RESEÑA DEL BLU-RAY "ANACONDA" DE ARVI LICENSING

 

RESEÑA DEL BLU-RAY "ANACONDA" DE ARVI LICENSING

Anaconda 2025 llega como un reboot inesperadamente divertido de la longeva saga de serpientes gigantes de Sony, una franquicia que, tras múltiples secuelas y variaciones, parecía haber agotado su fórmula. Lejos de repetir esquemas, esta nueva entrega apuesta con acierto por el   humor, la autoconsciencia y el juego metacinematográfico  , convirtiendo la experiencia en un entretenimiento ligero y muy consciente de su propio legado.

La película está encabezada por   Jack Black   y   Paul Rudd   , cuya química resulta fundamental para sostener el tono desenfadado del conjunto. A su alrededor se articula un reparto sólido en el que destacan   Steve Zahn  ,   Kenny Trent   y   Thandiwe Newton   aportando variedad de registros y reforzando el carácter coral de la propuesta. Todos ellos se mueven cómodamente entre la aventura, la parodia y el guiño constante al espectador.

El reparto secundario asume con inteligencia los arquetipos clásicos del cine de monstruos, exagerándolos de forma consciente y sumándose al espíritu lúdico del film. A esto se añaden   cameos de lujo  , pensados claramente como regalo para los fans de la saga y del cine de género, que subrayan el tono festivo y celebratorio del reboot.

Uno de los grandes aciertos de  Anaconda 2025  es precisamente su   tono humorístico  , una decisión clave teniendo en cuenta el desgaste de la fórmula tras las anteriores entregas. La película entiende que un enfoque serio difícilmente habría funcionado hoy, y opta por una revisión que convierte la amenaza de la anaconda en espectáculo autoconsciente y diversión pura.

El filme rinde además un   claro homenaje a la  Anaconda  original de 1997  , protagonizada por Jennifer Lopez e Ice Cube, recuperando guiños visuales, referencias narrativas y el espíritu de aventura selvática que convirtió aquella primera entrega en un título de culto. Tras las secuelas cinematográficas, las producciones televisivas y el crossover Mandíbulas contra Anacondas (Lake Placid vs. Anaconda) , este reboot demuestra que la franquicia aún podía reinventarse con éxito.

Uno de los elementos más interesantes de Anaconda 2025 es su enfoque metacinematográfico. La película incorpora de forma explícita la idea de realizar una nueva versión de Anaconda dentro de su propio relato, articulando un juego de cine dentro del cine que refuerza su tono autoconsciente. Este recurso no solo funciona como comentario irónico sobre la propia saga y su desgaste a lo largo de los años, sino que permite a la película dialogar con su pasado, reírse de sí misma y conectar con el espectador desde la complicidad. Gracias a este planteamiento meta, el humor se convierte en una herramienta narrativa clave y justifica plenamente la revisión del material original, algo que difícilmente habría funcionado con un enfoque más serio o convencional.

En definitiva,  Anaconda 2025  es una   sorpresa muy agradable  : una película que quizá promete poco de entrada, pero que acaba ofreciendo   diversión, humor bien calibrado y respeto por la saga . El lanzamiento en distintos formatos de la mano de   Arvi Licensing   se presenta como una excelente oportunidad para disfrutar de este nuevo enfoque y completar la colección de una de las franquicias más emblemáticas del cine de criaturas gigantes.

El contenido extra del Blu-ray de la edición distribuida en España por ARVI Licensing es el siguiente:  

El extra llamado “Tomas falsas” es un montaje de momentos fallidos del rodaje, especialmente centrado en el tono cómico que tiene esta nueva versión de la película. Incluye errores de diálogo de los protagonistas, escenas en las que los actores se ríen mientras intentan repetir tomas en la selva, improvisaciones que no se utilizaron en el montaje final y fallos durante escenas de acción con la serpiente digital. No es un documental como tal, sino un material corto pensado para el humor, típico en las ediciones modernas de Sony, donde se ve el ambiente relajado del rodaje y cómo los actores jugaban con el tono paródico de la película.

El contenido titulado “Escenas eliminadas y extendidas”  reúne material que sí se rodó pero que finalmente no entró en la película o que se acortó. Normalmente incluye pequeñas escenas de presentación de los personajes, versiones más largas de conversaciones entre los protagonistas antes de entrar en la selva y algunos momentos que probablemente se eliminaron para acelerar el ritmo. También suele haber escenas que se cortaron porque eran demasiado cómicas o rompían el tono de aventura. Es un extra bastante típico, pero útil para ver cómo era el montaje original antes de reducirlo.

El documental corto llamado “Un viaje al caos con Jack y Paul” está centrado específicamente en los dos protagonistas principales y en cómo se construyó el tono humorístico de la película. En este extra se ve el rodaje en la selva, comentarios de los actores sobre lo caótico que fue trabajar en exteriores, escenas detrás de cámaras y explicaciones sobre cómo nació la idea de hacer una nueva versión de Anaconda pero con un enfoque más cómico y meta. Es un making-of corto centrado en los actores, más personal que técnico.

El extra “Amigos en la selva: el reparto” es un documental centrado en todo el elenco y en la relación entre ellos durante el rodaje. Aquí aparecen entrevistas con los actores hablando de sus personajes, cómo se conocieron, cómo se construyó la química entre el grupo y cómo fue trabajar en un entorno selvático. También incluye imágenes del rodaje entre tomas, bromas del equipo y comentarios sobre el tono aventurero de la película. Es el típico featurette dedicado al reparto que suele acompañar a los lanzamientos de este tipo.

El contenido llamado “El encantador de serpientes: Tom Gormican”  está dedicado exclusivamente al director. En este extra el propio Tom Gormican explica cómo surgió la idea de hacer esta nueva versión, qué quería cambiar respecto a la película original de los años 90 y por qué decidió convertirla en una mezcla de aventura y comedia. También habla del estilo visual, del tono autoparódico y de cómo quiso reinventar la historia sin copiarla directamente. Es un mini-documental corto centrado en la visión del director.

Por último, “Reinventando la leyenda: Anaconda” es el extra principal del Blu-ray y el más completo. Aquí se explica cómo se planteó la nueva película desde cero, cómo rediseñaron la serpiente para que fuera diferente a la original, cómo se rodaron las escenas en la selva y cómo se combinaron efectos reales con efectos digitales. También incluye comparaciones con la película original y comentarios del equipo técnico sobre el diseño de producción, la acción y el tono moderno de la nueva versión. Es el making-of más importante del disco y el que resume todo el proceso de creación de la película.

Anaconda (2025)

Jack Black (Actor), Paul Rudd (Actor), Tom Gormican (Director)

Doug y Griff son mejores amigos desde niños y siempre han soñado con hacer un remake de su película favorita de todos los tiempos, el «clásico» cinematográfico Anaconda. Cuando una crisis de mediana edad los empuja a lanzarse por fin a la aventura, se adentran en la selva amazónica para comenzar el rodaje. Pero las cosas se ponen serias cuando aparece una anaconda gigante de verdad, convirtiendo su caótico y cómico plató de rodaje en una situación mortal. La película que se morían por hacer podría costarles la vida.

                                                

Detalles del producto

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17 x 13,5 x 1 cm; 66 g

Director ‏ : ‎ Tom Gormican

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 38 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 25 marzo 2026

Actores ‏ : ‎ Jack Black, Paul Rudd, Steve Zahn

Idioma ‏ : ‎ Castellano (Dolby Digital 5.1), Inglés (DTS-HD 5.1)

Estudio ‏ : ‎ ARVI

ASIN ‏ : ‎ B0GQH97TW1

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

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RESEÑA DEL BLU-RAY "ALIENS VS. COMANDOS" DE A CONTRACORRIENTE FILMS

 

La película Aliens vs Comandos (2025) ,cuyo título original es Osiris llega como una mezcla entre acción militar, ciencia ficción y terror, pero con una idea muy clara desde el principio: ser una película hecha para entretener sin complicaciones. El director William Kaufman apuesta por un estilo muy directo que recuerda al cine de acción clásico, especialmente a las películas que empiezan fuerte y no sueltan al espectador hasta el final.

El inicio de la película deja claro ese tono desde el primer momento. La historia arranca con una escena intensa de combate que parece casi el clímax de otra película, algo que introduce rápidamente al espectador en la acción sin perder tiempo en explicaciones largas. En pocos minutos, la película pasa del realismo militar a la ciencia ficción cuando los protagonistas son capturados por una fuerza alienígena, y a partir de ahí todo se convierte en una lucha constante por sobrevivir.

Uno de los elementos más llamativos de la película es la idea central: un grupo de comandos de élite enfrentándose a criaturas extraterrestres que no actúan como monstruos salvajes, sino como una fuerza organizada y táctica. En lugar de enemigos instintivos como los xenomorfos de Alien, los alienígenas de Osiris funcionan casi como un ejército. Utilizan armas, estrategias y ataques coordinados, lo que convierte el conflicto en una especie de guerra entre dos unidades militares completamente diferentes.

Ese enfoque cambia completamente la forma en que funciona la película. No es solo una historia de supervivencia contra criaturas, sino un enfrentamiento entre inteligencia humana y una inteligencia alienígena que aprende rápidamente. La propia película deja bastante claro que los alienígenas capturan soldados humanos precisamente para aprender de ellos, lo que añade una dimensión estratégica al conflicto y hace que la amenaza resulte mucho más inquietante.

Otro aspecto que hace que la película funcione mejor de lo que podría parecer a primera vista es el grupo protagonista. No se siente como un equipo improvisado de personajes, sino como un grupo real de soldados con experiencia y relación entre ellos. Los diálogos entre los personajes, el humor que aparece en los momentos de tensión y la forma en que reaccionan durante el combate hacen que el espectador conecte con ellos mucho más rápido.

Dentro del reparto, destaca especialmente la presencia de Linda Hamilton, cuya participación aporta peso y credibilidad a la historia. Su personaje funciona como una figura clave dentro del grupo y ayuda a que el mundo que plantea la película resulte más sólido. También se nota mucho el trabajo de Max Martini, que encaja perfectamente en el papel de soldado duro y lidera gran parte de la acción con un estilo muy convincente.

Otro personaje interesante es Nash, interpretado por Lindsey Edwards. Aunque al principio parece el típico soldado sarcástico y nervioso , poco a poco demuestra ser uno de los personajes más humanos de la película. Su mezcla de humor, miedo y eficacia en combate aporta equilibrio al tono general del film.No es solo el alivio cómico, sino el que mejor representa el miedo real que siente el grupo. Es el personaje que verbaliza lo absurdo de la situación, pero también uno de los más eficaces cuando la acción se vuelve realmente peligrosa. Ese equilibrio entre humor, tensión y supervivencia es lo que hace que funcione tan bien.

También se nota mucho la química entre los actores. No parece un grupo de personajes creados solo para la película, sino un equipo que realmente ha trabajado junto durante mucho tiempo. A medida que la historia avanza y el grupo se va reduciendo, la sensación de aislamiento funciona muy bien y hace que la tensión emocional resulte mucho más fuerte.

Además de los personajes, uno de los puntos más fuertes de la película es el trabajo técnico. Los efectos visuales ayudan a que la película tenga un acabado mucho más sólido de lo que normalmente se espera en una producción independiente. Sin duda hay un nivel técnico bastante más alto que en muchas películas similares.

La película no depende únicamente del CGI. Gran parte de las criaturas fueron creadas mediante efectos prácticos . Este enfoque recuerda claramente al estilo de películas como Predator, donde las criaturas tenían una presencia física real en pantalla. Gracias a eso, los alienígenas se sienten más tangibles y menos artificiales.

También se nota el enorme trabajo físico que hay detrás de las criaturas. No parecen simples efectos visuales, sino personajes reales dentro de la historia. La forma en que se mueven, corren y reaccionan hace que tengan personalidad incluso sin hablar, y eso mejora muchísimo la sensación de peligro.

Otro detalle importante es que muchos de los escenarios, especialmente los interiores de la nave alienígena, se sienten reales y no como un entorno completamente digital. Eso hace que los actores reaccionen de forma más natural y ayuda a que el espectador sienta que el mundo existe físicamente. Incluso cuando aparecen efectos visuales, la base sigue siendo muy física, y eso mejora mucho el resultado final.

En cuanto al ritmo, la película mantiene una intensidad constante durante casi todo el metraje. No pierde tiempo en subtramas innecesarias ni en escenas que no aportan nada a la historia. La acción, el suspense y la tensión se mantienen de forma bastante equilibrada, y eso hace que la película resulte muy entretenida incluso para quienes no buscan una historia especialmente compleja.

Aun así, lo que realmente hace interesante a al cinta no es solo la acción, sino el tono. Intenta funcionar como una película militar clásica, pero con extraterrestres. No hay héroes invencibles ni personajes exagerados, sino soldados cansados, asustados y obligados a adaptarse a una amenaza que no entienden. Esa mezcla de realismo militar y ciencia ficción es uno de los puntos más fuertes de la película.

También se nota claramente que la película funciona como un homenaje al cine clásico de ciencia ficción y acción. Las influencias de películas como Alien, Aliens o Predator están muy presentes, pero no como una copia directa, sino como inspiración. La película intenta crear su propia identidad mezclando elementos conocidos ,soldados de élite, criaturas extraterrestres, supervivencia ,  con un tono más directo y moderno.

Es destacable también la forma de usar la oscuridad y las sombras para crear tensión. Ese estilo visual recuerda bastante al cine de Ridley Scott, sobre todo en la forma en que se construye la sensación de peligro constante.

El final de la película es otro de los aspectos más interesantes. Sin entrar en spoilers, el desenlace introduce un giro sorprendente. Ese giro cambia completamente la forma en que se interpretan muchos detalles que aparecen durante la película y hace que el espectador quiera volver a verla para descubrir cosas que no había notado la primera vez.Además, la película deja abierta la posibilidad de expandir su universo. Aunque la historia principal tiene un cierre bastante claro, el mundo que presenta sugiere muchas otras historias posibles. 

Para los fans del cine de acción clásico y de la ciencia ficción, es exactamente el tipo de película que promete ser: intensa, entretenida y muy divertida, con ese espíritu directo y sin complejos que siempre ha caracterizado a la mejor ciencia ficción serie B.

Comandos vs. aliens no intenta reinventar el género, pero sí consigue algo que muchas películas olvidan: ser entretenida de principio a fin. Combina acción militar, ciencia ficción y terror de forma directa, con un ritmo rápido, criaturas convincentes y personajes que funcionan mejor de lo esperado. Puede que no sea una película perfecta, pero sí es una película hecha con verdadera pasión por el género, y eso se nota en cada escena. Además, tiene algo que hoy en día no es tan común: una propuesta original que parece sacada directamente de un argumento clásico de ciencia ficción serie B, pero llevada al cine actual con más ambición visual.

La edición de Aliens vs Comandos incluye como contenidos extra un tráiler oficial de 1 minuto y 54 segundos que resume el tono de acción y ciencia ficción de la película, junto con entrevistas realizadas en el Festival de Sitges, donde el director y coguionista William Kaufman (14’40”) comenta el origen del proyecto, sus influencias y los retos del rodaje, mientras que los productores Andrew Lewis y Isaac Lewis (17’23”) abordan aspectos como la producción independiente, el presupuesto, la distribución y su experiencia en el festival, completándose el apartado con tres tráilers adicionales de otros títulos que funcionan como material promocional del distribuidor.

                                          

Aliens vs. Comandos

Max Martini (Actor), William Kaufman (Director)

Los miembros de un equipo de Comandos de las Fuerzas Especiales son abducidos en plena operación militar por una misteriosa nave espacial. Al despertar, descubren que son presa de una raza alienígena implacable y se alían con una misteriosa mujer en una lucha frenética por la supervivencia.

Detalles del producto

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 16 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17,2 x 14 x 1,1 cm; 95 g

Director ‏ : ‎ William Kaufman

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 47 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 17 febrero 2026

Actores ‏ : ‎ Max Martini

Subtitulado: ‏ : ‎ Castellano

Estudio ‏ : ‎ A Contracorriente Films, S.L.

ASIN ‏ : ‎ B0GGJ4VXPW

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

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Wicked: parte II DVD

 

Wicked: parte II DVD

Cynthia Erivo (Actor), Ariana Grande (Actor), Jon M. Chu (Director) 

El fenómeno cinematográfico y cultural regresa y despliega su épico, apasionante y emotivo final sobre la historia jamás contada de las brujas de Oz. Elphaba y Glinda ahora están distanciadas, cada una viviendo con las consecuencias de sus decisiones. Elphaba, demonizada como la Bruja Malvada del Oeste, vive exiliada y escondida en el bosque de Oz, liderando la lucha para desenmascarar al Mago. Glinda se ha convertido en un glamuroso símbolo de la bondad para todo Oz, disfrutando de las ventajas de la fama y la popularidad. Mientras la multitud alza su clamor contra la Bruja Malvada, Glinda y Elphaba deberán unirse una vez más y afrontar con honestidad y compasión su transformación personal para cambiar el destino de todo Oz.

                                               

Detalles del producto

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 19 x 13 x 1,5 cm; 71 g

Director ‏ : ‎ Jon M. Chu

Formato multimedia ‏ : ‎ DVD

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 2 horas y 17 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 25 marzo 2026

Actores ‏ : ‎ Ariana Grande, Cynthia Erivo, Jonathan Bailey

Idioma ‏ : ‎ Castellano (Dolby Digital 5.1), Inglés (Dolby Digital 5.1)

Estudio ‏ : ‎ ARVI

ASIN ‏ : ‎ B0GQH6X98L

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

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RESEÑA DEL BLU-RAY "EL DIABLO SOBRE HIELO" DE A CONTRACORRIENTE FILMS

 

RESEÑA DEL BLU-RAY "EL DIABLO SOBRE HIELO" DE A CONTRACORRIENTE FILMS

El diablo sobre hielo, editada en Marzo en Blu-ray por A contracorriente Films, es una de esas propuestas de cine independiente que parten de una premisa sencilla pero logran construir una experiencia intensa. La película, se articula como un thriller de persecución en el que un repartidor de comida queda atrapado en una noche interminable, acosado por una quitanieves en medio de un paisaje nevado y hostil. Todo sucede entre el ocaso y el amanecer, lo que refuerza una sensación de encierro y fatalidad que se mantiene constante durante todo el metraje.

Desde los primeros instantes, la película revela su inspiración en El diablo sobre ruedas, una de las primeras obras de Steven Spielberg. El esquema del perseguidor anónimo y la víctima atrapada en una carretera interminable se reproduce aquí con acierto, aunque el film no se limita a copiar el modelo. La introducción del entorno helado, la violencia más explícita y ciertos desvíos hacia el horror permiten que la película encuentre su propia personalidad. No es solo un homenaje, sino una reinterpretación contemporánea que entiende bien qué hacía funcionar a su referente.

Uno de los grandes aciertos del film es su protagonista, Lee, un personaje deliberadamente imperfecto. Lejos del héroe tradicional, es impulsivo, nervioso y, en muchas ocasiones, incapaz de tomar decisiones acertadas. Esa fragilidad lo convierte en una figura mucho más cercana y humana, reforzando la tensión porque el espectador percibe que en cualquier momento puede cometer un error fatal. La película insiste en esta idea de “hombre corriente” enfrentado a una situación extrema, alejándose de los códigos del cine de superhéroes para centrarse en la pura supervivencia.

En este sentido, resulta especialmente llamativa la inclusión del pez dorado que acompaña al protagonista durante su odisea, un elemento que podría parecer anecdótico o incluso cómico, pero que funciona como un recurso dramático inesperadamente eficaz. Me resulta especialmente interesante cómo la película abraza este tipo de elementos absurdos sin perder su fuerza dramática: introduce un punto de absurdo que humaniza aún más la historia, convierte al pez en un verdadero compañero del protagonista y añade una capa adicional de tensión, ya que el espectador no solo teme por su vida, sino también por la fragilidad de ese pequeño acompañante. Es un detalle que revela el tono peculiar del film y que, lejos de ser accesorio, aporta personalidad y refuerza ese equilibrio tan particular entre lo ridículo, lo angustioso y el humor que define la película.

Visualmente, El diablo sobre hielo destaca por su apuesta por lo físico frente a lo digital. Rodada en localizaciones reales de Laponia, la película convierte el paisaje nevado en un elemento narrativo fundamental. La inmensidad blanca, los bosques oscuros y la noche constante crean un entorno tan bello como amenazante. La fotografía acentúa esta sensación: los faros de los vehículos se expanden en la imagen, las sombras adquieren un peso casi tangible y cada plano transmite frío y aislamiento. Todo ello contribuye a una experiencia inmersiva que resulta especialmente notable tratándose de una producción independiente.

Otro aspecto destacable es su estructura narrativa, que no se limita a la persecución continua. A mitad de metraje, la película introduce un giro hacia territorios más cercanos al horror, trasladando la acción a un espacio cerrado que rompe momentáneamente con la dinámica de carretera. Este cambio de registro aporta variedad y permite explorar nuevas formas de tensión, pasando de la amenaza abierta del exterior a una atmósfera más claustrofóbica e inquietante. Aunque puede resultar inesperado, el giro enriquece el conjunto y demuestra la voluntad del director de ir más allá del thriller convencional.

La interpretación del protagonista sostiene gran parte del peso del film, especialmente teniendo en cuenta que buena parte de la acción transcurre dentro de un vehículo. La película exige transmitir emociones intensas con recursos limitados, y lo consigue gracias a una dirección que apuesta por la proximidad, el uso del sonido y una planificación que enfatiza la sensación de encierro incluso en espacios abiertos. El resultado es una experiencia que combina lo íntimo con lo espectacular.

En términos de influencias, además de El diablo sobre ruedas, pueden rastrearse ecos de otras obras centradas en la tensión sostenida y el peligro constante, así como ciertos elementos del horror atmosférico que recuerdan, de forma lejana, a El resplandor. Sin embargo, la película nunca pierde de vista su identidad, construida a partir de la mezcla de géneros y de un tono que oscila entre la seriedad y un ligero sentido del absurdo.

Lo que más llama la atención de El diablo sobre hielo es cómo juega con las expectativas del espectador. Al principio parece que va a ser un thriller bastante reconocible, incluso con cierto tono ligero, pero poco a poco la película se va transformando en algo más extraño y oscuro. Esa sensación de estar entrando en un tipo de historia para luego descubrir que no es exactamente así me parece uno de sus mayores aciertos, porque mantiene el interés constantemente y evita que la experiencia se vuelva predecible.

Otro aspecto que valoro mucho es la energía que transmite la dirección. Se percibe una implicación muy fuerte detrás de la cámara, una especie de entusiasmo por el propio acto de hacer cine que se traduce en una película muy viva. Todo parece estar impulsado por una intención clara de aprovechar al máximo cada escena, cada momento de acción o de peligro, y eso se nota en el resultado final, que nunca se siente plano o rutinario.

Uno de los aspectos más interesantes de la película es cómo introduce una narrativa que parece más amplia de lo que realmente vemos en pantalla. Más allá de la persecución central, se sugieren elementos que apuntan a algo mayor —rituales, desapariciones o una violencia que trasciende al propio protagonista—, pero nunca se explican del todo. Lejos de ser un defecto, esta decisión le da un aire más inquietante, como si la historia de Lee fuera solo una pequeña pieza dentro de un universo mucho más oscuro que apenas llegamos a comprender.

También me parece especialmente interesante cómo la película conecta con una ansiedad muy contemporánea a través de su protagonista y de situaciones cotidianas que lleva al extremo. La figura del repartidor, atrapado en la precariedad, endeudado y dependiendo de trabajos inestables, no solo funciona como motor narrativo, sino como reflejo de una realidad reconocible. A partir de ahí, el film convierte tanto esa rutina laboral como algo tan común como la conducción en una experiencia casi terrorífica, transformando el estrés y la frustración al volante en una auténtica lucha por la supervivencia. Así, el terror no proviene únicamente de la amenaza física de la quitanieves, sino de un contexto previo que ya es opresivo por sí mismo, reforzando la idea de que, en ocasiones, la pesadilla comienza mucho antes de que aparezca el monstruo.

Además, creo que la película se enriquece bastante por la variedad de influencias que maneja. Más allá de su conexión evidente con El diablo sobre ruedas, yo percibo ecos de otros thrillers de carretera y cine de terror donde la amenaza es constante y casi inexplicable. Incluso hay algo del tono de Fargo en esa mezcla de violencia, absurdo y cierto humor incómodo que aparece en momentos concretos.

En conjunto, El diablo sobre hielo es una propuesta sólida, entretenida y visualmente potente que demuestra cómo el ingenio y la claridad de ideas pueden suplir las limitaciones presupuestarias. Su ritmo constante, su capacidad para generar tensión y su uso del entorno natural la convierten en una experiencia muy disfrutable. Puede que su mezcla de tonos no sea del gusto de todos, pero precisamente en esa irregularidad reside parte de su encanto. Como su protagonista, la película avanza de forma caótica e imprevisible, pero nunca pierde impulso ni interés.

Sin duda es una película que, dentro de su modestia, ofrece una experiencia muy completa. Funciona tanto por su propuesta visual como por su capacidad para entretener, y eso hace que destaque dentro del cine independiente actual. Además, su corta duración , apenas 70 minutos , juega muy a su favor: no hay espacio para el relleno ni para desviaciones innecesarias, y eso hace que el ritmo se mantenga ágil e intenso de principio a fin. En definitiva, para mí es una película que demuestra que con una buena idea y una ejecución cuidada se puede lograr algo realmente destacable.

En cuanto a los contenidos adicionales, la edición sigue la línea habitual de A Contracorriente Films, apostando por un conjunto de extras breve pero interesante. Se incluye el tráiler original (1’34”), que sirve como carta de presentación del tono y la propuesta del film, así como una entrevista realizada en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges a Liam James Collins y Joey Palmroos (18’37”), donde ambos profundizan en el proceso creativo, las influencias y las particularidades del rodaje. Completa el apartado una selección de otros títulos con tres tráilers adicionales, una inclusión clásica dentro de este tipo de lanzamientos.

                                                

El diablo sobre hielo Blu-ray

Alexander Arnold (Actor), Joey Palmroos (Director)

Un repartidor de comida perezoso y con deudas se ve envuelto en una persecución mortal en los gélidos bosques de Minnesota, perseguido por un conductor de quitanieves enloquecido, enfrentándose a situaciones que ponen en peligro su vida y viéndose obligado a burlar por sí solo a su implacable perseguidor.

Detalles del producto

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 16 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17,2 x 14 x 1,1 cm; 95 g

Director ‏ : ‎ Joey Palmroos

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 40 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 10 marzo 2026

Actores ‏ : ‎ Alexander Arnold

Subtitulado: ‏ : ‎ Castellano

Estudio ‏ : ‎ A Contracorriente Films, S.L.

ASIN ‏ : ‎ B0GMRMRKPG

País de origen ‏ : ‎ Finlandia

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Wicked 1+2 (DVD)

Wicked 1+2 (DVD)

Cynthia Erivo (Actor), Ariana Grande (Actor), Jon M. Chu (Director) 

Wicked y Wicked: Parte II cuenta la épica historia de las brujas de Oz. La incomprendida Elphaba y la popular Glinda se conocen en la Universidad de Shiz y forman un vínculo inesperado antes de que sus caminos se separen tras un encuentro con el Mago de Oz. Ahora, viviendo con las consecuencias de sus decisiones, Elphaba y Glinda deben reunirse si quieren cambiar para siempre sus vidas y las de todo Oz.

                                                    

Detalles del producto

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 19 x 13 x 1,5 cm; 71 g

Director ‏ : ‎ Jon M. Chu

Formato multimedia ‏ : ‎ DVD

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 4 horas y 57 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 25 marzo 2026

Actores ‏ : ‎ Ariana Grande, Cynthia Erivo, Jonathan Bailey

Idioma ‏ : ‎ Castellano (Dolby Digital 5.1), Inglés (Dolby Digital 5.1)

Estudio ‏ : ‎ ARVI

ASIN ‏ : ‎ B0GQH7B88J

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

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DVD PUPPET MASTER: AXIS OF EVIL DVD

 

PUPPET MASTER: AXIS OF EVIL DVD 

Año: 2010

Calificación: 18

Sinopsis: 

En el hotel Bodega Bay Inn en Estados Unidos durante el apogeo de la Segunda Guerra Mundial, el joven Danny Coogan (Levi Fiehler) sueña con unirse al esfuerzo bélico. Tras la muerte de un huésped del hotel, ni más ni menos que el famoso titiritero André Toulon (William Hickey), provocada por asesinos nazis, Danny encuentra la caja de marionetas misteriosas del anciano y de repente… ¡Se ve envuelto en la batalla! 

Descubre que los nazis, junto con la hermosa saboteadora japonesa Ozu (Ada Chao) y sus secuaces, planean atacar una planta armamentística secreta estadounidense. Después de que su familia es atacada y su novia Beth (Jenna Gallaher) secuestrada, depende de Danny y de las mortales marionetas vivientes detener a este peculiar Eje del Mal. 

Enésimo retorno de Blade, Torch, Six-shoot, Leech woman y compañía esta vez para combatir al eje fascista (Alemania y Japón, esta vez Italia se libra) en esta película de aventuras que se anima al final: con un aluvión de gore y efectos prácticos marca de la casa.

Producida por el mismísimo Charles Band y dirigida por el gran David DeCoteau (uno de los mejores directores de la compañía), “Puppet Master: Axis of evil” es la décima entrega de la saga y la primera de la “Trilogía del eje”. Y si os suena la secuencia inicial de la película con la muerte/suicidio del titiritero se debe a que… ¡Está robada de la primera película de la saga! La Full Moon nunca defrauda.

                                                  

Contenidos adicionales: Maratón de tráilers con los próximos lanzamientos de la colección Full Moon, póster original y carátula reversible VHS.

Logos en el DVD: Ediciones 79, Tártaro Films, Terrorweekend recomienda, Full Moon y Amb el suport de la Generalitat de Catalunya.

Zona: 0.

DVD (limitado a 300 unidades):

EAN: 8429987407770

Referencia: 790072

Depósito Legal: B 4992-2026

Formato: 16:9

Audio: Inglés

Subtítulos: Castellano y catalán

Duración: 83 min 

Nacionalidad: Estados Unidos

Puppet Master: Axis of Evil (Colección Full Moon) (VOSE) - DVD | 8429987407770 | David DeCoteau

RESEÑA DEL BLU-RAY "PIERROT EL LOCO" DE DIVISA FILMS

 

RESEÑA DEL BLU-RAY "PIERROT EL LOCO" DE DIVISA FILMS

Desde sus inicios, Divisa Films ha apostado firmemente por la recuperación y edición de cine clásico y de autor, convirtiendo este tipo de obras en uno de los pilares fundamentales de su catálogo. A lo largo de los años, la distribuidora ha mantenido un compromiso constante con la preservación y difusión de títulos esenciales de la historia del cine para el público doméstico. Este mes, los amantes del cine de autor tienen una excelente oportunidad para redescubrir el universo de Jean-Luc Godard gracias a la llegada de dos de sus películas más emblemáticas: Pierrot el loco y El desprecio. En el caso de Pierrot el loco, su regreso resulta especialmente significativo, ya que la última edición disponible en el mercado español se encontraba descatalogada desde 2018, lo que convierte este lanzamiento en una oportunidad muy esperada para coleccionistas y cinéfilos. 

Pierrot el loco es una de las películas más representativas del estilo libre, provocador y profundamente personal de Jean-Luc Godard. Estrenada en 1965 y protagonizada por Jean-Paul Belmondo y Anna Karina, la cinta se ha convertido con el tiempo en una obra clave dentro de la Nouvelle Vague francesa, un movimiento cinematográfico que revolucionó el lenguaje del cine durante los años sesenta.

La historia sigue a Ferdinand Griffon, un hombre aburrido de su vida burguesa que decide escapar junto a Marianne, una mujer misteriosa y seductora con la que inicia una huida improvisada hacia el sur de Francia. Lo que comienza como una aventura romántica pronto se transforma en un viaje lleno de crimen, persecuciones, reflexiones filosóficas y momentos absurdos.

Godard utiliza esta premisa de cine negro y road movie para construir algo mucho más experimental. La narración no sigue una estructura clásica; en cambio, está llena de rupturas de ritmo, referencias literarias, comentarios políticos y escenas que parecen existir únicamente por su fuerza poética o visual.

Uno de los aspectos más recordados de Pierrot el loco es su estilo visual. Especialmente en la primera parte de la película, Godard hace un uso intensivo del color  especialmente del rojo, azul y amarillo  creando composiciones que recuerdan al arte pop y a la pintura moderna. Cada encuadre parece cuidadosamente diseñado para transmitir emociones o ideas más allá de la historia misma.

Además, el director rompe constantemente las reglas narrativas tradicionales: los personajes hablan directamente al espectador, la música aparece de forma abrupta y las escenas cambian de tono sin aviso. Todo esto contribuye a la sensación de estar viendo una película que desafía las convenciones tradicionasles del cine.

Más allá de su dimensión estética, la película funciona también como una reflexión sobre las relaciones de pareja, el amor y el desgaste emocional que aparece con el tiempo. En muchos momentos, la historia parece analizar qué es lo que realmente mantiene unida a una pareja y cómo el entusiasmo inicial puede transformarse en hastío. En este sentido, el filme también puede leerse como un reflejo de la propia vida sentimental de Jean-Luc Godard y de su relación con Anna Karina, marcada por la intensidad creativa y los conflictos personales. Hay que recordar que Karina no solo fue su esposa, sino también su musa y colaboradora artística durante los primeros años de la Nouvelle Vague.

Los protagonistas parecen querer vivir su relación como si fuera una novela o una aventura cinematográfica, intentando convertir cada momento en algo extraordinario para escapar de la monotonía que suele aparecer en las relaciones. Sin embargo, esa búsqueda constante de intensidad termina revelando lo frágil que puede ser el amor cuando se enfrenta a la realidad.

La relación entre Ferdinand y Marianne es el corazón de la película. Jean-Paul Belmondo interpreta a un protagonista melancólico y reflexivo, alguien que busca sentido en la literatura, la filosofía y la vida misma. Por el contrario, Anna Karina encarna a Marianne como una figura imprevisible, impulsiva y casi caótica. La dinámica entre ambos personajes refleja uno de los temas centrales del filme: el conflicto entre la razón y el deseo, entre la contemplación intelectual y la pasión irracional. Esa tensión impulsa la narrativa hasta su inevitable y trágico desenlace.

Pierrot el loco es una obra audaz, provocadora y profundamente influyente. Con su mezcla de romance, crimen, filosofía y experimentación visual, Jean-Luc Godard creó una película que desafía constantemente al espectador y redefine lo que el cine puede ser.

Más que una simple historia de fugitivos enamorados, la película es un manifiesto artístico sobre la libertad creativa y el poder del lenguaje cinematográfico. Décadas después de su estreno, sigue siendo una de las obras más estudidadas y emblemáticas de la Nouvelle Vague y un referente imprescindible para entender el cine moderno.

                                             

Pierrot El Loco (Pierrot le fou) (1965) (Jean-Luc Godard) (Blu-ray)

Jean-Paul Belmondo (Actor), Anna Karina (Actor), Jean-Luc Godard (Director) 

Descripción del producto

• BAFTA® (1966) – Nominada a Mejor actor extranjero (Jean-Paul Belmondo).

Ferdinand Griffon, ‘Pierrot’, no es feliz en su matrimonio y acaba de ser despedido. Un día, en una cena de la alta sociedad de París, se da cuenta de que las conversaciones que le rodean están vacías, al igual que su vida, y que tiene que cambiar.

Siente la necesidad de escapar y decide salir de la ciudad junto a su joven empleada del hogar, dejando a su mujer e hijos viviendo cómodamente. Su acompañante Marianne es argelina y está perseguida por una peligrosa banda de sicarios. El deseo de empezar una nueva vida les lleva a arriesgarse en una peligrosa aventura desde París hasta el mar Mediterráneo.

Extras: Trailer • Galería.

Imagen: 2,35:1

Duración: 110 minutos

Región del disco: B

Audios: Castellano y Francés en DTS-HD MA 2.0 Mono.

Subtítulos: Castellano.

Pierrot El Loco (Pierrot le fou) (1965) (Jean-Luc Godard) (Blu-ray)

Detalles del producto

Relación de aspecto ‏ : ‎ 2.35:1

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 12 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17 x 13,5 x 1,1 cm; 70 g

Director ‏ : ‎ Jean-Luc Godard

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 50 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 16 marzo 2026

Actores ‏ : ‎ Anna Karina, Dirk Sanders, Jean-Paul Belmondo, Jean-Pierre Léaud, Raymond Devos

Subtítulos: ‏ : ‎ Castellano

Idioma ‏ : ‎ Castellano (DTS-HD Master Audio 2.0 Mono), Francés (DTS-HD Master Audio 2.0 Mono)

Estudio ‏ : ‎ Divisa HV

ASIN ‏ : ‎ B0GLGTM5J3

País de origen ‏ : ‎ Francia

Número de discos ‏ : ‎ 1

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RESEÑA DEL DVD "LA DONCELLA DEL LAGO" DE A CONTRACORRIENTE FILMS

 RESEÑA DEL DVD "LA DONCELLA DEL LAGO" DE A CONTRACORRIENTE FILMS

La doncella del lago es una película que une memoria, naturaleza y tradición japonesa, mostrando una notable sensibilidad al combinar elementos históricos, folclóricos y cuentos tradicionales japoneses con la íntima relación entre el ser humano y la naturaleza. Detrás de esta obra se encuentra Masakazu Kaneko, un director cuya carrera se ha dedicado a explorar la interacción entre los seres humanos y su entorno, reconocido por su capacidad para capturar la belleza del paisaje natural en la pantalla.

La película se desarrolla en 1958 y presenta a Yucha, interpretado por Sonatoshi Aryama, un niño que vive en un pequeño pueblo japonés vulnerable a los tifones. La historia combina la realidad cotidiana con elementos de leyenda, al mostrar cómo Yucha escucha un kamishibai , una especie de teatro de papel tradicional, que relata la tragedia de Oo, interpretada por Asuka Hanamura, y su amor prohibido por Saku, un joven tallador de madera interpretado por Yo Ai. La narrativa revela cómo las tradiciones y reglas sociales estrictas del pasado contribuyen a los conflictos y sufrimientos de los personajes, convirtiendo la película en un comentario sobre los legados generacionales y la forma en que los errores del pasado afectan a las nuevas generaciones.

El río, corazón de la historia, funciona como un personaje más. No solo refleja la espiritualidad y las leyendas locales ,provocando tifones cada vez que se llenaba de ira o tristeza,, sino que también simboliza la conexión entre humanidad y naturaleza. Kaneko utiliza este elemento para transmitir un mensaje universal: respetar la naturaleza es también cuidar de nosotros mismos, pues nuestra supervivencia depende de mantener un equilibrio con el entorno. Esta dimensión espiritual se presenta de manera sutil y poética, sin imponer dogmas, permitiendo que la película pueda disfrutarse tanto desde una perspectiva racional como emocional.

El elenco combina jóvenes actores con veteranos del cine japonés, logrando un equilibrio entre frescura y experiencia. Aryama y Hanamura destacan por su capacidad de transmitir inocencia y emoción, mientras que los adultos, incluyendo a Tongitsu Adachi, Kinoy Yamada, Toshia Nagishi y Ken Yasuda, aportan profundidad a la familia de Yucha y al pueblo, estableciendo la tensión entre tradición y modernidad. Incluso personajes secundarios, como el kamishibai man interpretado por Queske Hurbe, enriquecen la narrativa, sirviendo de puente entre realidad y leyenda, entre historia y fantasía.

A diferencia de los típicos filmes occidentales de aventura para niños, donde la historia principal suele comprimirse en pocos minutos para dar paso a la acción, Kaneko dedica la mayor parte del metraje a explorar la historia y las motivaciones de los personajes. Esto permite que la transición de la realidad a la historia contada en el kamishibai sea natural y envolvente, reforzando el vínculo emocional del espectador con Yucha y su misión. La aventura se entrelaza con la fantasía y el folclore, creando un relato que es tanto un cuento de hadas como una reflexión sobre el deber, la valentía y la compasión.

El director mantiene su estilo característico de enfoque en paisajes reales y composición visual poética. La fotografía captura los verdes vibrantes del bosque y el azul profundo del río con una sensibilidad que transmite paz y admiración por la naturaleza. La música de Masakatu Takagi complementa la atmósfera, reforzando la sensación de que cada escena está impregnada de vida, historia y espiritualidad. La película incluso utiliza animación en pequeñas secuencias, mostrando la versatilidad de Kaneko al combinar técnicas para enfatizar el tono mágico del relato.

La doncella del lago es una película que funciona en múltiples niveles: como cuento de aventuras para niños, como relato poético sobre la conexión con la naturaleza y como reflexión sobre las cargas heredadas de generaciones anteriores. La historia de Yucha y Oo combina tragedia y esperanza, mientras la interacción con el río y el entorno natural ofrece una lección sobre respeto y equilibrio. Kaneko demuestra que se puede hacer cine contemplativo, bello y emocionante, capaz de tocar tanto al espectador joven como al adulto. Esta obra no solo consolida su talento, sino que reafirma el poder del cine japonés contemporáneo para contar historias universales con un sello único de humanidad, magia y estética. 

La calidad cinematográfica de La doncella del lago (River Returns) ha sido ampliamente reconocida a nivel internacional, reflejándose en premios como el Premio del Jurado Joven al Mejor Largometraje en el Festival Internacional de Cine de Gijón (España), el Orient Express Award a la Mejor Película en el Porto International Film Festival / Fantasporto (Portugal) y el Jury Award for Best Narrative Feature en el Lighthouse International Film Festival (EE. UU.). Además, la película ha sido seleccionada en numerosos festivales internacionales de prestigio, entre ellos la 2ª edición del Okinawa Pan Pacific International Film Festival (Japón) en la categoría Pacific Film Competition, el Saudi Film Festival (Arabia Saudí) dentro de Japanese Cinema Spotlight, el Nippon Connection (Alemania) en Nippon Visions, el Toronto Japanese Film Festival (Canadá) como Official Selection y el Ischia Film Festival (Italia) en competencia de largometrajes, consolidando su reconocimiento y elogios por la poética de su narrativa y su profunda conexión con la naturaleza.

                                                

La doncella del lago - DVD

En el verano de 1958, un pueblo japonés vive bajo la amenaza constante de los tifones. Un niño llamado Yucha escucha la antigua leyenda de una joven que murió ahogada en un lago de la montaña, y cuyo dolor provoca terribles inundaciones cada cierto tiempo. Cuando un gran tifón se aproxima, Yucha decide enfrentarse a sus miedos y subir al lago con la esperanza de evitar la tragedia.

Detalles del producto

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 12 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 19 x 14 x 2 cm; 85 g

Director ‏ : ‎ Masakazu Kaneko

Formato multimedia ‏ : ‎ DVD

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 44 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 10 marzo 2026

Actores ‏ : ‎ Asuka Hanamura

Subtitulado: ‏ : ‎ Castellano

Estudio ‏ : ‎ A Contracorriente Films, S.L.

ASIN ‏ : ‎ B0GMRFPPYS

País de origen ‏ : ‎ Japón

Asuka Hanamura (Actor), Masakazu Kaneko (Director) 

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Five nights at Freddy´s. pack 1-2 DVD

 Five nights at Freddy´s. pack 1-2 DVD

Josh Hutcherson (Actor), Elizabeth Lail (Actor), Emma Tammi (Director) 

Basada en la exitosa saga de videojuegos de Scott Cawthon, la famosa productora de terror Blumhouse, da vida al terror animatrónico. Acompaña a Mike, un vigilante de seguridad nocturno de un restaurante temático abandonado, que tendrá que enfrentarse a una pesadilla sobrenatural que ahora también amenaza con poner a su hermana pequeña, Abby, en un peligro indescriptible.

                                           

Detalles del producto

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 19 x 13 x 1,5 cm; 71 g

Director ‏ : ‎ Emma Tammi

Formato multimedia ‏ : ‎ DVD

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 3 horas y 23 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 25 marzo 2026

Actores ‏ : ‎ Elizabeth Lail, Josh Hutcherson, Piper Rubio

Idioma ‏ : ‎ Castellano (Dolby Digital 5.1), Inglés (Dolby Digital 5.1)

Estudio ‏ : ‎ ARVI

ASIN ‏ : ‎ B0GQH76DNC

País de origen ‏ : ‎ EE. UU.

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Crueles Intenciones - Blu-ray

Crueles Intenciones - Blu-ray

Dos hermanastros llevan a cabo desenfrenados juegos de seducción hasta que uno de ellos se enamora realmente de una de sus víctimas

En esta adaptación moderna de Las amistades peligrosas, Kathryn y Sebastian son dos hermanastros millonarios sin escrúpulos que no tienen reparos a la hora de seducir y arruinar la reputación de una compañera de clase por despecho. La pérfida Kathryn aumenta las apuestas desafiando al insaciable Sebastian a acostarse con Annette, la virtuosa nieta del director del instituto que desea mantenerse virgen hasta encontrar el amor. Si Sebastian pierde, Kathryn se queda con su posesión más preciada, su Jaguar, pero si tiene éxito, Sebastian podrá poseer a Kathryn. La recompensa resulta irresistible para Sebastian, pero en este incesante juego del gato y el ratón las tornas se vuelven cuando comienza a enamorarse realmente de Annette

Contenido de la edición Blu-ray

Escenas eliminadas
Detrás de las cámaras
Videoclips
Audiocomentario del director Roger Kumble y del productor Neal H. Moritz
Booklet de 24 páginas
2 postales exclusivas

Detalles del producto

Lanzamiento 29-04-2026
País de producción Estados Unidos
Año de producción 1999
Duración 97 min
Subtítulos Castellano
Audio Catalán, Inglés, Castellano
Calificación No recomendada para menores de 16 años
EAN 8424365731423

https://shop.selecta-vision.com/crueles-intenciones#/66-formato-blu_ray

ARCATRON DVD

 

ARCATRON DVD

Año: 1993

Calificación: 18

Sinopsis: 

La última sensación en videojuegos es "Arcatrón", un juego de realidad virtual que hay que ganar... o ser esclavizado, perder la cabeza y convertirse para siempre en parte del juego. Alex (Megan Ward) y sus amigos prueban el juego, pero el novio de Alex pierde y desaparece. Una de las amigas de Alex intenta una versión casera del juego y también desaparece ante sus ojos. Decididos a recuperar a sus amigos, Alex y su amigo Nick (Peter Billingsley)… ¡Se enfrentan al arcade devorador de mentes!

Aunque la trama puede resultar familiar, esta película nada tiene que ver con “Tron” (Steven Lisberger) o “El cortador de césped” (Brett Leonard)… ¡O todo lo contrario! Charles Band lo vuelve a hacer y produce este batiburrillo de éxitos cinematográficos recientes de la época e incluso del videojuego (ojo a los pasillos directamente sacados del “Doom” original de Carmack y Romero).

Dirigida por el gran Albert Pyun (“Cyborg”, “Cromwell, el rey de los bárbaros”), guionizada (aunque dudo que se acuerde) por David S. Goyer (“Dark City”, “El caballero oscuro: La leyenda renace”) y protagonizada por actores secundarios relativamente conocidos de la época (Megan Ward, Seth Green, etc.) esta película es gloriosamente celebrada por tener, muy probablemente, los peores efectos digitales de la década de los noventa ¡Quién diría que se retrasó el estreno de la película todo un año para mejorarlos! A su lado “El cortador de césped” parece “Parque Jurásico”… ¡Estáis avisados! 

                                                

Contenidos adicionales: Maratón de tráilers con los próximos lanzamientos de la colección Full Moon, póster original y carátula reversible VHS.

Logos en el DVD: Ediciones 79, Tártaro Films, Terrorweekend recomienda, Full Moon y Amb el suport de la Generalitat de Catalunya.

Zona: 0.

DVD (limitado a 300 unidades):

EAN: 8429987407787

Referencia: 790073

Depósito Legal: B 4993-2026

ICAA: 4639740

Formato: 16:9

Audio: Inglés y castellano 2.0 DD.

Subtítulos: Castellano y catalán.

Duración: 85 min 

Nacionalidad: Estados Unidos

Arcatrón (Colección Full Moon) - DVD | 8429987407787 | Albert Pyun

Never Sleep Again: El Legado de Elm Street (2010) Blu-ray

 

Never Sleep Again: El Legado de Elm Street (2010) Blu-ray

Extenso documental (de cuatro horas de duración) que analiza el impacto y la importancia de la saga "Pesadilla en Elm Street", presentando entrevistas con sus principales responsables, como el creador del film original (Wes Craven) o el actor asociado al temible Freddy Kruger, Robert Englund.

Edición con funda limitada y numerada para las primeras 100 reservas.

Contenido extra

Tráiler

Por amor al guante

34.99€

Formato

Blu-ray

Audios

Castellano DTS-HD Master Audio 5.1, Inglés DTS-HD Master Audio 5.1

Subtítulos

Castellano, Inglés, Portugués

Fecha de Salida

30 de Abril de 2026

Licencia

Wild Duck

PACK PRIMAVERA SÓRDIDA 26 DE MISKATONIK VIDEOS

                           

PACK PRIMAVERA SÓRDIDA 26

4 Blu-ray’s (Adan y Eva+ Algo se arrastra en la oscuridad+ Mundo de noche IV+De profesión gorila) + 4 dvd’s (Grandes alborotadoras+ Terror desconocido + EL espectro de Allan Poe+ Atraco al Hampa) + REVISTA EXHUMED  nº3 + DVD «La araña de agua»

COMPRAS: https://miskatonikweb.com/producto/pack-primavera-sordida-26/

RESEÑA DE "GAUA - EDICION COLECCIONISTA DIGIPACK + LIBRETO 32 PAGINAS (BLU-RAY + BLU-RAY EXTRAS)"

 

 RESEÑA DE "GAUA - EDICION COLECCIONISTA DIGIPACK + LIBRETO 32 PAGINAS (BLU-RAY + BLU-RAY EXTRAS)"

La filmografía de Paul Urkijo Alijo constituye uno de los recorridos más coherentes y personales dentro del cine fantástico español contemporáneo. Desde sus inicios, ha trabajado sobre un mismo territorio creativo: el de las leyendas tradicionales del País Vasco, el uso del euskera como herramienta narrativa y la exploración de un imaginario donde lo mítico y lo histórico conviven de forma natural. Lejos de dispersarse, su carrera muestra una evolución clara, en la que cada obra amplía y depura las claves de su universo.

Con Errementari, su primer largometraje, establece las bases de ese mundo. Se trata de una adaptación de un cuento popular que mezcla elementos de fantasía oscura, religión y moralidad en un formato cercano al relato clásico. Aunque su escala es más contenida y su estructura más tradicional, la película ya revela su interés por lo folklórico y por una estética muy marcada, casi artesanal, que conecta con el fantástico europeo más clásico.

El salto cualitativo llega con Irati, donde Urkijo expande su propuesta hacia un terreno mucho más ambicioso. Aquí el componente histórico se entrelaza con la mitología vasca de forma más directa, construyendo un relato épico que combina aventura, guerra y elementos mágicos. La película no solo amplía su universo en términos narrativos y visuales, sino que consolida su voz como autor, demostrando que es posible hacer cine de género con identidad propia y aspiración internacional.

Finalmente, Gaua representa una etapa de madurez y depuración. Ambientada en un contexto de caza de brujas, la película abandona parcialmente la épica de su obra anterior para adentrarse en un tono más íntimo, oscuro y simbólico. Aquí el folklore ya no funciona solo como marco, sino como núcleo temático desde el que explorar cuestiones como el miedo, la represión o lo ancestral. El paso de esta película la pasada temporda de festivales  refuerzó su posición dentro del panorama fantástico, donde su cine ha encontrado un espacio natural.

En conjunto, la evolución de Paul Urkijo es evidente: de la fábula contenida de Errementari, pasa a la expansión épica de Irati, para culminar en la depuración estilística y temática de Gaua. A lo largo de este recorrido, ha construido un imaginario propio sólido, siempre fiel a sus raíces culturales, y se ha consolidado como una de las voces más interesantes del fantástico en el Estado español, una auténtica esperanza para un cine de género que busca nuevas formas de identidad.

La trayectoria de Paul Urkijo Alijo alcanza en Gaua un punto de consolidación y, al mismo tiempo, de desplazamiento hacia un terreno más introspectivo y sombrío. Si Errementari establecía los cimientos de su universo y Irati lo expandía hacia lo épico, esta tercera obra se adentra en lo oculto, en lo reprimido y en aquello que queda fuera de la norma social. La película no solo prolonga su labor de rescate del imaginario folklórico vasco, sino que lo reinterpreta desde una sensibilidad contemporánea marcada por reflexiones sobre la identidad, la libertad y la memoria colectiva.

El propio Urkijo ha subrayado que su vínculo con la mitología nace de una experiencia íntima y emocional más que académica: son relatos que escuchó desde niño y que forman parte de su manera de entender el mundo. En Gaua, esa relación se transforma en algo más profundo. Ya no se limita a mostrar lo mítico como un universo fascinante, sino que lo convierte en una herramienta para hablar de lo humano. La noche, tradicionalmente asociada al peligro, se resignifica como un espacio de acogida, y las criaturas monstruosas dejan de ser amenazas para convertirse en reflejos de aquello que la sociedad margina.

El relato se articula en torno a Kattalin, una mujer que escapa de una vida opresiva y se interna en el bosque. Este recorrido funciona como una metáfora de transformación: abandonar el camino impuesto implica enfrentarse a lo desconocido para descubrir una verdad propia. Urkijo revisa así la imagen de las brujas y los aquelarres, liberándolos de la mirada condenatoria de la Inquisición. Lo que antes era visto como perversión o peligro se presenta ahora como un espacio de libertad y afirmación. En este sentido, la película adquiere una dimensión política al establecer paralelismos entre las formas de control del pasado y las del presente.

En términos formales, la obra supone también una evolución significativa. La estructura fragmentada, basada en relatos que se encadenan unos dentro de otros, remite directamente a la tradición oral. Esta elección refuerza la idea de que el director se concibe como parte de una cadena de transmisión cultural. Al igual que en Irati, donde el lenguaje y el nombrar eran esenciales, aquí el acto de contar historias se presenta como un gesto de resistencia y preservación.

Desde el punto de vista visual, Gaua profundiza en ese realismo mágico que caracteriza el cine de Urkijo, apoyándose en escenarios naturales que dotan de autenticidad a la imagen. En esta ocasión, el reto principal es la representación de la noche, trabajada con una atención especial a la luz, la atmósfera y la textura. Las entidades mitológicas no aparecen como elementos ajenos, sino como prolongaciones del entorno, integradas en el paisaje de manera orgánica. Esta fusión entre lo fantástico y lo real alcanza aquí una notable madurez estética.

                                       

Uno de los momentos clave del film es la escena del aquelarre, concebida como un complejo plano secuencia que combina coreografía, simbolismo y espectacularidad. Lo que en el imaginario histórico era un acto demoníaco se transforma en una celebración de la libertad y del cuerpo, alejada de cualquier mirada moralizante. La escena sintetiza el espíritu de la película: reapropiarse de los símbolos del miedo para convertirlos en imágenes de emancipación.

La dimensión feminista atraviesa toda la obra de forma natural. La centralidad de los personajes femeninos y la reinterpretación del aquelarre como espacio de resistencia apuntan a una reflexión sobre la represión histórica de las mujeres. Urkijo amplía esta lectura hacia una serie de oposiciones más amplias , lo racional frente a lo instintivo, lo normativo frente a lo marginal,  que estructuran su discurso y dan profundidad a la propuesta.

Al mismo tiempo, la película mantiene una continuidad clara con sus trabajos anteriores. Su método creativo, basado en la elaboración de materiales visuales previos como bocetos y referencias, sigue siendo fundamental para construir un universo tan particular. Esta combinación de planificación rigurosa y apertura a lo orgánico durante el rodaje le permite generar imágenes poderosas sin perder la conexión con lo tangible.

En última instancia, Gaua funciona como una reflexión sobre la importancia de contar historias y mantenerlas vivas. Para Urkijo, la mitología no es algo estático, sino un conjunto de relatos en constante transformación. Al reinterpretarlos desde una mirada actual, los actualiza sin despojarlos de su esencia. Nombrar, narrar y filmar se convierten así en formas de preservar y reactivar ese legado cultural.

Con esta obra, Paul Urkijo reafirma su posición como una figura singular dentro del cine fantástico español. Más allá de etiquetas, su aportación reside en la creación de un universo propio que conecta lo local con lo universal. Gaua invita al espectador a cuestionar los límites impuestos y a adentrarse en la oscuridad no como un lugar de miedo, sino como un espacio de descubrimiento y libertad.

El apartado de contenidos adicionales deja claro que estamos ante una de las ediciones más cuidadas y completas que se han visto recientemente en el ámbito del cine español. La Edición Coleccionista en Blu-ray de Gaua distribuida por Divisa Films no se limita a ofrecer la película, sino que apuesta por enriquecer la experiencia del espectador con un conjunto de materiales realmente generoso.

Para empezar, la película se presenta en dos versiones: la original en color y una alternativa en blanco y negro que aporta una lectura estética distinta, más cruda y sugerente, reforzando su atmósfera.

A esto se suma un segundo disco centrado exclusivamente en los extras, donde se reúne un abanico bastante amplio de contenidos: comentarios del propio director, un making of de más de media hora, un desglose de efectos visuales, piezas breves sobre aspectos concretos como los grabados o la construcción del bosque, además de galerías de imágenes, arte conceptual, fotografías del rodaje, storyboards, pruebas de maquillaje en time-lapse y distintos tráilers en varias versiones.

El conjunto resulta muy equilibrado, combinando material técnico con otros más visuales y curiosos, lo que permite profundizar en el proceso creativo y entender mejor cómo se ha construido la película desde dentro.

Como complemento final, la edición incluye un libreto de 32 páginas con información sobre la producción, disponible tanto en castellano como en euskera, un detalle que refuerza la identidad cultural del proyecto y redondea una propuesta especialmente pensada para coleccionistas.

Gaua - Edicion Coleccionista Digipack + Libreto 32 Páginas (Blu-ray + Blu-ray Extras)

Paul Urkijo Alijo (Director), Yune Nogueiras (Actor), Elena Irureta (Actor) 

Descripción del producto

• GOYA® (2025) – 3 Nominaciones: Mejor Diseño de Vestuario; Mejor Maquillaje y Peluquería y Mejores Efectos Especiales.

LA NOCHE PARA LAS DE LA NOCHE.

INCLUYE LIBRETO EXCLUSIVO CON DATOS DE LA PRODUCCIÓN EN CASTELLANO Y EUSKERA.

Montañas vascas, siglo XVII. En plena caza de brujas, Kattalin huye de su marido, abandonando el caserío en mitad de la noche. Perdida en la negrura del bosque, siente una presencia que la persigue. En su camino, se topa con tres mujeres que, mientras lavan la ropa junto al río, comparten cuentos de miedo y habladurías del pueblo. Para su asombro, Kattalin acabará convirtiéndose en parte de esas mismas historias.

Imagen: 2,39:1

Duración: 91 minutos

Región del disco: B

DISCO 1 - LA PELÍCULA, en versión color y en versión blanco y negro

Idiomas: Castellano y Euskera en 5.1 DTS-HD MA y 2.0 estéreo LPCM - Audiocomentarios del Director en Castellano y en Euskera - Audiodescripción en Castellano para personas con discapacidad visual con mezcla película en Castellano y en Euskera - lenguaje de signos para personas con discapacidad auditiva.

Subtítulos: Castellano, Euskera, Gallego e Inglés / Castellano y Euskera para personas con discapacidad auditiva.

DISCO 2 - EXTRAS: Making Of • Breakdown de VFX • Cómo se hizo: Los grabados de Gaua • Video: Construcción del bosque • Galería de fotos • Galería arte conceptual • Fotos rodaje • Storyboard • Time lapses de Maquillaje • Teaser en VO y VOSE • Tráiler en VE, VO y VOSE.

Detalles del producto

Relación de aspecto ‏ : ‎ 2.39:1

Clasificado ‏ : ‎ No recomendada para menores de 16 años

Dimensiones del paquete ‏ : ‎ 17 x 15 x 2 cm; 50 g

Director ‏ : ‎ Paul Urkijo Alijo

Formato multimedia ‏ : ‎ Blu-ray

Tiempo de ejecución ‏ : ‎ 1 hora y 31 minutos

Fecha de lanzamiento ‏ : ‎ 16 marzo 2026

Actores ‏ : ‎ Ane Gabaraín, Elena Irureta, Iñake Irastorza, Xabi López, Erika Olaizola, Yune Nogueiras

Subtítulos: ‏ : ‎ Castellano, Euskera, Gallego, Inglés

Idioma ‏ : ‎ Castellano (DTS-HD Master Audio 5.1), Castellano (PCM 2.0 Estéreo), Euskera (DTS-HD Master Audio 5.1), Euskera (PCM 2.0 Estéreo)

Estudio ‏ : ‎ Divisa HV

ASIN ‏ : ‎ B0GLGVL9Y6

País de origen ‏ : ‎ España

Número de discos ‏ : ‎ 2

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