rey: cortés, educado, elegante y, según sus propias palabras, “parecía un duque”.

El éxito de la película llevó a “French Connection II” (1975), que sigue a Popeye Doyle en Marsella mientras persigue al mismo traficante. La secuela, dirigida en este caso por John Frankenheimer, se filmó en locaciones europeas y continuó con el estilo realista de la primera, aunque con menos impacto .

William Friedkin, antes de The French Connection, había dirigido películas de bajo presupuesto y televisión. Este filme consolidó su reputación y abrió camino para su obra más famosa, El exorcista (1973). Friedkin es conocido por su estilo visceral, enfoque en el realismo extremo y capacidad de dirigir escenas de acción con tensión palpable. Su carrera se caracteriza por combinar géneros , terror, thriller, crimen,  con un sello personal de autenticidad y crudeza.

The French Connection es, sin duda, uno de los mejores policíacos de los setenta porque combina acción trepidante con profundidad de personajes y realismo urbano. Su influencia se extendió durante décadas: redefinió el género, inspiró imitadores y consolidó la idea de que las películas de acción podían ser inteligentes, crudas y emocionalmente complejas. Desde la icónica persecución en coche hasta la representación de un héroe imperfecto, el filme sigue siendo un referente obligatorio para cualquier amante del cine de crimen y acción.

Un aspecto crucial que contribuye al impacto de The French Connection es, sin duda, su guion, elaborado por Ernest Tidyman, uno de los grandes artesanos de las historias criminales de los años setenta. Tidyman, ya conocido por adaptar con éxito la novela Shaft y por escribir títulos tan destacados como Las noches rojas de Harlem (1971), Matar a un poli (1978) y la serie de televisión Alcatraz (1980), logra en The French Connection un equilibrio perfecto entre realismo, tensión y construcción de personajes. Su guion no se limita a trazar la persecución policial: profundiza en la obsesión, los conflictos internos y las contradicciones de Popeye Doyle, creando un antihéroe memorable. La capacidad de Tidyman para combinar ritmo vertiginoso con autenticidad, junto con su talento para adaptar hechos reales a una narrativa absorbente, convirtió este guion en un referente dentro del cine policíaco y sentó las bases para que el thriller urbano de los setenta alcanzara nuevas cotas de sofisticación y crudeza.

Contenido extra

Pack Blu-ray: French Connection 1 + 2 – Edición Divisa Films

Este pack reúne las dos películas de la saga en alta definición e incorpora un amplio conjunto de contenidos adicionales procedentes de las ediciones internacionales más completas, con comentarios de audio, documentales, entrevistas y piezas retrospectivas que analizan tanto la producción de las películas como su impacto dentro del cine policíaco moderno.

The French Connection (Contra el imperio de la droga)

Disco 1

El primer disco incluye la película junto a varios materiales centrados en el proceso creativo y la visión de sus protagonistas.

Introducción y comentario en audio del director William Friedkin, donde el cineasta analiza las decisiones narrativas y técnicas que convirtieron la película en un referente del thriller urbano de los años 70.

Comentario en audio de Gene Hackman y Roy Scheider, que recuerdan el rodaje, la construcción de sus personajes y las exigencias físicas de algunas escenas clave.

Pista aislada de la banda sonora original, que permite escuchar de forma independiente la música compuesta por Don Ellis.

Trivial / curiosidades, una función interactiva con datos y anécdotas sobre el rodaje y la producción.

Disco 2

El segundo disco reúne una extensa colección de documentales y piezas retrospectivas que profundizan en la historia real que inspiró la película y en su influencia dentro del género.

Escenas eliminadas con comentario opcional de William Friedkin (11’37”).

Anatomía de una persecución (20’20”), un análisis detallado de la legendaria persecución automovilística bajo las vías del metro, una de las secuencias más influyentes del cine de acción.

Hackman habla de Doyle (10’49”), donde Gene Hackman reflexiona sobre la creación del personaje del detective Jimmy “Popeye” Doyle.

Friedkin y Grosso recuerdan la auténtica French Connection (19’12”), conversación entre el director y el policía real que inspiró la historia.

La escena del crimen (5’14”), breve pieza centrada en la recreación de las investigaciones policiales.

El telecine de French Connection (13’15”), que muestra el proceso de restauración y transferencia de la película para sus ediciones domésticas.

Jazz policíaco: la música de Don Ellis (10’04”), dedicado al estilo experimental del compositor y su impacto en el tono del film.

Prisionero de su traición: la conexión con el cine negro (13’47”), análisis crítico que conecta la película con la tradición del film noir.

Documental de la BBC: “The Poughkeepsie Shuffle” (53’38”), reportaje sobre la investigación policial real que inspiró la trama.

Haciendo la conexión: las historias jamás contadas de French Connection (56’33”), completo documental retrospectivo con testimonios del equipo y material de archivo.

French Connection II

La secuela, dirigida por John Frankenheimer, cuenta también con un interesante conjunto de materiales adicionales centrados en su producción y en la evolución del personaje protagonista.

Comentario en audio del director John Frankenheimer, en el que explica el cambio de tono respecto a la primera película y el rodaje en Marsella.

Comentario en audio de Gene Hackman y del productor Robert Rosen, con recuerdos del rodaje y del desarrollo del personaje.

Pista de banda sonora en DTS 5.1, que destaca la mezcla sonora de la película.

Frankenheimer a fondo (25’13”), documental sobre la carrera del director y su aproximación a la secuela.

Una conversación con Gene Hackman (7’06”), breve entrevista en la que el actor habla de su experiencia retomando el papel de Doyle.

Tráiler de cine (3’15”).

Galería fotográfica, con imágenes promocionales y material de producción.

En conjunto, esta edición ofrece más de tres horas de contenidos adicionales, que contextualizan el rodaje, la historia real y la relevancia cinematográfica de una de las sagas policíacas más influyentes del cine estadounidense de los años setenta.

French Connection (Blu-ray) Pack 2 Peliculas: French Connection. Contra el imperio de la droga (1971) (BD + BD Extras) + French Connection 2 (1975) (BD)

Gene Hackman (Actor), Roy Scheider (Actor), William Friedkin (Director),

Descripción del producto

FRENCH CONNECTION. CONTRA EL IMPERIO DE LA DROGA (1971)

BASADA EN HECHOS REALES.

• OSCAR® (1971) – 5 Premios: Mejor Película, Director, Actor, Guion Adaptado y Montaje. 8 Nominaciones

• GLOBOS DE ORO® (1971) – 3 Premios incluyendo Mejor Película - Drama. 4 Nominaciones.

• BAFTA® (1971) – 2 Premios: Mejor actor (Hackman) y Montaje. 5 Nominaciones.

Popeye Doyle (Hackman) y Buddy Russo (Scheider), dos detectives neoyorquinos esperan desarticular una red de contrabando de narcóticos y llegar al fondo de la llamada “conexión francesa”. Esta palpitante película está basada en hechos reales y ganó cinco Oscar® en 1971, entre los que se cuentan el de Mejor Película, Mejor Director (William Friedkin) y Mejor Actor (Gene Hackman).

Extras: DISCO 1: Introducción y comentario en audio del director William Friedkin. • Comentario en audio de Gene Hackman y Roy Scheider. • Trivial. • Tema musical. DISCO 2: Escenas eliminadas con comentario opcional de William Friedkin. • Anatomía de la caza. • Hackman como Doyle. • ¡Y mucho más!

Imagen: 1,85:1

Duración: 103 minutos

Región del disco: Todas las Regiones (A, B, C)

Audios: Castellano 5.1 DTS, Inglés 5.1 DTS-HD, Japonés 5.1 DTS (Híbrido).

Subtítulos: Castellano, Inglés, Japonés, Cantonés, Coreano, Mandarín.

FRENCH CONNECTION 2 (1975)

• GLOBOS DE ORO® (1975) – Nominada Mejor actor - Drama (Gene Hackman)

• BAFTA® (1975) – Nominada a Mejor actor (Gene Hackman)

Mientras busca al capo de la red de narcotraficantes, “Popeye” Doyle (Gene Hackman) es secuestrado y forzado a convertirse en adicto a la droga.

Extras: Comentario en audio del director John Frankenheimer. • Comentario en audio de Gene Hackman y del productor Robert Rosen. • Tema musical. • Conversando con Gene Hackman. • Frankenheimer: delante de los focos. • Tráiler. • Galería de fotos.

Imagen: 1,75:1

Duración: 119 minutos

Región del disco: Todas las Regiones (A, B, C)

Audios: Castellano 5.1 DTS (Híbrido), Inglés 5.1 DTS-HD, Italiano DTS 5.1 (Híbrido).

Subtítulos: Castellano, Inglés, Italiano, Checo, Griego, Hebreo, Húngaro, Portugués, Islandés, Polaco, Turco.

French Connection (Blu-ray) Pack 2 Peliculas: French Connection. Contra el imperio de la droga (1971) (BD + BD Extras) + French Connection 2 (1975) (BD)

24,99 €

Detalles del producto

Relación de aspecto ‏ : ‎ 1.75:1, 1.85:1

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 18 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17,5 x 13,5 x 1,5 cm; 135 g

Director ‏ : ‎ John Frankenheimer, William Friedkin

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 3 horas y 42 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 2 febrero 2026

Actores ‏ : ‎ Fernando Rey, Gene Hackman, Marcel Bozzuffi, Bernard Fresson, Jean-Pierre Castaldi, Roy Scheider, Tony Lo Bianco

Subtítulos: ‏ : ‎ Castellano, Inglés

Idioma ‏ : ‎ Castellano (DTS 5.1), Inglés (DTS-HD 5.1)

Estudio ‏ : ‎ Divisa HV - Disney

ASIN ‏ : ‎ B0GC65ZRPV

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

Número de discos ‏ : ‎ 3

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RESEÑA DE PREDATOR:BADLANDS 4K UHD + BLU-RAY

 

RESEÑA DE PREDATOR:BADLANDS 4K UHD + BLU-RAY

Con Predator: Badlands, el director Dan Trachtenberg vuelve a sacudir la franquicia tras revitalizarla con Prey. Si aquella recuperaba el espíritu del clásico de 1987, esta nueva entrega hace algo todavía más arriesgado: convertir al propio Depredador en protagonista absoluto.

Si hasta ahora la saga se había sostenido sobre la idea del Depredador como cazador implacable , una suerte de conde Zaroff cósmico que convierte a los humanos en trofeos,  Predator: Badlands dinamita esa premisa desde dentro. Aquí no asistimos a una simple inversión del punto de vista, sino a una auténtica reformulación del mito: Dek no es el monstruo al acecho, sino el “hijo débil” que necesita demostrar su valía. La película se articula así como un viaje del héroe bastante clásico, casi arquetípico, que puede rozar la herejía para los puristas, pero que funciona con sorprendente convicción dramática.

La historia sigue a Deck, un joven yautja/depredador considerado el miembro más débil de su clan, que emprende su primera gran cacería en el planeta más peligroso conocido. Su objetivo es abatir a una criatura aparentemente invencible para demostrar su honor y valía. Desde los primeros minutos, la película rompe con la fórmula tradicional: no hay presentación prolongada de humanos antes de la llegada del monstruo. Aquí comenzamos dentro del clan, escuchando su idioma, observando su jerarquía y comprendiendo su código. Es un giro radical que funciona sorprendentemente bien.

El planeta Genna, presentado como el lugar más peligroso del universo conocido, refuerza esa dimensión casi mitológica. Allí aguarda el Kalisk, criatura legendaria que ningún Yautja ha conseguido abatir. Para el clan es sinónimo de muerte; para Dek, de redención. El conflicto familiar , con un padre despiadado y un hermano que le concede una última oportunidad disfrazada de sentencia,  aporta una dimensión casi shakesperiana al arranque. No es solo una cacería: es una prueba de identidad, una huida hacia adelante frente a la humillación y el rechazo.

Badlands abandona en gran medida el survival horror para abrazar la aventura de ciencia ficción. La estructura responde a un viaje iniciático: Deck es el marginado, y cada enfrentamiento en el hostil planeta , repleto de fauna letal y vegetación agresiva,  supone un nivel más en su evolución. El resultado tiene ecos de videojuego épico y, por momentos, una atmósfera que recuerda más a una space opera que a un thriller de acecho selvático.

Lejos de buscar una nostalgia ochentera directa, la cinta apuesta por una épica aventurera más cercana al gran cine de género de hace dos décadas. En ese sentido, el filme recupera una sinceridad blockbuster que hoy resulta casi refrescante: hay monstruos imposibles, horizontes infinitos y un protagonista que camina hacia lo desconocido con la determinación de quien necesita redimirse o morir en el intento.

Visualmente, es una de las entregas más ambiciosas de la saga. El mundo alienígena está repleto de criaturas diseñadas con detalle y el uso combinado de prótesis y CGI logra que Deck resulte expresivo sin perder su fiereza. La acción es constante, con secuencias de combate espectaculares que explotan el ingenio táctico del yautja como cazador.

En este contexto, la aparición de Thia, la sintética de Weyland-Yutani interpretada por Elle Fanning, transforma el relato en algo más que un survival exótico. Su energía luminosa y parlanchina contrasta con el hermetismo hosco de Deck, generando una dinámica de “buddy movie” inesperadamente eficaz. La actriz, además, asume un doble papel que subraya el contraste entre humanidad simulada y frialdad corporativa, aunque el guion opta por no profundizar demasiado en los dilemas filosóficos habituales del universo Alien. Aquí prima la aventura sobre la reflexión.

La presencia de Elle Fanning como doble androide introduce el principal contrapunto. Su personaje aporta humor, diálogo y una conexión más accesible para el espectador. Aunque algunos momentos rozan un tono más ligero de lo habitual en la franquicia, la dinámica entre el depredador y la sintética funciona como motor emocional y amplía el universo compartido con la corporación Weyland-Yutani sin caer en el guiño fácil.

El ritmo es enérgico, aunque sufre un pequeño bache en el segundo acto antes de remontar con un tercer tramo contundente y satisfactorio. También habrá división entre los fans más puristas pues el tono es menos oscuro que en entregas anteriores y, aunque la violencia está presente, está mas diluida que en anteriores entregas.

Es cierto que el tono más accesible uaviza el filo brutal que definía a la franquicia, y algunos toques de ternura, como la criatura alienígena que acompaña al dúo protagonista, pueden descolocar a quienes añoran el salvajismo sin concesiones. Sin embargo, la película compensa esa pérdida de crudeza con imaginación visual y escenas vibrantes: criaturas híbridas de colmillos y tentáculos, “hierba cuchilla” que corta la piel al mínimo roce y combates coreografiados con una fisicidad notable pese al peso del CGI.

Sin embargo, el mayor mérito del film es atreverse a explorar el lore yautja desde dentro. Deck no pretende redefinir a toda la especie, sino funcionar como una excepción, un personaje singular que permite expandir la mitología sin traicionar del todo sus raíces.

En definitiva, Predator: Badlands no pretende ser una vuelta a los orígenes, sino una declaración de intenciones sobre el futuro de la saga. Puede que Deck no encaje en la definición clásica de lo que debe ser un Yautja, pero su odisea , entre la épica pulp y la fábula de redención,  logra algo que pocas secuelas consiguen: ampliar el universo sin traicionarlo del todo. Y si este es el nuevo rumbo, al menos queda claro que la caza aún tiene mucho terreno por explorar.

A partir de su primer largometraje, la carrera de Dan Trachtenberg se ha consolidado dentro del thriller y la ciencia ficción de alto perfil. Su debut en el cine fue Calle Cloverfield 10 (2016), un intenso thriller claustrofóbico de ciencia ficción que destacó por su manejo del suspense y su ambigüedad narrativa. La película confirmó su talento para construir tensión en espacios cerrados y lo situó como una nueva voz interesante dentro del cine de género.

Tras ese éxito, dio el salto a la televisión de prestigio, dirigiendo episodios de series como Black Mirror (2016) y más tarde The Boys (2019), donde demostró solvencia visual y capacidad para adaptarse a universos ya consolidados sin perder personalidad.

En 2022 revitalizó una franquicia clásica con Predator: La presa, ambientada en el siglo XVIII, que fue celebrada por devolver frescura y contundencia a la saga. Su vinculación con el universo Yautja se consolidó en 2025 con Predator: Asesino de asesinos y Predator: Badlands, ampliando la mitología y explorando nuevas perspectivas narrativas dentro de la franquicia.

Desde su debut en el largo, Trachtenberg ha construido una filmografía coherente centrada en el suspense, la ciencia ficción y la reinvención inteligente de universos preexistentes, destacando por su capacidad para combinar tensión , espectáculo y respeto por el material original.

Predator: Badlands es un giro audaz que revitaliza la franquicia apostando por la aventura épica y el desarrollo del propio cazador como héroe improbable. Puede que no convenza a todos los seguidores más ortodoxos, pero su energía, creatividad visual y ambición narrativa la convierten en una de las propuestas más estimulantes de la saga en años. Una evolución arriesgada que, esta vez, merece la pena.

                                 

La edición 4K UHD + Blu-ray de Predator: Badlands llega acompañada de un apartado de contenidos adicionales especialmente cuidado, que profundiza tanto en el proceso creativo como en la construcción del universo Yautja.

• En la piel del Predator

Este documental se centra en el exigente trabajo físico y técnico que hay detrás de la criatura. Con entrevistas a los intérpretes, especialistas y al equipo de maquillaje y efectos especiales, descubrimos cómo se combinan prótesis tradicionales, captura de movimiento y entrenamiento corporal para dotar a Dek de presencia, peso y expresividad sin perder su ferocidad. El reportaje subraya el equilibrio entre lo artesanal y lo digital, clave para que el personaje resulte creíble.

• Autenticidad sintética

Elle Fanning protagoniza esta pieza centrada en la construcción de sus dos personajes. La actriz explica el trabajo de diferenciación gestual y emocional entre ambas versiones, así como el proceso técnico de rodaje de escenas dobles. También se abordan aspectos como el lenguaje corporal, la contención emocional propia de un androide y la colaboración con el equipo de efectos visuales para integrar ambas interpretaciones en pantalla.

• El diseño de las Badlands

Un recorrido detallado por el diseño de producción. El equipo artístico muestra cómo localizaciones reales fueron transformadas mediante escenografía, iluminación y efectos digitales para convertirse en el planeta Genna. Se analizan conceptos como la “hierba cuchilla”, la creación de la fauna alienígena y la construcción de un entorno que debía resultar tan bello como letal.

• Dek, de los Yautja

Uno de los extras más interesantes para los aficionados al lore. Este reportaje explora el desarrollo del mundo natal de los Yautja, el diseño de su nave espacial y la estructura jerárquica del clan. Se profundiza en la dinámica familiar que define al protagonista y en cómo el guion buscó humanizar , sin domesticar,  a la criatura, ampliando la mitología de la saga.

• Audiocomentario del director y el equipo técnico

Dan Trachtenberg, el productor Ben Rosenblatt, el director de fotografía Jeff Cutter y el coordinador de acción Jacob Tomuri ofrecen un comentario en profundidad durante el visionado. Analizan decisiones de puesta en escena, planificación de secuencias de acción, retos logísticos y ajustes de montaje, aportando una visión técnica muy completa del proceso.

• Escenas eliminadas y previsualizaciones

Incluye secuencias descartadas y animáticas de previsualización con comentarios del director y los cineastas. Este material permite comparar la evolución de determinadas escenas desde su concepción inicial hasta la versión final, revelando cambios de ritmo, tono o enfoque narrativo.

En conjunto, los extras no solo amplían la experiencia de visionado, sino que aportan una mirada detallada al esfuerzo creativo y técnico que hay detrás de esta ambiciosa entrega de la saga.

                                               

Predator: Badlands (Steelbook) (4K UHD + Blu-ray)

Dan Trachtenberg (Director), Elle Fanning (Actor), Dimitrius Koloamatangi (Actor)

Este emocionante capítulo de la trepidante saga «Predator» está ambientado en el futuro, en un planeta remoto. Un joven Predator (Dimitrius Schuster-Koloamatangi), expulsado de su clan, encuentra una aliada inesperada en Thia (Elle Fanning) y se embarca en un peligroso viaje en busca de su adversario definitivo.

Extras:

• En la piel del Predator ,  conoce a los artistas que dan vida a una de las criaturas más terroríficas de la pantalla.

• Autenticidad sintética ,  acompaña a Elle Fanning mientras describe la creación de sus dos personajes.

• El diseño de las Badlands ,  descubre cómo se transformaron localizaciones reales en un paisaje amenazador.

• Dek, de los Yautja ,  vea el desarrollo del mundo natal de los Yautja, su nave espacial y la dinámica familiar.

• Audiocomentario del director Dan Trachtenberg, el productor Ben Rosenblatt, el director de fotografía Jeff Cutter y el coordinador de acción Jacob Tomuri

• Escenas eliminadas y de previsualización con comentarios de audio del director y los cineastas.

Imagen: 2,39:1

Duración: 108 minutos

Región del disco: Todas las Regiones (A, B, C)

DISCO 1: 4K ULTRA HD™ – 2160p Alta Definición / 2.39:1 / 16x9.

Audios: 7.1.4 Dolby Atmos: Inglés / DTS Digital Surround 5.1: Castellano / Dolby Digital Plus 7.1: Italiano / Dolby Digital 2.0: Audiodescripción en Inglés.

Subtítulos: Castellano, Italiano, Danés, Finés, Noruego, Sueco, Inglés codificado para sordos.

DISCO 2: BLU-RAY™ – 1080p Alta Definición / 2.39:1 / 16x9.

Audios: DTS Digital Surround 5.1: Castellano / DTS-HD MA 7.1: Inglés / Dolby Digital Plus 7.1: Italiano.

Subtítulos: Castellano, Italiano, Inglés codificado para sordos.

Detalles del producto

Relación de aspecto ‏ : ‎ 2.39:1

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 12 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17,2 x 13,8 x 1,7 cm; 170 g

Director ‏ : ‎ Dan Trachtenberg

Formato multimedia ‏ : ‎ 4K

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 48 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 16 febrero 2026

Actores ‏ : ‎ Dimitrius Koloamatangi, Elle Fanning

Subtítulos: ‏ : ‎ Castellano, Danés, Finlandés, Inglés, Italiano, Noruego, Sueco

Idioma ‏ : ‎ Castellano (DTS 5.1 Surround), Inglés (Dolby Atmos), Italiano (Dolby Digital Plus 7.1)

Estudio ‏ : ‎ Divisa HV - Disney

ASIN ‏ : ‎ B0GFN95NH8

Número de discos ‏ : ‎ 2

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RESEÑA DEL BLU-RAY "TRAS EL CRISTAL" DE RESEARCH ENTERTAINMENT

 RESEÑA DEL BLU-RAY "TRAS EL CRISTAL" DE RESEARCH ENTERTAINMENT

El debut cinematográfico de Agustí Villaronga no fue simplemente la irrupción de un nuevo autor en el panorama español: fue una declaración artística radical que dinamitó cualquier expectativa sobre lo que podía abordar el cine nacional en los años ochenta. Estrenada en 1986, Tras el cristal se inscribe dentro del cine abyecto y del llamado “terror transgresor de autor”, una corriente que dialoga con títulos como Saló o los 120 días de Sodoma de Pier Paolo Pasolini o Posesión de Andrzej Żuławski. No estamos ante terror convencional, sino ante una exploración moral y psicológica del mal en su forma más cruda y descarnada.

La película arranca con el intento de suicidio de Klaus (Günter Meisner), un exmédico nazi responsable de torturas y abusos a menores durante la Segunda Guerra Mundial. Sobrevive, pero queda paralizado y recluido en un pulmón de acero, completamente dependiente de terceros. A su vida regresa el pasado cuando aparece Angelo (David Sust), un joven que se ofrece como enfermero y cuya verdadera motivación pronto revelará una relación tan enfermiza como inevitable.

Desde sus primeros compases, el film establece un clima de opresión moral y visual del que nunca se aparta. Villaronga construye un espacio cerrado, casi fuera del tiempo, donde el pasado no ha sido superado sino encapsulado, respirando de manera artificial dentro de esa casa aislada. El espectador comparte la sensación de encierro, atrapado en una atmósfera densa que no ofrece respiro ni distancia emocional.

La oscuridad de la propuesta no es solo temática, sino formal. La puesta en escena se apoya en sombras persistentes, encuadres cerrados y una paleta cromática fría que refuerza la sensación de asfixia. La casa se convierte en extensión física del trauma: pasillos estrechos, habitaciones en penumbra y silencios prolongados que pesan más que cualquier diálogo. No hay efectismo, sino una calculada frialdad que impregna cada plano.

Uno de los grandes logros del film es su análisis de la naturaleza cíclica del mal. Angelo no es simplemente un vengador, sino el producto deformado de aquello que presenció en su infancia. Villaronga plantea que la violencia extrema no desaparece con el castigo del culpable; se transforma, se transmite y encuentra nuevos cuerpos donde alojarse. El horror no reside tanto en lo explícito —que el director sugiere más de lo que muestra— como en la degradación moral progresiva y en la ambigüedad de unos personajes donde víctima y verdugo terminan por confundirse.

Las interpretaciones sostienen gran parte de la potencia del conjunto. Günter Meisner compone un Klaus inquietante incluso en la inmovilidad absoluta: su mirada y su respiración mecánica bastan para transmitir culpa, miedo y perversión latente. David Sust, por su parte, ofrece una actuación perturbadora y ambigua, transitando con naturalidad entre la fragilidad y la crueldad.

Desde su estreno, la película generó polémica por la crudeza de su planteamiento y la ausencia de concesiones morales. Fue una obra que dividió profundamente a crítica y público, y aún hoy sigue siendo un título incómodo para muchos espectadores. Sin embargo, más allá de la controversia, supuso una ruptura estética y temática en la producción española de la época, abriendo caminos que rara vez se habían transitado en nuestro cine.

No es entretenimiento en el sentido tradicional ni pretende serlo. Es una meditación sombría sobre la culpa, el trauma y la transmisión del horror. Una obra exigente que rehúye el consuelo y obliga al espectador a enfrentarse a la parte más oscura de la condición humana.

Precisamente por su radicalidad formal y temática, Tras el cristal merece ser reivindicada y redescubierta. Esta edición en Blu-ray de Research Entertainment ofrece la oportunidad de revisitarla con la calidad que su cuidada puesta en escena requiere, permitiendo apreciar con mayor nitidez su composición visual y su atmósfera opresiva.

No es una película para todos los públicos. Pero para quienes buscan un cine arriesgado, incómodo y artísticamente ambicioso, sigue siendo una experiencia difícil de olvidar.

                                       

Tras el Cristal [Blu-ray] (1986)

David Sust (Actor), Günter Meisner (Actor), Agustí Villaronga (Director) 

Durante la Segunda Guerra Mundial, el doctor Klaus (Günter Meisner) torturó, asesinó y abusó de multitud de niños en los campos de concentración nazis. Acabada la contienda, un intento de suicidio le obligará a permanecer conectado a un pulmón de acero, ayudado solamente por su mujer Griselda (Marisa Paredes) y su hija Rena (Gisèle Echevarría). La aparición de un joven que se ofrece para cuidarlo establecerá entre ambos una sórdida relación basada en el deseo, la venganza y la fascinación por el mal.

Detalles del producto

Relación de aspecto ‏ : ‎ 1.85:1

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 18 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 12 x 10 x 2 cm; 100 g

Director ‏ : ‎ Agustí Villaronga

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 47 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 4 febrero 2026

Actores ‏ : ‎ David Sust, Günter Meisner, Imma Colomer, Josue Guasch, Marisa Paredes

Estudio ‏ : ‎ research

ASIN ‏ : ‎ B0GCNXKNPH

País de origen ‏ : ‎ España

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ADELANTO DE NOVEDADES DE DIVISA FILMS EN ABRIL 2026

 

ADELANTO DE NOVEDADES DE DIVISA FILMS EN ABRIL 2026

Divisa Films anuncia los primeros lanzamientos en formato físico relacionados con el cine fantástico previstos para Abril de 2026 que llegarán a las tiendas en dos tandas, los días 9 y 28 de Abril . Una selección ecléctica que combina cine de autor imprescindible como Alas de mariposa y La madre muerta, clásicos de culto como La escalera de Jacob, grandes iconos de la ciencia ficción como la saga El planeta de los simios y Soldado universal, superproducciones épicas como Exodus: Dioses y reyes, el espectáculo del universo Marvel con Iron Man 2 y 3.

Alas de Mariposa (1991) (Juanma Bajo Ulloa) (Blu-ray)

La Madre Muerta (1993) (Juanma Bajo Ulloa) (Blu-ray)

La Escalera de Jacob (Jacob's Ladder) (1990) (Adrian Lyne) (4K

Soldado Universal (Universal Soldier) (1992) (Roland Emmerich) (4K UHD + Blu-ray)

El Planeta de los Simios (Planet Of the Apes) Pack 5 peliculas (1968-1973) (Blu-ray)

Exodus: Dioses y Reyes (Exodus: Gods and Kings) (2014) (Ridley Scott) (Blu-ray)

Iron Man 2 (Blu-ray)

Iron Man 3 (Blu-ray)

Primate (2025) (Johannes Roberts) (Blu-ray)

La Isla de la Hermana Teresa BdR (Mysterious Island of Beautiful Women)

 La Isla de la Hermana Teresa BdR (Mysterious Island of Beautiful Women)

Steven Keats (Actor), Jaime Lyn Bauer (Actor), Joseph Pevney (Director) 

Un grupo de seis hombre se ve obligado a un aterrizaje forzoso en una isla desierta del Sur del Pacifico. Allí descubren que ésta se encuentra habitada por una tribu salvaje de hermosas mujeres. Sin embargo, ellas no son los únicos habitantes de la isla. También viven allí los peligrosos cazadores de cabezas, y escondida en la selva, gobernando a todos ellos, vive "Sister".

                                            

Detalles del producto

Relación de aspecto ‏ : ‎ 1.37:1

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 12 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 16 x 14 x 1 cm; 100 g

Director ‏ : ‎ Joseph Pevney

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 36 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 26 febrero 2026

Actores ‏ : ‎ Deborah Shelton, Jaime Lyn Bauer, Jayne Kennedy, Rosalind Chao, Steven Keats

Subtítulos: ‏ : ‎ Castellano, Inglés

Estudio ‏ : ‎ Mon Inter

ASIN ‏ : ‎ B0GQH1N5PN

País de origen ‏ : ‎ España

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ADELANTO DE LOS LANZAMIENTOS DE RESEARCH PARA ABRIL DE 2026

 

ADELANTO DE LOS LANZAMIENTOS DE RESEARCH PARA ABRIL DE 2026

La distribuidora Research Entertainment adelanta un primer avance de sus novedades para Abril de 2026, un mes especialmente atractivo para los amantes del terror, el fantástico y la ciencia ficción, géneros que ocupan un lugar destacado dentro de esta nueva tanda de lanzamientos. Las novedades, previstas para el 7 de abril, llegarán en Blu-ray, DVD y ediciones Steelbook, con especial atención al público coleccionista y al cine de culto.

  Fortaleza Infernal + Fortaleza Infernal 2 [2 Blu-ray] 

Fortaleza Infernal + Fortaleza Infernal 2 (Steelbook) + [2 Blu-ray] 

La Maldición de Frankenstein [Blu-ray] 

La Maldición de Frankenstein [Blu-ray] 

Vampiros a la Sombra [Blu-ray] 

Balearic [Blu-ray] 

La Loca Historia de las Galaxias [Blu-ray] 

El Resucitado [Blu-ray] 

Desbocado [Blu-ray] 

Vicios Prohibidos [Blu-ray] 

Casi un Ángel [Blu-ray] 

La Noche del  Tiburón [Blu-ray] 

El Vuelo de los Dragones [Blu-ray] 

RESEÑA DEL BLU-RAY "RELAY" DE KARMA FILMS

 

RESEÑA DEL BLU-RAY "RELAY" DE KARMA FILMS

En febrero llega al mercado doméstico español, de la mano de Karma Films, uno de los thrillers más sugerentes y sólidos de los últimos años:  Relay , una película que roza las dos horas y que combina conspiración corporativa, tensión psicológica y una atmósfera densa que remite al mejor cine paranoico de los años setenta. Dirigida por David Mackenzie, un realizador que cuida sus tiempos y alterna con criterio entre producciones de mayor alcance y proyectos más personales, la película se erige como su trabajo más sólido y estimulante desde Comanchería, reafirmando su especial habilidad para construir thrillers de tensión contenida y combustión progresiva.

La película se articula como un auténtico thriller conspiranoico de combustión lenta, construido sobre un guion de Justin Piasecki que introduce una variación especialmente interesante dentro del subgénero de los denunciantes corporativos. Aquí no seguimos a un periodista heroico ni a un abogado decidido a tumbar a una multinacional, sino a alguien que opera en la zona gris del sistema: un intermediario que negocia la devolución de información sensible a cambio de inmunidad y silencio. La premisa, en apariencia sencilla, se convierte en un terreno fértil para explorar el poder, la culpa y el miedo en una sociedad atravesada por la vigilancia.

Riz Ahmed interpreta a Ash , aunque su nombre real permanece en la sombra durante buena parte del metraje,  un profesional meticuloso, reservado y casi invisible que ha hecho del anonimato su modo de supervivencia. Su trabajo consiste en servir de mediador entre grandes corporaciones y empleados que, tras filtrar información comprometedora, desean dar marcha atrás. Ash no juzga, no moraliza y apenas improvisa: observa, calcula y negocia. El uso de un sistema telefónico de “relay”, que le permite comunicarse a través de intermediarios sin revelar su identidad, añade una capa de distancia tecnológica que remite inevitablemente a clásicos como La conversación, donde la escucha y la mediación se convertían en herramientas de poder.

La historia adquiere entonces la forma de un estudio sobre la confianza en un mundo dominado por la sospecha. El nuevo encargo de Ash lo pone en contacto con Sarah Grant, encarnada por Lily James, empleada de una poderosa empresa alimentaria que ha descubierto datos alarmantes sobre un desarrollo agrícola potencialmente dañino. Tras copiar los archivos por impulso , movida por una mezcla de indignación y miedo,  Sarah comienza a recibir presiones y amenazas. La angustia la empuja a buscar una salida negociada: quiere devolver los documentos y recuperar su vida antes de que la maquinaria corporativa la devore.

El conflicto se intensifica cuando entra en escena un equipo de seguridad corporativa liderado por Sam Worthington, cuya presencia aporta un contrapunto físico a la contención general del relato. No se trata de un villano caricaturesco, sino de un profesional frío y eficiente, convencido de que protege intereses legítimos. Esa ambigüedad moral , nadie es completamente inocente, nadie es del todo monstruoso,  dota a la película de una densidad poco habitual en el thriller comercial contemporáneo.

Uno de los mayores aciertos de  Relay  es que durante buena parte de su metraje los dos protagonistas apenas comparten espacio físico. Su relación se construye a través de llamadas intermediadas, pausas incómodas y protocolos estrictos que impiden cualquier cercanía inmediata. Sin embargo, esa distancia no enfría la narración; al contrario, genera una tensión emocional creciente. Cada conversación es un pequeño campo de batalla donde se miden la desconfianza y la necesidad mutua. La intimidad surge precisamente de la fragilidad compartida, no del contacto directo.

En el plano formal, el estilo de Mackenzie apuesta claramente por la contención evitando la espectacularidad gratuita. Lo que podría haber sido un procedimental televisivo más se transforma en un thriller elegante y atmosférico que respira ecos de títulos como Los tres días del Cóndor y El último testigo. No se trata de una copia nostálgica, sino de una recuperación consciente de cierta manera de narrar: silencios prolongados, escenas sin diálogo que se sostienen en la observación, un montaje preciso que no subraya en exceso y una puesta en escena que convierte los espacios urbanos , estaciones, oficinas, calles impersonales,  en territorios de vigilancia constante.

Las interpretaciones sostienen con firmeza esa apuesta estética. Riz Ahmed ofrece una composición contenida y magnética, basada en mínimos gestos y miradas que transmiten cálculo y vulnerabilidad a partes iguales. Su Ash es un hombre que ha aprendido a desaparecer en el entorno, pero cuya coraza comienza a resquebrajarse ante la humanidad de Sarah. Lily James, por su parte, se aleja de registros más luminosos para construir un personaje frágil pero determinado, atrapado entre el miedo y la responsabilidad moral. El reparto secundario contribuye a reforzar la sensación de sistema cerrado, donde cada pieza cumple su función sin estridencias.

En términos narrativos, lo que mejor funciona en  Relay  es su paciencia. La tensión no explota de inmediato, sino que se filtra lentamente en cada escena, como una presión que aumenta casi sin que el espectador lo perciba. Puede que su segundo acto resulte deliberadamente pausado para quienes busquen un thriller más directo o repleto de giros abruptos, y que el tramo final introduzca una mayor fisicidad en la acción, pero esos movimientos responden a una progresión coherente y no traicionan el tono general de la obra.

En definitiva, estamos ante una rceomendable propuesta adulta, inteligente y elegante que confía en la atención del espectador y rehúye los subrayados innecesarios.  Relay  reflexiona sobre el poder corporativo, la fragilidad del individuo y la dificultad de actuar éticamente dentro de estructuras opacas sin renunciar al entretenimiento ni a la tensión. Con su estreno doméstico en febrero gracias a Karma Films, se presenta como una de las opciones más estimulantes para quienes deseen redescubrir el placer del thriller pausado y atmosférico, de esos que siguen resonando mucho después de que aparezcan los créditos finales.

                                   

Relay - Blu-ray

Riz Ahmed (Actor), David Mackenzie (Director) 

Tom (Riz Ahmed) trabaja como negociador en situaciones de conflicto entre denunciantes y empresas. Tras su último éxito, recibe una llamada de Sarah (Lily James), quien tiene información sobre una poderosa farmacéutica a punto de ser comprada. Desde la compañía están desesperados por conseguir un valioso informe que Sarah robó, y contratan un grupo de investigadores para que atrapen a Tom, pero éste trabaja con un sistema que lo hace prácticamente irrastreable. Pero cuando el intercambio se complica y Sarah y Tom están en inminente peligro, Tom se dará cuenta de que están intentando hacerlo caer a toda costa.

Detalles del producto

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 12 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17,2 x 14 x 1,1 cm; 95 g

Director ‏ : ‎ David Mackenzie

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 51 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 17 febrero 2026

Actores ‏ : ‎ Riz Ahmed

Subtitulado: ‏ : ‎ Castellano

Estudio ‏ : ‎ Karma Films

ASIN ‏ : ‎ B0GGJ2932Z

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

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RESEÑA DEL DVD "LA SOSPECHA DE SOFÍA" DE DIVISA FILMS

 

RESEÑA DEL DVD "LA SOSPECHA DE SOFÍA" DE DIVISA FILMS

Adaptación de la novela de Paloma Sánchez-Garnica , ganadora del Premio Planeta 2024, , La sospecha de Sofía supone además la última película como director de Imanol Uribe, uno de los cineastas más veteranos y reconocidos del cine español. La cinta se colocó recientemente en los primeros puestos de la taquilla española, rozando el millón de euros de recaudación en salas, y ahora se edita en DVD de la mano de Divisa Films.

Uribe, responsable de adaptaciones tan celebradas como El rey pasmado y Días contados , ambas premiadas con ocho Goya,  vuelve aquí al terreno literario con una historia que le permitió cumplir una vieja aspiración: rodar un thriller de espías con trasfondo histórico. Y ese deseo se percibe desde el primer momento en el tono, la puesta en escena y la construcción narrativa del film.

Ambientada entre el mayo del 68 y la caída del Muro de Berlín, la película articula su relato en torno a una compleja trama de espionaje entre la España franquista y la Alemania oriental. El eje dramático lo encarnan dos hermanos gemelos , interpretados por Álex González,  criados en contextos ideológicos opuestos: uno bajo el franquismo, otro en la RDA comunista. A través de ellos, la historia explora la identidad, la manipulación política y la fractura íntima provocada por los sistemas totalitarios.

En el plano narrativo, la película abraza sin complejos el canon del thriller de espionaje clásico. Vigilancias con teleobjetivo, escuchas clandestinas, dobles identidades y conspiraciones internacionales articulan un relato donde la KGB y la Stasi desempeñan papeles decisivos. La figura del doble funciona como motor dramático y como metáfora de la fractura ideológica de la época. Uribe ha reconocido su admiración por el universo de John le Carré y por títulos como El espía que surgió del frío, cuya influencia se percibe en el tono sobrio y en la construcción de la intriga.

El guion , firmado por Gema Ventura a partir de la novela,  fue evolucionando durante el proceso. El director reforzó el componente de espionaje, acercando la película al tono clásico del thriller europeo. El resultado combina intriga política con drama emocional en un equilibrio sostenido.

Uno de los grandes aciertos del film es el trabajo de Álex González, que compone no solo a los dos gemelos, sino que construye matices diferenciados entre sus versiones ideológicas y emocionales. Es probablemente uno de los papeles más complejos de su carrera. A su lado, Aura Garrido aporta sensibilidad y contención a una historia marcada por la sospecha y la traición.

La estructura del film, apoyada en flashbacks y saltos temporales, fue profundamente redefinida en la sala de montaje. Según el propio Uribe, la película terminó siendo distinta a la que salió del rodaje gracias al trabajo del montador, que reorganizó el material para potenciar el ritmo y el encadenado de situaciones imprevisibles. Esa apuesta por la tensión constante es uno de sus puntos fuertes: puede haber cierta rigidez formal o personajes algo esquemáticos, pero el interés no decae y resulta difícil aburrirse.

Otro elemento relevante es la música , o su ausencia estratégica,  dentro de la concepción de Uribe. El director ha confesado no considerarse especialmente dotado para el lenguaje musical, delegando habitualmente en compositores de confianza. Aquí la contención sonora refuerza la atmósfera: la tensión nace más del encuadre, del silencio y de las miradas que de una banda sonora invasiva.

Uno de los aspectos más llamativos de La sospecha de Sofía es la complejidad logística de su rodaje. La acción transcurre en Madrid, París, Berlín occidental y Berlín oriental, y sin embargo la película no salió de España. El reto era mayúsculo: recrear distintas ciudades y épocas , incluido el Berlín de la RDA en plena Guerra Fría,  dentro de un radio limitado de localizaciones.

El resultado evidencia un trabajo técnico de enorme precisión. El equipo artístico logró que espacios rodados en lugares como Aranjuez o Cuatro Vientos se transformaran de forma verosímil en escenarios internacionales. La construcción del Muro de Berlín en territorio español es un ejemplo claro de ese trabajo minucioso que combina artesanía clásica y apoyo de nuevas tecnologías.

Uribe ha insistido en la importancia capital del equipo en un proyecto de estas características. El cine no es obra de una sola persona, sino el resultado de una maquinaria colectiva donde cada departamento resulta esencial. El director de arte, el director de fotografía, vestuario y el resto del equipo técnico fueron fundamentales para levantar una ambientación creíble y cuidada.

Como ocurre en toda adaptación, la película simplifica y reordena ciertos elementos del texto original para potenciar el suspense y el ritmo cinematográfico. Mientras que la novela profundiza más en los matices psicológicos y en el contexto histórico, el film apuesta por la tensión narrativa y el conflicto ideológico entre los personajes.

La adaptación contó además con el respaldo emocional de la propia autora, que vio la película terminada y consideró que capturaba la esencia de su obra, un espaldarazo importante tratándose de una novela extensa y compleja.

En conjunto, La sospecha de Sofía es un thriller sólido, elegante y clásico en su planteamiento. Ambicioso en producción y fiel al espíritu del cine de espionaje europeo, combina identidad, traición y manipulación política en un contexto histórico reconocible. Puede que formalmente no siempre alcance el nervio del gran cine internacional del género, pero su capacidad para atrapar al espectador y su cuidada factura técnica la convierten en una propuesta estimable dentro del panorama del thriller español contemporáneo y una edición en DVD especialmente recomendable para los amantes del cine de espías clásico.

                                     

La Sospecha de Sofia (DVD)

Álex González (Actor), Aura Garrido (Actor), Imanol Uribe (Director) 

Descripción del producto

ESPIONAJE Y CONTRAESPIONAJE EN PLENA GUERRA FRÍA

La vida de Sofía y Daniel se anticipa prometedora y feliz hasta que Daniel recibe una enigmática invitación para ir a conocer a su madre biológica a un Berlín del Este sumido en plena Guerra Fría.

Sin él saberlo, aceptar esa invitación será el mayor error de su vida, ya que se convertirá en la pieza esencial del plan secreto de la KGB para establecer su centro operativo en la España franquista y en el que su hermano gemelo, Klaus, jugará un papel clave, usurpándole la identidad, la familia y la vida entera. Desde ese momento, Sofía vivirá en una continua sospecha.

Extras: Tráiler • Galería.

Imagen: 1,85:1

Duración: 96 minutos

Región del disco: 2

Idiomas: Castellano en 5.1 y 2.0 Dolby Digital; Castellano para personas con discapacidad visual.

Subtítulos: Castellano y Castellano para personas con discapacidad auditiva.

Detalles del producto

Relación de aspecto ‏ : ‎ 1.85:1

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 12 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 19 x 13,5 x 1,5 cm; 70 g

Director ‏ : ‎ Imanol Uribe

Formato multimedia ‏ : ‎ DVD

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 36 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 2 febrero 2026

Actores ‏ : ‎ Aura Garrido, Irina Bravo, Yaiza Guimare, Stefan Weinert, Zoe Stein, Álex González

Subtítulos: ‏ : ‎ Castellano

Idioma ‏ : ‎ Castellano (Dolby Digital 2.0), Castellano (Dolby Digital 5.1)

Estudio ‏ : ‎ Divisa HV

ASIN ‏ : ‎ B0GC5GCYNX

País de origen ‏ : ‎ España

Número de discos ‏ : ‎ 1

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RESEÑA DEL BLU-RAY "Dark Glasses (OCCHIALI NERI) DE RESEARCH ENTERTAINMENT

RESEÑA DEL BLU-RAY "Dark Glasses (OCCHIALI NERI) DE RESEARCH ENTERTAINMENT

Cuatro años después de su estreno y tras su paso por diversos festivales españoles, llega el momento de revisitar en formato físico de la mano de Resen con la debida perspectiva Dark Glasses (Occhiali neri), dirigida y coescrita por Dario Argento junto a Franco Ferrini. Presentada en algunos festivales españoles en 2022, la película marcó el retorno al largometraje del maestro del giallo después de una década desde Dracula 3D, despertando una mezcla de expectación y escepticismo ante la posibilidad de asistir bien a una recuperación creativa, bien a un epílogo tardío dentro de una filmografía legendaria del terror europeo.

El estreno de Dark Glasses  supuso el regreso al largometraje de Dario Argento tras varios años de silencio, y la recepción fue tan expectante como dividida. El retorno del maestro del giallo generó inevitables comparaciones con sus películas clásicas, algo que marcó el tono general de las valoraciones: respeto hacia su figura histórica, pero también una mirada crítica hacia el resultado.

La película parte de una premisa contundente : Diana (Ilenia Pastorelli), una escort de alto nivel en Roma, es perseguida por un asesino en serie que está eliminando prostitutas. El acoso culmina en un accidente automovilístico que la deja ciega y provoca la muerte de una pareja, cuyos hijos, en especial el pequeño Chin (Andrea Zhang) , quedarán vinculados a ella. A partir de ahí, el relato combina el thriller de persecución con el melodrama y el slasher más clásico.

La interpretación de Ilenia Pastorelli se mueve en un terreno desigual, aunque consigue que la vulnerabilidad inicial del personaje derive progresivamente en una resistencia convincente. Resulta especialmente significativo que la película evite cualquier juicio moral sobre su oficio: lejos de estigmatizarlo, retrata a las trabajadoras sexuales como mujeres dueñas de sus decisiones, apartándose del enfoque moralizante tan frecuente en este tipo de relatos.

Uno de los aspectos más curiosos es la ambientación contemporánea. Smartphones,dispositivos electrónicos… y, sin embargo, la tecnología apenas modifica la lógica narrativa. Podría tratarse de una historia ambientada en los años 80 sin que el esqueleto argumental cambiara demasiado. Este desfase genera cierta sensación de anacronismo: Argento parece más cómodo con mecanismos clásicos que con las implicaciones dramáticas del mundo digital.

Uno de los aspectos más comentados de Dark Glasses es su tono visual. Lejos del cromatismo hipnótico de Suspiria o de la estilización barroca de Profondo Rosso, aquí encontramos una fotografía más limpia y contemporánea, menos saturada, más cercana al thriller urbano que al cuento gótico. Esto puede decepcionar a los que esperaban un despliegue visual más exuberante. Sin embargo, incluso dentro de esa contención formal, persisten los rasgos característicos de Argento: la violencia súbita, los encuadres subjetivos del asesino, la fascinación por el cuerpo en peligro.

La secuencia inicial, marcada por un eclipse y acompañada de mensajes premonitorios sobre el sol y la muerte, promete una dimensión casi simbólica que luego el film no termina de desarrollar. Ese contraste entre una apertura sugerente y un desarrollo más directo es una constante: Dark Glasses parece oscilar entre la alegoría y un simple slasher.

En su estructura más básica, la película puede verse como un slasher de manual: un asesino obsesivo, víctimas vulnerables, persecuciones, un enfrentamiento final inevitable. Algunos espectadores han señalado que el argumento resulta simple, incluso genérico, y que la motivación del asesino carece de profundidad. En efecto, el giro final no alcanza la contundencia de los mejores enigmas de Argento, y el misterio funciona más como excusa narrativa que como auténtico rompecabezas psicológico.

Pero reducirla a “un slasher sin más” sería ignorar su dimensión lúdica. Argento introduce elementos que rozan lo camp , ataques animales, huidas improbables, serpientes en un estanque, un perro lazarillo que se convierte en pieza clave del clímax , que conectan con el espíritu excesivo y casi infantil del giallo más desinhibido. Hay algo entrañable en esa falta de contención: el director no parece buscar respetabilidad, sino diversión.

La película muestra destellos del Argento más reconocible: una puesta en escena elegante en determinados momentos, composiciones visuales cuidadas y secuencias de tensión que remiten a su identidad estilística. La ceguera de la protagonista funciona como recurso narrativo y visual, reforzando la atmósfera y el planteamiento simbólico de la historia, en un intento de recuperar la esencia del thriller italiano clásico. Sin embargo, ciertas debilidades en el guion, diálogos poco pulidos y una construcción irregular del suspense impiden que el film alcance la contundencia de sus obras más celebradas, dejando la sensación de estar ante una obra interesante pero imperfecta.

Dark Glasses no es una obra maestra ni pretende serlo. Carece del impacto revolucionario de los títulos que definieron el giallo en los 70, y su factura técnica no alcanza la sofisticación de aquella etapa.  Es, más bien, una película irregular, a ratos torpe, a ratos deliciosamente excesiva, que confirma que Argento sigue fiel a sus obsesiones: la violencia como espectáculo estético, la vulnerabilidad femenina, la amenaza invisible que acecha desde las sombras.

Quizá no era la película que justificara diez años de espera. Pero hay algo reconfortante en ver a un cineasta octogenario regresar al terreno que ayudó a fundar, sin pedir permiso ni disculpas. En un panorama cada vez más homogéneo, Dark Glasses ofrece al menos eso: personalidad. Y en el universo de Dario Argento, incluso una obra menor conserva destellos de ese cine febril que convirtió el asesinato en coreografía y el miedo en un arte visual.

En conjunto, la percepción general puede resumirse como una mezcla de nostalgia, respeto y escepticismo: Dark Glasses es vista como un regreso digno, con momentos inspirados y una identidad autoral reconocible, aunque lejos del impacto y la innovación que definieron la etapa más influyente de Argento.

                                                  

Dark Glasses [Blu-ray] (2022) Occhiali Neri

Ilenia Pastorelli (Actor), Asia Argento (Actor), Dario Argento (Director) 

Diana, una joven que perdió la vista, encuentra a un guía en un joven niño chino llamado Chin. Juntos intentarán acabar con un peligroso asesino en serie a través de las zonas más oscuras de Italia.

Detalles del producto

Relación de aspecto ‏ : ‎ 2.35:1

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 18 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 12 x 10 x 2 cm; 100 g

Director ‏ : ‎ Dario Argento

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 18 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 4 febrero 2026

Actores ‏ : ‎ Andrea Gherpelli, Asia Argento, Ilenia Pastorelli, Maria Rosaria Russo, Mario Pirrello

Estudio ‏ : ‎ research

ASIN ‏ : ‎ B0GCNHN7D4

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