RESEÑA DEL BLU-RAY "ABRAHAM LINCOLN.CAZADOR DE VAMPIROS" DE DIVISA FILMS

 

RESEÑA DEL BLU-RAY "ABRAHAM LINCOLN.CAZADOR DE VAMPIROS" DE DIVISA FILMS

A partir de la década de 2000 comenzó a consolidarse un fenómeno literario y cinematográfico conocido como “historical mash-ups”, es decir, la mezcla de hechos históricos con elementos fantásticos o sobrenaturales. Este subgénero combina personajes históricos o eventos reales con tramas imaginativas que introducen zombis, vampiros, magia u otros elementos fantásticos. Su popularidad se disparó gracias a la novela “Orgullo y Prejuicio y Zombies” (Seth Grahame-Smith, 2009), que reinterpretaba un clásico de la literatura inglesa incorporando un contexto de horror sobrenatural, y continuó con títulos como “Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros” y la adaptación de “Jane Austen y los Vampiros”. Este tipo de obras capturó la atención de lectores y espectadores por su combinación de familiaridad histórica con acción y horror inesperado, creando un estilo único dentro de la literatura y el cine contemporáneo.

En este contexto surge “Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros”, adaptación de la novela gráfica de Seth Grahame-Smith publicada en 2010. La historia propone un Lincoln alternativo, en el que el presidente de los Estados Unidos lucha contra vampiros que amenazan con alterar el curso de la nación. La película, producida por Tim Burton y dirigida por Timur Bekmambetov, mantiene los tres elementos clave que hicieron famoso el libro: combina la acción con horror sobrenatural, sitúa la historia en un contexto histórico reconocible y ofrece una reinterpretación audaz de hechos y personajes reales.

El primer punto a destacar es el origen literario y gráfico: la película proviene de la novela y novela gráfica de Seth Grahame-Smith, que logró un éxito inmediato gracias a su originalidad y al tono irreverente que mezcla historia y ficción. La obra destacó por su capacidad para fusionar hechos históricos con elementos de fantasía y terror, presentando a un Lincoln que se convierte en héroe y cazador de vampiros, un concepto que llamó la atención de los lectores y despertó la curiosidad de los productores cinematográficos.

El segundo elemento es la adaptación cinematográfica, donde Bekmambetov emplea un estilo visual estilizado, con coreografías de combate y efectos especiales que representan las batallas de Lincoln contra los vampiros. La película traslada la acción intensa y el ritmo narrativo de la novela gráfica a la pantalla grande, con un tratamiento visual que mezcla el gore, la fantasía oscura y la acción heroica, manteniendo un tono épico y espectacular que diferencia la película de otros productos históricos o de terror convencionales.

El tercer aspecto es el contexto histórico y conceptual: la elección de Abraham Lincoln no solo se debe a su relevancia como figura histórica, sino que también funciona como metáfora del líder que enfrenta el mal para proteger su nación. La producción de Tim Burton aporta una visión estética característica, combinando elementos góticos y fantasiosos que acentúan la atmósfera de horror y acción. La película mezcla así la fidelidad histórica con la creatividad narrativa, creando un universo que permite tanto la identificación con eventos reales como la fascinación por la acción fantástica.

En cuanto a la recepción y relevancia cultural, Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros tuvo una acogida mixta: mientras algunos críticos cuestionaron la seriedad histórica de la propuesta, la película fue valorada por su inventiva, su estilo visual y su capacidad para entretener a un público amplio. Representa un ejemplo destacado de cómo los historical mash-ups permiten reinventar figuras históricas para nuevas generaciones, ofreciendo entretenimiento y una reinterpretación lúdica de la historia. Además, la película contribuyó a popularizar un subgénero que ha influido en posteriores producciones cinematográficas y literarias, demostrando que la mezcla de historia, acción y elementos sobrenaturales puede funcionar como un recurso narrativo eficaz y llamativo.

En conjunto, Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros se consolida como una obra ejemplar del fenómeno historical mash-ups, uniendo historia, fantasía y acción de manera audaz y visualmente impactante. Su propuesta original, la dirección de Bekmambetov y la producción de Tim Burton, junto con el trasfondo literario de Seth Grahame-Smith, hacen de la película una pieza destacable tanto para los aficionados al cine de terror y acción como para quienes buscan nuevas formas de reinterpretar la historia. Se trata, sin duda, de un producto que combina entretenimiento, estética y creatividad narrativa, dejando una marca visible dentro del cine contemporáneo de aventuras fantásticas y terror histórico.

Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros, dirigida por Timur Bekmambetov y producida por Tim Burton, es una propuesta cinematográfica audaz que combina historia, fantasía y acción de manera sorprendente. Desde su premisa absurda —convertir al presidente Lincoln en un cazador de vampiros que lucha contra la esclavitud— la película se atreve a jugar con la historia de forma creativa, ofreciendo un espectáculo visual que no se toma demasiado en serio, pero que resulta entretenido y original.

La cinta destaca por su ritmo constante y su acción espectacular. Escenas como Lincoln saltando sobre caballos en estampida o cruzando un tren por un puente en llamas son exageradas y fantásticas, pero tienen un efecto emocionante y memorable. Bekmambetov aplica su estilo distintivo de cámara y movimiento, que ya se vio en Wanted, para crear secuencias de combate dinámicas y visualmente impactantes.

El reparto refuerza la propuesta con actuaciones sólidas: Benjamin Walker logra un Lincoln convincente, alternando entre su lado humano y su faceta de vengador implacable; Dominic Cooper aporta profundidad a Henry Sturgess, su mentor en la caza de vampiros; Anthony Mackie como Will Johnson y Mary Elizabeth Winstead como Mary Todd Lincoln completan un elenco con química palpable. Incluso Rufus Sewell, como el villano Adam, consigue diversión en su papel gracias a su carisma y estilo exagerado.

Más allá de la acción, la película incorpora elementos de metáfora y reflexión. La vampirización de la esclavitud funciona como un recurso para visibilizar los horrores de la época, mientras que la lucha nocturna de Lincoln simboliza el compromiso moral y la valentía frente a la injusticia. Frases como “No me alejaría de lo correcto porque sea difícil” refuerzan el heroísmo del personaje y dotan de cierta carga ética a la fantasía.

A pesar de que el desarrollo de personajes secundarios y ciertos aspectos históricos quedan superficiales, la película compensa con creatividad, diversión y audacia visual. No pretende ser un drama histórico riguroso, sino un historical mash-up entretenido, donde el horror, la acción y la comedia conviven en un universo coherente y disfrutable.

En definitiva, Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros es un ejemplo de cómo la historia y la fantasía pueden mezclarse para ofrecer entretenimiento original y audaz. Con su acción espectacular, su humor implícito y un reparto sólido, es una película que merece ser vista por quienes disfrutan de ideas atrevidas y de la reinterpretación lúdica de los hechos históricos.

El Blu‑ray de Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros incluye un completo paquete de contenidos adicionales que enriquecen la experiencia de la película. Entre ellos destaca un comentario de audio con Seth Grahame‑Smith, autor del guion y de la novela original, donde comparte sus reflexiones sobre la adaptación y las decisiones narrativas. También se incluye un featurette sobre el estilo visual de Timur Bekmambetov, que analiza cómo el director combina acción, diseño y estética para dar vida a un mundo histórico alternativo lleno de escenas espectaculares. El documental “Secretos tenebrosos: de la novela a la pantalla” muestra el proceso creativo desde la obra literaria hasta el rodaje, con entrevistas y detalles de producción. Además, el Blu‑ray ofrece “Caza de vampiros: la coreografía de la lucha”, un recorrido por las escenas de combate y el entrenamiento con el icónico hacha de Lincoln; “Detrás de las cámaras: haciendo desaparecer a los vampiros”, centrado en los efectos especiales y la integración de los vampiros en la narrativa; y “El arte de la transformación: efectos de maquillaje”, que explica cómo se diseñaron las apariencias de los vampiros para reforzar el tono oscuro y fantástico del filme. En conjunto, estos extras permiten comprender mejor la visión del director, la adaptación de la novela y el trabajo técnico que hace única a esta historia de acción, terror y fantasía histórica.

                                       

Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros (Abraham Lincoln: Vampire Hunter) (2012) (Timur Bekmambetov) (Blu-ray)

Benjamin Walker (Actor), Mary Elizabeth Winstead (Actor), Timur Bekmambetov (Director) 

De los visionarios cineastas Tim Burton y Timur Bekmambetov (Wanted ) nos llega este visceral thriller basado en el best-seller de Seth Grahame-Smith.

Benjamin Walker se transforma y se mete en la piel de Abraham Lincoln, quien debe arriesgar la presidencia, su familia y su vida para proteger a América de los vampiros sedientos de sangre.

Guiadas por el diabólico Adam (Rufus Swell), las despiadadas criaturas planean crear su propia nación… ¡los EE.UU.! Inmerso en la lucha contra los horripilantes asesinos vampíricos, Lincoln debe apoyarse en los que le rodean. Pero no está claro en quién puede confiar en esta trepidante aventura llena de giros inesperados, acción sangrienta y espectaculares efectos especiales.

Extras: • El estilo visual de Timur Bekmambetov • Secretos Tenebrosos: De la novela a la pantalla • Caza de vampiros: La coreografía de la Lucha • Detrás de las cámaras: Haciendo desaparecer a los vampiros • El arte de la transformación: Efectos de Maquillaje • Comentario de Audio con el escritor Seth Grahame-Smith.

Imagen: 2,40:1

Duración: 105 minutos

Región del disco: Todas las Regiones (A, B, C)

Audios: Castellano 5.1 DTS, Inglés 7.1 DTS HD-MA, Inglés AD 5.1 Dolby Digital, Francés 5.1 DTS, IDIOMAS: Portugués 5.1 Dolby Digital, Ruso 5.1 DTS.

Subtítulos: Castellano, Inglés para sordos, Francés, Holandés, Finés, Noruego, Portugués, Ruso, Sueco, Árabe, Turco.

Detalles del producto

Relación de aspecto ‏ : ‎ 2.40:1

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 16 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17 x 13,5 x 1,2 cm; 65 g

Director ‏ : ‎ Timur Bekmambetov

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 45 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 21 enero 2026

Actores ‏ : ‎ Benjamin Walker, Dominic Cooper, Marton Csokas, Anthony Mackie, Alan Tudyk, Mary Elizabeth Winstead, Rufus Sewell

Subtítulos: ‏ : ‎ Castellano, Francés, Holandés, Inglés, Portugués

Idioma ‏ : ‎ Castellano (DTS 5.1), Francés (DTS 5.1), Inglés (DTS-HD Master Audio 7.1), Portugués (Dolby Digital 5.1), Ruso (DTS 5.1)

Estudio ‏ : ‎ Divisa HV - Disney

ASIN ‏ : ‎ B0G52TGLS4

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

Número de discos ‏ : ‎ 1

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RESEÑA DEL BLU-RAY "ALTA TENSIÓN" DE A CONTRACORRIENTE FILMS

 

RESEÑA DEL BLU-RAY "ALTA TENSIÓN" DE A CONTRACORRIENTE FILMS

Dentro del panorama del Nuevo extremismo francés (New French Extremity), pocas películas resultaban tan representativas como Alta Tensión, dirigida por Alexandre Aja. Aunque el título ya contó con una destacada edición en 2016 a cargo de Resen , que tambien incluía un buen número de contenidos adicionales, la nueva edición en Blu-ray de A Contracorriente Films supone una puesta al día definitiva, incorporando nuevos extras. Su recuperación no es menor: Alta Tensión fue una de las piezas clave en la consolidación del extremismo francés de comienzos de los 2000, redefiniendo el slasher europeo con una violencia descarnada, una atmósfera asfixiante y un giro final que sigue generando debate crítico.

Cuando Alta Tensión se estrenó en 2003, no solo supuso la consagración internacional de Alexandre Aja, sino que se convirtió inmediatamente en una de las obras fundamentales del llamado nuevo extremismo francés. Más que un simple ejercicio de terror, la película es una experiencia sensorial brutal, diseñada para llevar al espectador al límite de su resistencia emocional mediante una combinación magistral de tensión, violencia y atmósfera.

Uno de sus mayores logros reside en la forma en que Aja construye el suspense. Desde su aparentemente inocente premisa ,dos jóvenes que viajan a una casa rural aislada para estudiar,—, la película evoluciona rápidamente hacia una pesadilla sin escapatoria. El uso del espacio es fundamental: la casa, el bosque y la carretera se convierten en escenarios opresivos donde el peligro parece omnipresente. Aja demuestra un control absoluto del ritmo, alternando momentos de calma inquietante con estallidos súbitos de violencia que rompen cualquier sensación de seguridad. El resultado es una tensión sostenida que rara vez concede al espectador la oportunidad de relajarse.

Otro de los puntos fuertes es su enfoque visual y sonoro. La dirección apuesta por una puesta en escena física, tangible, donde cada golpe, cada respiración y cada movimiento tienen peso real. La fotografía acentúa los contrastes entre la oscuridad y la luz artificial, reforzando la sensación de vulnerabilidad constante. A ello se suma un diseño sonoro excepcional, que utiliza silencios prolongados y sonidos cotidianos (pasos, puertas, motores ) como herramientas de angustia. Esta precisión técnica convierte la película en una experiencia inmersiva, más cercana a una vivencia que a un simple relato.

La figura del antagonista es igualmente memorable. Lejos de los villanos estilizados del terror comercial estadounidense, aquí el horror adopta una forma cruda, física y profundamente perturbadora. Su presencia transmite una sensación de imprevisibilidad que intensifica el miedo, porque no responde a una lógica convencional ni a motivaciones claras. Este tratamiento conecta directamente con la filosofía del extremismo francés, donde el terror no es una fantasía escapista, sino una confrontación directa con la violencia y la fragilidad humana.

Sin embargo, lo que eleva definitivamente a Alta Tensión por encima de muchos de sus contemporáneos es su ambición narrativa. La película no se limita a ser un ejercicio de supervivencia, sino que introduce una dimensión psicológica que obliga al espectador a reconsiderar todo lo que ha visto. Su célebre giro final, tan discutido como influyente, transforma la experiencia en algo más complejo e inquietante, situando el horror no solo en el exterior, sino en la mente misma. Esta decisión narrativa refuerza el carácter perturbador del film y lo convierte en una obra que permanece en la memoria mucho después de su conclusión.

En conjunto, Alta Tensión es una recomendable y original obra clave del terror contemporáneo porque combina eficacia y ambición conceptual. Es una película que no busca agradar ni ofrecer consuelo, sino provocar una reacción física y emocional intensa. Su influencia puede rastrearse en buena parte del terror posterior, tanto europeo como internacional, y sigue siendo un ejemplo sobresaliente de cómo el género puede ser, al mismo tiempo, brutal, elegante y profundamente inquietante.

La apuesta de A Contracorriente Films durante los últimos años por el cine de terror francés contemporáneo del llamado del Nuevo extremismo francés no se limita a este título ni ha sido aislada. Se suma así al esfuerzo de otras editoras españolas que durante los últimos años han ido completando en formato doméstico el mapa esencial del movimiento. A continuación confeccionamos un resumen de los lanzamientos nacionales de este movimiento estrenados en nuestro pais:

El recorrido del New French Extremity en formato doméstico en España puede resumirse de la siguiente forma: Trouble Every Day (2001), dirigida por Claire Denis, contó con ediciones en DVD y Blu-ray en España a cargo de Vértigo; Maléfique (2002), de Eric Valette, fue editada en DVD en nuestro país por Versus en 2021; Alta Tensión (2003), de Alexandre Aja, tuvo edición en DVD/Blu-ray por Resen en 2016 ; Calvario (2004), de Fabrice Du Welz, fue editada en DVD por Stardis Pictures en 2004; Sheitan (2006), de Kim Chapiron, apareció en DVD en España en 2008 de la mano de Cameo; Al interior (2007), de Alexandre Bustillo y Julien Maury, ha contado con ediciones en Blu-ray en el mercado español (Gabita Barbieri / Research); Fronteras (2007), de Xavier Gens, fue editada recientemente en Blu-ray por A Contracorriente Films; Martyrs (2008), de Pascal Laugier, contó con ediciones en DVD y Blu-ray en España (Vértigo); Ghostland (2018), también de Pascal Laugier, fue editada en Blu-ray y DVD por A Contracorriente Films.

Este conjunto de títulos permite trazar una panorámica bastante completa del movimiento: desde el erotismo caníbal y existencial de Trouble Every Day hasta el nihilismo metafísico de Martyrs, pasando por la brutalidad rural de Fronteras o el asedio doméstico de Al interior. Con la nueva edición ampliada de Alta Tensión, el catálogo español refuerza una de las corrientes más radicales e influyentes del terror europeo contemporáneo, consolidando su presencia en el mercado físico con ediciones cada vez más cuidadas.

La edición de Alta Tensión ofrece un conjunto de más de cuatro horas de contenido adicional repartido en dos discos, pensado para ir más allá de la película en sí. Lejos de ser simples extras de compromiso, este material permite sumergirse en el proceso creativo de Alexandre Aja, descubrir los detalles del rodaje y comprender la película en el contexto del terror francés contemporáneo. A continuación, se detallan los contenidos de cada disco, que combinan análisis, entrevistas y documentación exclusiva para redescubrir Alta Tensión desde múltiples perspectivas.

DISCO 1 – Introducción al universo de Alta Tensión

En el primer disco se concentra el material más ligado al rodaje y a la promoción original de la película, destacando por su claridad y concisión:

Tráiler (1'52")

El tráiler conserva toda la fuerza del lanzamiento original, mostrando la intensidad física y la violencia del film sin suavizar ningún detalle. Es un anticipo perfecto de la experiencia que ofrece la película y permite apreciar desde el primer momento la intención de Alexandre Aja de subvertir los clichés del slasher tradicional.

Introducción de Rafik Djoumi (5'28")

Este extra contextualiza la película dentro del movimiento del nuevo extremismo francés, señalando su impacto en la crítica y su papel en el terror francés moderno. Ofrece claves para comprender la relevancia de Alta Tensión dentro de la evolución del género.

Cómo se hizo (38'02")

El making of repasa el rodaje, las decisiones creativas y la construcción de la atmósfera opresiva de la película. Incluye entrevistas con el director, los actores y el equipo técnico, mostrando cómo se genera el terror a través del ritmo narrativo, la tensión y los efectos prácticos, más allá de la violencia explícita.

Otros títulos (3 tráilers)

Material promocional adicional que permite situar Alta Tensión dentro de un contexto más amplio del terror contemporáneo francés y apreciar la diversidad de la corriente del extremismo francés.

DISCO 2 – Análisis y contexto profundo

El segundo disco concentra los contenidos más analíticos y retrospectivos, pensados para profundizar en la película y su contexto:

Documental «La nueva ola del terror francés» (39'13")

Presenta el surgimiento del nuevo extremismo francés, conectando Alta Tensión con otros títulos representativos del movimiento. Analiza su impacto cultural y estético y el papel fundamental de Alexandre Aja en la internacionalización de este tipo de cine de terror.

Revisando «Alta Tensión» (2h. 00'12")

Un análisis en profundidad que revisita la película desde múltiples ángulos: psicológico, narrativo y técnico. Permite apreciar la construcción de la tensión, la puesta en escena de la violencia y el giro final, que transforma la percepción de toda la historia. Es un extra de gran valor tanto para aficionados como para quienes estudian el cine de terror.

Entrevistas (41'36")

Bloque de entrevistas con el director, actores y técnicos, mostrando las intenciones detrás de escenas concretas y los retos del rodaje, aportando un contexto humano que enriquece la experiencia de visionado.

                                                    

Alta tensión Blu-ray

Cécile De France (Actor), Alexandre Aja (Director) 

Marie y Alex, dos estudiantes y amigas inseparables, se preparan para sus exámenes en la casa de campo de los padres de Alex. Pero en mitad de la noche, un extraño llama a la puerta para masacrar uno por uno a los miembros de la familia. Es el comienzo de una huida infernal para Marie y de un duelo trepidante entre ella y el implacable asesino.

Detalles del producto

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 18 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17,3 x 13,8 x 1,7 cm; 130 g

Director ‏ : ‎ Alexandre Aja

Formato multimedia ‏ : ‎ Adulto, Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 5 horas y 41 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 16 diciembre 2025

Actores ‏ : ‎ Cécile De France

Subtitulado: ‏ : ‎ Castellano

Estudio ‏ : ‎ A Contracorriente Films, S.L.

ASIN ‏ : ‎ B0FZD9MPC7

País de origen ‏ : ‎ Francia

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Bugonia DVD

 

Bugonia DVD

Emma Stone (Actor), Jesse Plemons (Actor) 

Un thriller psicológico tan retorcido como brillante, la película sigue a dos jóvenes conspiranoicos que secuestran a la poderosa presidenta de una gran compañía, convencidos de que en realidad es una extraterrestre decidida a destruir la Tierra. Lo que empieza como un acto de paranoia se transforma en una guerra de delirios, poder y manipulación, tan imprevisible como inquietante.

                                                      

Detalles del producto

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 19 x 13 x 1,5 cm; 71 g

Director ‏ : ‎ Yorgos Lanthimos

Formato multimedia ‏ : ‎ Adulto, DVD

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 53 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 25 febrero 2026

Actores ‏ : ‎ Emma Stone, Jesse Plemons, Yorgos Lanthimos

Idioma ‏ : ‎ Castellano (Dolby Digital 5.1), Inglés (Dolby Digital 5.1)

Estudio ‏ : ‎ ARVI

ASIN ‏ : ‎ B0GKPVQL35

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

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El Niño de Barro [Blu-ray] (2007)

 

El Niño de Barro [Blu-ray] (2007)

Maribel Verdú (Actor), Daniel Freire (Actor), Jorge Algora (Director) 

En 1912, en Buenos Aires, una serie de niños son asesinados de manera brutal. Mateo, un niño de diez años, oculta que en sus pesadillas es testigo de los crímenes, pero, cuando la policía lo descubre, se convierte en el principal sospechoso.

                                            

Detalles del producto

Relación de aspecto ‏ : ‎ 1.85:1

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 18 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 12 x 10 x 2 cm; 100 g

Director ‏ : ‎ Jorge Algora

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 44 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 4 febrero 2026

Actores ‏ : ‎ Chete Lera, César Bordón, Daniel Freire, Juan Ciancio, Maribel Verdú

Estudio ‏ : ‎ research

ASIN ‏ : ‎ B0GCNH5X8R

País de origen ‏ : ‎ España

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RESEÑA DE LA SERIE “¿ES USTED EL ASESINO?” (1967) DE NARCISO IBÁÑEZ MENTA DE RESEARCH ENTERTAINMENT

RESEÑA DE LA SERIE “¿ES USTED EL ASESINO?” (1967) DE NARCISO IBÁÑEZ MENTA  DE RESEARCH ENTERTAINMENT

En la plataforma rtve play, el fondo de series de terror y suspense mantiene una colección imprescindible para los aficionados al género. Colecciones como “Series de Terror” reúnen ficciones clásicas y de archivo, incluyendo títulos legendarios como Historias del Otro Lado, Crónicas del Mal  y Crónicas Fantásticas. Muchas de estas producciones, que ya tuvieron alguna salida en DVD o están descatalogadas, han sido rescatadas para su disfrute en formato digital, pero el coleccionista y el aficionado al cine fantástico sigue valorando el soporte físico, dado su carácter permanente y su calidad de archivo. Dentro de este contexto, la serie ¿Es Usted el Asesino? de Narciso Ibáñez Menta aunque ya fue editada en DVD por Vellavisión en 2008 , actualmente se encuentra descatalogada y ahora reaparece en Enero bajo el sello de Resen, consolidándose como una pieza fundamental, no solo por su calidad narrativa, sino también por su relevancia histórica en el cine de terror y suspense español.

La serie serie ¿Es Usted el Asesino?, producida en 1967 y dirigida por Narciso Ibáñez Menta, con la colaboración de Manuel Ripoll en los nueve episodios, adapta la novela de Fernand Crommelynck, “Monsieur Larose est-il l’assassin?”, con adaptación de León Cotanda. La ficción presenta a Narciso Ibáñez Menta en el papel de Mr. Barós, protagonista central, al frente de una investigación criminal que desarrolla el hilo narrativo de los nueve episodios. La dirección muestra el carácter del terror clásico, combinando elementos de misterio, suspense psicológico y un clima de tensión que aúna el estilo teatral del director con la técnica televisiva de la época.

El cartel técnico y el elenco son relevantes por su magnitud y variedad. Junto a Ibáñez Menta, se destacan María Jesús Lara (Luisa), Lorenzo Ramírez (Inspector Romero), Alberto Berco, Serafín García Vázquez, Marga de los Llanos y José María Caffarel, entre muchos otros. La serie cuenta con un total de más de 60 actores participando en uno o varios episodios, incluyendo figuras consolidadas como Lola Herrera, Juan Diego, Concha Cuetos, Agustín González y Mónica Randall, lo que refleja el nivel profesional y el respaldo artístico detrás del proyecto. El resultado es una serie de suspense de alto nivel, que mantiene el interés del espectador episodio a episodio, con una dinámica de investigación que aúna inteligencia, tensión y el carisma innegable de su protagonista.

A pesar de estar disponible en formato digital en rtve play, esta serie sigue siendo altamente recomendable para coleccionistas y aficionados del género, quienes prefieren el soporte físico por su valor de archivo y posibilidad de revisiones detalladas. El formato físico permite conservar la calidad original de imagen y sonido en formato físico.

En este sentido, sería altamente plausible que iniciativas como Resen continuaran editando series clásicas de terror y suspense de rtve, como Historias del Otro Lado, Crónicas del Mal  o menos conocidas como Crónicas Fantásticas, permitiendo que nuevas generaciones descubran estas producciones y que los nostálgicos puedan revisitarlas con calidad física, más allá del streaming. ¿Es Usted el Asesino? se presenta, por tanto, como un ejemplo de la importancia de preservar y revalorizar el archivo televisivo del terror clásico, fusionando calidad narrativa, valor histórico y un plantel técnico de primer nivel.Uno de los mayores aciertos de la serie es la dirección de Narciso Ibáñez Menta, que combina su experiencia teatral con el lenguaje televisivo, logrando un suspense constante y un clima inquietante que se mantiene a lo largo de los nueve episodios. Su estilo aporta una tensión psicológica sólida, en la que el misterio y la investigación se desarrollan con ritmo, permitiendo que el espectador se sumerja en cada caso sin perder el hilo de la historia.

El guion, adaptado por León Cotanda a partir de la novela de Fernand Crommelynck, destaca por su capacidad para trasladar el misterio literario al medio televisivo. Las tramas presentan giros inesperados, pistas sutiles y personajes ambiguos, lo que crea un juego de intriga inteligente que desafía al espectador a anticipar al asesino sin perder la sorpresa.

El plantel de actores es otro de los grandes valores. Narciso Ibáñez Menta aporta un carisma innegable y autoridad escénica como Mr. Barós, mientras que secundarios como María Jesús Lara, Lorenzo Ramírez y Josefina Serratosa refuerzan la credibilidad de la historia. La participación de figuras consolidadas como Lola Herrera, Juan Diego, Agustín González o Mónica Randall aporta un nivel interpretativo notable, demostrando la calidad actoral de la serie.

La variedad y riqueza del elenco de soporte permite que cada episodio se sienta fresco, con personajes secundarios que aportan color, tensión o humor según la necesidad de la trama. Este aspecto refuerza la sensación de un universo televisivo completo y coherente, donde cada pieza contribuye al desarrollo del misterio y del suspense.

Otro punto positivo es la ambientación y puesta en escena, que, a pesar de las limitaciones técnicas de la época, logra transmitir atmósferas opresivas y misteriosas mediante iluminación, encuadres y decorados sencillos pero eficaces. Esto convierte la serie en un referente de televisión de terror y suspense de calidad, que hoy sigue siendo disfrutada por su capacidad de generar intriga sin recurrir a efectos especiales excesivos.

Por último, la serie tiene un valor histórico y de archivo, al formar parte del legado televisivo español de los años sesenta. Su preservación y disponibilidad en plataformas digitales, y eventualmente en formato físico, permite a las nuevas generaciones y a los nostálgicos apreciar el desarrollo del género de suspense y terror en la televisión clásica, reconociendo la influencia de Ibáñez Menta y su estilo inconfundible en posteriores producciones de misterio y terror.

En síntesis, ¿Es usted el asesino? se erige como una obra fundamental dentro del suspense y el terror en la televisión española. Su narrativa sólida, el manejo del misterio y la habilidad para generar tensión pese a los recursos limitados de la época la convierten en un referente del género. La serie no solo captó la atención del público en su emisión original, sino que ha perdurado como un clásico valorado por nostálgicos y por quienes estudian la historia televisiva, consolidando el legado de Narciso Ibáñez Menta y la importancia de estas producciones en el desarrollo del suspense en pantalla.

                                                    

¿Es Usted El Asesino? (3 discos, serie TVE) [DVD] (1967) ¿Es usted el asesino?

Narciso Ibáñez Menta (Actor, Director), José María Caffarel (Actor), Manuel Ripoll (Director)

Serie de TV (9 episodios). La trama se desarrolla a partir de las investigaciones del Señor Baros para averiguar quién ha sido el asesino de un rico banquero. Mientras, se cometen otros crímenes, y cualquiera puede ser el asesino, o la víctima.

Detalles del producto

Relación de aspecto ‏ : ‎ 1.33:1

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 12 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 12 x 10 x 2 cm; 120 g

Director ‏ : ‎ Manuel Ripoll, Narciso Ibáñez Menta

Formato multimedia ‏ : ‎ DVD

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 50 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 7 enero 2026

Actores ‏ : ‎ Estanis González, Héctor Quiroga, José María Caffarel, Lorenzo Ramírez, Narciso Ibáñez Menta

Estudio ‏ : ‎ research

ASIN ‏ : ‎ B0G4D94Y1F

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RESEÑA DEL BLU-RAY "JUEGOS PERVERSOS (BRAID) DE RESEARCH ENTERTAINMENT

RESEÑA DEL BLU-RAY "JUEGOS PERVERSOS (BRAID) DE RESEARCH ENTERTAINMENT

Braid (Juegos perversos, 2018) es una propuesta de terror psicológico profundamente autoral que se mueve entre el thriller, la fantasía oscura y el horror existencial, confirmando el debut de Mitzi Peirone como una de las voces más personales del cine de género independiente reciente. Lejos de los códigos convencionales del terror comercial, la película plantea una inquietante reflexión sobre la identidad, la percepción de la realidad y el poder , y el peligro,  de vivir atrapados en los mundos que inventamos para sobrevivir.

La historia sigue a Petula y Tilda, dos amigas que huyen desesperadamente tras un fallido golpe relacionado con el narcotráfico. Con una deuda imposible de saldar y la policía pisándoles los talones, buscan refugio en la aislada mansión de Daphne, una antigua amiga de la infancia que vive recluida en un universo propio, detenido en el tiempo. Lo que comienza como una típica premisa de “home invasion” pronto muta en algo mucho más perturbador: un juego de roles enfermizo donde Daphne impone una ficción doméstica , madre, hija y médico,  que las tres deben interpretar para acceder a la caja fuerte de la casa. A partir de ahí, la película se transforma en un descenso a un laberinto mental donde realidad, fantasía, infancia y trauma se entrelazan hasta volverse indistinguibles.

En Braid, la casa no funciona como un simple escenario, sino como una arquitectura mental: un refugio construido a base de miedo, trauma y repetición. No es una prisión impuesta desde fuera, sino un espacio elegido, levantado ladrillo a ladrillo por la necesidad de seguridad emocional. La película sugiere que muchas de las trampas que nos inmovilizan , trabajos que odiamos, relaciones tóxicas, vidas que no nos representan,  no existen tanto en el mundo material como en nuestra forma de percibirlo. El encierro, en este sentido, no es físico: es psicológico.

Uno de los gestos más inquietantes del film es su negativa a establecer una frontera clara entre sueño y realidad. Braid opera desde la lógica de la memoria, no desde la del hecho objetivo: recuerdos, fantasías y experiencias reales se almacenan en el mismo espacio emocional y, por tanto, tienen el mismo peso. La película juega con esa inestabilidad de la percepción para recordarnos que la realidad no es un bloque sólido, sino una construcción filtrada por nuestros sentidos, nuestras heridas y nuestra imaginación. No se trata de preguntarse qué es real, sino por qué necesitamos creer que algo lo es más que otra cosa.

El título Braid (trenza) funciona como una potente metáfora: tres mujeres, tres personalidades fracturadas, tres maneras de enfrentar el miedo y el deseo de seguridad. La película se articula como una especie de cuento de hadas retorcido, una Alicia en el País de las Maravillas psicótica y violenta, donde la casa se convierte en un escenario teatral y las protagonistas en actrices de una obra que nunca termina. La directora Mitzi Peirone bebe abiertamente de la tragedia griega, del mito, del existencialismo y de la filosofía , desde Platón y la caverna hasta el budismo y la idea de que la realidad se construye a partir del pensamiento,  para construir un relato circular, sin redención clara, donde el viaje del héroe no se cierra, sino que se repite como un bucle enfermizo.

La imaginación aparece así como una fuerza ambigua: capaz de salvar, pero también de condenar. Es el motor que permite reinventarse, pero también el mecanismo que justifica la inercia y el autoengaño. Las protagonistas no buscan dinero ni poder; buscan protección frente a la incertidumbre del mundo exterior. Permanecer en el juego, incluso cuando es cruel y violento, resulta menos aterrador que enfrentarse a la posibilidad de fracasar, de no ser excepcionales, de no saber quiénes son fuera de esa ficción compartida.

Por eso la violencia de Braid nunca es plenamente realista: es ritual, teatral, casi infantil. Como en un juego que se ha prolongado demasiado, las consecuencias parecen graves pero nunca definitivas. Incluso la muerte pierde su carácter de cierre y se convierte en reinicio. La película no ofrece una salida clara porque su verdadera pregunta no es cómo escapar, sino si realmente queremos hacerlo. Y en esa ambigüedad incómoda , entre la lucidez y el autoengaño,  reside gran parte de su poder perturbador.

La puesta en escena de Braid abraza sin pudor el exceso: lo dramático, lo barroco y lo decadente se convierten en una extensión natural del mundo interior de sus protagonistas. La cámara no observa desde fuera, sino que parece perderse junto a ellas dentro del juego, contaminada por su imaginación y sus reglas cambiantes. Cada encuadre, cada color saturado y cada gesto exagerado responde más a un estado emocional que a una lógica realista, como si la película misma aceptara ser absorbida por ese universo mental sin buscar una salida racional.

Las influencias son claras pero nunca miméticas. Hay ecos de Kubrick , La naranja mecánica y El resplandor,  en el uso de la simetría, la perspectiva frontal y la sensación de espacios cerrados que se repliegan sobre sí mismos. También resuenan Funny Games en su crueldad lúdica. Más que citas directas, Braid funciona como un cruce de sensibilidades: cine europeo, psicodrama y terror existencial fundidos en una experiencia sensorial.

Uno de los aspectos más singulares del film es su mirada profundamente femenina, no entendida como un manifiesto explícito, sino como una forma distinta de construir personajes y conflicto. Las protagonistas existen al margen de cualquier eje masculino tradicional: no son objetos de deseo, ni intereses románticos, ni extensiones narrativas de un hombre. Son individuos completos, egoístas, violentos y contradictorios, consumidos por sus propios impulsos. Incluso las figuras masculinas quedan relegadas a roles secundarios, simbólicos o directamente imaginarios, reforzando la idea de que el verdadero conflicto nace y muere dentro de ellas mismas.

En este sentido, Braid se alinea con una corriente de cine de género contemporáneo dirigido por mujeres que desmonta el tópico de que el horror es un territorio masculino. Lejos de eso, la película demuestra cómo el terror puede surgir de la empatía extrema, de la imaginación desbordada y de la experiencia cotidiana del miedo. El resultado es una obra que no busca comodidad ni claridad, sino inmersión total: un descenso hipnótico a un espacio donde juego, trauma y fantasía se entrelazan hasta volverse indistinguibles.

Narrativamente, la película no busca comodidad ni explicaciones claras. Braid es deliberadamente ambigua, incómoda y exigente. Sus personajes no son heroínas tradicionales: son egoístas, vulnerables, violentas y contradictorias, atrapadas entre el deseo de libertad y el miedo a enfrentarse al mundo real. El dinero que buscan no es solo material, sino una excusa para no crecer, para permanecer encerradas en una fantasía infantil que, como advierte la película, puede ser tan protectora como destructiva. Peirone plantea así una tesis inquietante: los sueños pueden salvarnos, pero también pueden matarnos si nos negamos a actuar.

Uno de los grandes logros de Braid es su apartado visual, tan deslumbrante como desestabilizador. La directora, junto al director de fotografía Todd Van Huls, construye una puesta en escena barroca, excesiva y altamente simbólica, inspirada tanto en Caravaggio como en el cine psicodélico. El uso expresivo del color, el blanco y negro, los espejos y los encuadres fragmentados refuerza la sensación de identidades rotas y realidades superpuestas. La cámara se mueve con nervio, la edición es agresiva y la música electrónica subraya el estado mental alterado de las protagonistas, haciendo que el espectador experimente la historia más con el cuerpo que con la lógica.

La formación teatral de Mitzi Peirone marca de forma decisiva su manera de dirigir. Acostumbrada a pensar desde el punto de vista del intérprete, concibe el rodaje como un espacio de colaboración consciente donde las actrices no son meros instrumentos, sino participantes activas del lenguaje cinematográfico. En Braid, esta filosofía se traduce en interpretaciones extremadamente físicas y moduladas, donde la conciencia del encuadre, el movimiento de cámara y la puesta en escena influyen directamente en la expresión corporal y emocional de los personajes. Lejos de ocultar el artificio, Peirone lo integra en la actuación, reforzando así la naturaleza teatral y performativa del relato.

Otro aspecto fundamental en la construcción de Braid es su complejo proceso de montaje, concebido como una experiencia sensorial fragmentada y agotadora, casi tan intensa como el propio rodaje. Peirone explica que la película podía haberse reordenado de múltiples maneras debido a su juego constante con el tiempo y la percepción: el relato podría haber comenzado o terminado en distintos puntos sin perder coherencia interna. Sin embargo, fue en la sala de edición donde la montadora Maya encontró el equilibrio definitivo, apostando por un ritmo deliberadamente caótico, casi esquizofrénico, que avanza “latido a latido” y refuerza el estado mental alterado de los personajes. El resultado final, lejos de ser accidental, responde exactamente a la visión original de la directora, algo poco habitual , y especialmente significativo,  tratándose de una ópera prima.

La película rehúye deliberadamente una experiencia pasiva del espectador. Su estructura fragmentada, circular y ambigua obliga a una implicación constante, planteando la narración como un enigma que no se resuelve del todo, sino que se reconfigura con cada visionado. Braid funciona como un acertijo visual y emocional que invita a volver al inicio una vez alcanzado el final, no para obtener respuestas cerradas, sino para detectar pistas, ecos y resonancias que cobran nuevos significados. Esta voluntad de incomodidad conecta el film con la tradición de la tragedia clásica, entendida como un proceso de catarsis más que como simple entretenimiento.

Peirone concibe el cine como un territorio cercano al sueño, no solo por su lógica interna, sino por su capacidad de ser revisitado. A diferencia del sueño nocturno, la película permite regresar a ese estado alterado una y otra vez, aunque nunca de la misma forma. Braid se articula así como una experiencia onírica consciente, donde el espectador lucha por imponer una lógica racional a un universo que se rige por emociones, traumas y deseos reprimidos. La fricción entre lo que se ve y lo que se intenta comprender forma parte esencial de su propuesta.

Los personajes femeninos que habitan este universo se sitúan en una zona moral ambigua, excesiva y provocadora. Son figuras dominadas por el deseo, la fantasía y una necesidad desesperada de control, capaces de cometer actos extremos sin medir consecuencias. Peirone los construye como villanos carismáticos, tan peligrosos como seductores, cuya intensidad vital resulta contagiosa. Esa “borrachera de vida” , decadente, barroca y destructiva,  permite al espectador experimentar, de forma vicaria, impulsos que normalmente permanecen reprimidos.

En el fondo, Braid plantea una revisión radical del viaje del héroe. No hay aprendizaje definitivo ni regreso triunfal, sino un descenso continuo a un bucle psicológico del que resulta casi imposible escapar. Los problemas no se superan: se repiten, se deforman y se filtran en la realidad cotidiana, igual que los sueños contaminan la vigilia. Esta estructura en espiral conecta la ficción con una experiencia vital reconocible, donde el crecimiento personal no es lineal ni concluyente, sino frágil y reincidente.

En ese sentido, Braid funciona menos como una película de terror al uso y más como un manifiesto filosófico disfrazado de pesadilla, donde cada elemento , vestuario, decorados, interpretaciones exageradas, violencia estilizada,  responde a una lógica simbólica. No es un film para todos los públicos ni para quien busque respuestas claras o sustos fáciles, pero sí una experiencia poderosa para el espectador dispuesto a dejarse arrastrar por su lógica onírica y perturbadora.

Finalmente, el propio proceso creativo de Braid refuerza su discurso. Concebida como un acto de supervivencia personal y realizada al margen de los circuitos tradicionales de financiación, la película nace de una necesidad urgente de imaginar otros mundos posibles. Peirone entiende el cine como un acto de fe y exploración, una travesía hacia lo desconocido que solo cobra sentido cuando otros deciden compartir esa visión. Más que un producto cerrado, Braid se ofrece como un espacio de encuentro: para quienes se reconocen en su caos, su extrañeza y su voluntad de mirar de frente las zonas más oscuras , y humanas,  de la mente.

Mirando más allá de Braid, Peirone ha manifestado un claro interés por seguir explorando relatos de encierro, control y colapso psicológico, esta vez desde la ciencia ficción. Su próximo proyecto, Terms, se sitúa en un futuro donde la tecnología ha sido implantada directamente en el cerebro humano para regular emociones, impulsos y estados químicos, creando una sociedad aparentemente perfecta y estable. Cuando este sistema falla de forma catastrófica, la historia se concentra , una vez más,  en un pequeño grupo de supervivientes atrapados en un espacio cerrado, obligados a enfrentarse a una verdad incómoda sobre el precio de la armonía artificial. La cineasta vuelve así a insistir en sus grandes obsesiones: la identidad, la ilusión de control y la pregunta esencial que atraviesa toda su obra, qué queda de la humanidad cuando la realidad, las emociones y los sueños pueden ser manipulados o editados como una imagen digital.

Dentro de la nueva colección de cine fantástico y de acción en Blu-ray impulsada por YouPlanet y Research Entertainment, Braid (Juegos perversos) destaca como una apuesta arriesgada, autoral y coherente con una línea editorial que busca títulos distintos, incómodos y con personalidad propia. Una ópera prima valiente, excesiva y profundamente personal, que confirma que el terror contemporáneo sigue siendo un terreno fértil para explorar las zonas más oscuras de la mente humana. 

                                          

Juegos Perversos [Blu-ray] (2018) Braid

Madeline Brewer (Actor), Scott Cohen (Actor), Mitzi Peirone (Director) 

Dos mujeres que huyen de la ley deciden robar a una adinerada y psicótica amiga, una mujer que parece seguir inmersa en el mundo de fantasía que ellas crearon cuando eran jóvenes. Sin embargo, cuando ésta se da cuenta de lo que tratan sus amigas, decide someterlas a una prueba: les dará el dinero si participan en un juego mortal que lleva años ideando.

Detalles del producto

Relación de aspecto ‏ : ‎ 2.35:1

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 16 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 12 x 10 x 2 cm; 120 g

Director ‏ : ‎ Mitzi Peirone

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 22 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 7 enero 2026

Actores ‏ : ‎ Brad Calcaterra, Imogen Waterhouse, Madeline Brewer, Sarah Hay, Scott Cohen

Estudio ‏ : ‎ research

ASIN ‏ : ‎ B0G4D4XDDP

País de origen ‏ : ‎ España

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Sisu: camino a la venganza DVD

 

Sisu: camino a la venganza DVD

Jorma Tommila (Actor), Richard Brake (Actor), Jalmari Helander (Director) 

Sisu: Camino a la venganza es una película de acción trepidante, secuela de la inesperada y exitosa Sisu. Al regresar a la casa donde su familia fue brutalmente asesinada durante la guerra, el hombre que se niega a morir la desmantela, la carga en un camión y se propone reconstruirla en un lugar seguro en honor a ellos. Cuando el comandante del Ejército Rojo que mató a su familia regresa empeñado en terminar el trabajo, se produce una implacable y espectacular persecución a través del país, una lucha a muerte llena de escenas de acción increíbles e ingeniosas.

                                                   

Detalles del producto

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 19 x 13 x 1,5 cm; 71 g

Director ‏ : ‎ Jalmari Helander

Formato multimedia ‏ : ‎ Adulto, DVD

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 25 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 25 febrero 2026

Actores ‏ : ‎ Jorma Tommila, Richard Brake, Stephen Lang

Idioma ‏ : ‎ Castellano (Dolby Digital 5.1), Inglés (Dolby Digital 5.1)

Estudio ‏ : ‎ ARVI

ASIN ‏ : ‎ B0GKPW6Y2K

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

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Black phone 2 Blu-ray

 

Black phone 2 Blu-ray

Ethan Hawke (Actor), Mason Thames (Actor), Scott Derrickson (Director) 

El verdadero mal trasciende la muerte, y el teléfono negro vuelve a sonar cuando El Captor atormenta a Finn, el adolescente que le asesinó, y busca venganza desde más allá de la tumba, amenazando a su hermana Gwen. Acechados por terroríficas visiones, los jóvenes intentan detener su tortura psicológica solo para descubrir un perturbador secreto al enfrentarse a este asesino que se ha vuelto aún más poderoso tras su muerte.

                                            

Detalles del producto

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17 x 13,5 x 1 cm; 66 g

Director ‏ : ‎ Scott Derrickson

Formato multimedia ‏ : ‎ Adulto, Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 53 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 25 febrero 2026

Actores ‏ : ‎ Ethan Hawke, Madeleine McGraw, Mason Thames

Idioma ‏ : ‎ Castellano (Dolby Digital Plus 7.1), Inglés (Dolby Atmos)

Estudio ‏ : ‎ ARVI

ASIN ‏ : ‎ B0GKQ82KTC

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

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LANZAMIENTOS DE SETANTA-NOU PARA FEBRERO 2026

 

LANZAMIENTOS DE SETANTA-NOU PARA FEBRERO 2026

(A LA VENTA APROXIMADAMENTE EL 25 DE FEBRERO)

FUTURE SPORT (DVD) En la línea de “Rollerball” de Norman Jewison pero de trama mucho más simplista (sustituye la geopolítica por los mamporros en patines), este telefilm dirigido por Ernest R, Dickerson (cuya película más conocida es la magnífica continuación de la serie “Historias de la Cripta”: “Caballero del Diablo”) es un divertidísimo producto genuinamente noventero.

EL BESAMANOS (DVD) A medio camino entre el más puro poliziesco (repleto de violencia, prostitutas y muerte) y la típica película de mafiosos (claramente influenciada por “El Padrino” de Francis Ford Coppola) este largometraje destaca por el duelo interpretativo entre sus dos superestrellas: Arthur Kennedy (“Lawrence de Arabia”, “Murieron con las botas puestas”) y John Saxon (“Pesadilla en Elm Street”, “Operación Dragón”).

DESTRUCCIÓN TOTAL (DVD) Comercializada en Europa como secuela de “Robot Jox” de Stuart Gordon, aunque poco tiene que ver con ella salvo por compartir robot gigante en el póster, esta película dirigida por el propio Charles Band adapta (o directamente roba) a obras maestras de la ciencia ficción como “La Cosa” de John Carpenter, “Terminator” de James Cameron o incluso a “Blade Runner” de Ridley Scott, en una loquísima trama made in Full Moon repleta de conspiraciones dignas de la Weyland-Yutani ¡La “Factoría Band” nunca defrauda!

FRANKESTEIN REBORN! (DVD) Esta producción de Charles Band rodada en Rumanía es una auténtica rareza inédita en España. De ajustadísimo metraje y con un monstruo de Frankenstein con greñas (y ávido de lectura) esta película coquetea peligrosamente con la comedia involuntaria, permitiéndose incluso cierto subtexto gay típico de DeCoteau, Toda esta extraña mezcla la convierte en una de las adaptaciones más locas y, muy probablemente, innecesarias de la famosa novela… ¡No te la pierdas!

Muy pronto más lanzamientos: el retorno del horror italiano y más sorpresas.

Os recordamos que esta colección es de venta exclusiva en El Setanta-Nou, sólo en DVD, a 6.99 € y limitada a 300 unidades. Y no os perdáis la locura de extras que acompañan a cada película: ¡en VHSVISION y 100% festivaleros!

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